冬雪秀孤松的个人资料

祝福宣化音乐人09年开心快乐~ 用音乐书写我们美好的生活，荡涤尘埃，净化心灵，唤起美好生活的向往！各位开心！

“全国优秀流行歌曲创作大赛” 中国音乐家协会中央人民广播电台中央电视台 “全国优秀流行歌曲创作大赛”通知为促进文化的大发展、大繁荣，进一步加强精神文明建设，满足人民群众传唱优秀歌曲的需求，中国音乐家协会、中央人民广播电台、中央电视台将共同举办“全国优秀流行歌曲创作大赛”。一、活动宗旨坚持“二为”方向和“双百”方针，以举办大赛为依托，以推动创作为重点，贴近实际、贴近生活、贴近群众，把广泛动员和组织创作结合起来，把评比过程变成激发文艺工作者积极性和创造性的过程，变成普及推广优秀流行歌曲的过程。力争通过此次大赛，推出一批内容健康、旋律优美、特色鲜明、群众喜爱的优秀流行歌曲。二、组织机构大赛由中国音乐家协会、中央人民广播电台、中央电视台共同主办。大赛设立“全国优秀流行歌曲创作大赛”领导小组，总体协调、指导大赛各项工作；领导小组下设大赛办公室（大赛办公室设在中国音乐家协会）。办公室设立歌词和歌曲两个专家委员会，参与对报送作品的评选。三、参赛要求（一）参赛对象参赛对象为全国的词、曲创作者（包括港、澳、台地区）和海外华人、华侨中的词、曲创作者，专业和业余作者均可参与。（二）创作时限参赛作品须为2008年1月1日以来创作的流行歌曲、歌词。（三）作品要求 1、体裁上，应为形式、风格多样的流行歌曲、歌词。 2、题材上，要求主题鲜明、内容健康、贴近群众。 3、作品力求歌词生动、旋律优美、易于传唱，即“好听、好唱、好学、好记”。 4、作者提交的作品及音响资料均不得侵犯任何第三方的著作权、商标权和其他知识产权。 5、作者投稿参与此次评选活动，即表示同意主办方对其报送作品的所有形式（包括曲谱、音响资料等）拥有非商业性使用权。其中，中央人民广播电台、中央电视台拥有永久播放权和播映权。作者享有著作权和署名权。

奏鸣曲与小奏鸣曲小奏鸣曲是对奏鸣曲而言,因为它相对短小、单纯,故称为小奏鸣曲。它由一至三个乐章构成,各乐章之间有对比的主题和对比的速度要求。奏鸣曲所用的曲式是奏鸣曲式！奏鸣曲式有三个主要部分：呈示部、发展部和再现部。在呈示部中，作曲家用了两个主要的曲调或旋律，叫做主题。而这两个主题通常在感觉上是成对比的。第一个主题活泼有力；第二个主题则比较柔和。而通常在两个主题之间会有一个短暂的过门。发展部中作曲家将主题发展陈述。在再现部，音乐又回到呈示部的主题，但稍有变更。呈示部之前通常带有引子，再现部之后通常带有尾声！维也纳古典注意乐派交响曲的第一乐章大都是标准的奏鸣曲式。

前奏曲什么是前奏曲呢？前奏曲是器乐体裁的一种。早期的前奏曲带有引子的性质，常在同一调式或调性的其他乐曲之前演奏。十七世纪和十八世纪中叶，前奏曲常与赋格组成套曲，或用作组曲的第一曲。十九世纪以后的前奏曲多无引子的功能，成为独立的具有即兴特点的中小型器乐曲，并常汇编成曲集，如肖邦所作《前奏曲二十四首》（Op.28）中的乐曲，有的具有单一动机的练习曲风格，有的具有抒情性的夜曲特征。拉赫玛尼诺夫、萧斯塔科维奇也作有同类的前奏曲集。戏剧音乐中的开场音乐或幕间音乐，有时亦称为前奏曲，如《茶花女前奏曲》等。有时也与序曲同义

前奏曲前奏曲是一种自由结构的短曲。常放在具有严谨结构的乐曲或套曲之前作为序引。15、16世纪的前奏曲是由琉特、哈普西科德或管风琴演奏的即兴性乐曲。巴罗克时期的作曲家，继承和发展了这种早期前奏曲，把它作为赋格或组曲的开始曲。巴赫的《平均律钢琴曲集》包含48首前奏曲和赋格，前奏曲是赋格的序引，有些是一个和声音型的发展，有些是一个旋律音型的发展，有些则用复调写成。他的《英国组曲》中的前奏曲，大多融合着复调和主调的技术，并采用长大的多段落结构。肖邦的前奏曲脱离了赋格和组曲而成为独立的钢琴特性曲。众赞歌前奏曲是路德宗教徒演唱众赞歌之前的管风琴序引，常用复调技术和变奏手法发展众赞歌主题，重要作曲家有巴赫、勃拉姆斯，雷格尔等人。19世纪40年代以后，短小的歌剧序曲也称前奏曲，如瓦格纳的《罗恩格林》前奏曲、《特里斯丹和绮瑟》前奏曲，威尔第的《弄臣》前奏曲和《茶花女》前奏曲等。

张家口市竹笛学会副会长朱海平率众学生参加赈灾义演并捐善款张家口市竹笛学会副会长朱海平率众学生参加赈灾义演并捐善款５月１８日上午１０时，中国竹笛专业委员会理事、全国民族乐器考级优秀指导教师、张家口市竹笛学会副会长朱海平，率领众学生参加了在宣化区世纪广场举办的大型赈灾义演，并在演出现场为灾区捐现善款。四川省汶川发生灾情后，朱海平老师一直牵挂着灾区人民，１７日当接到参加赈灾义演的通知后，他以最快的方式通知到每一位学生，学生家长给予了大力的支持。１８日一大早，三十余名学生集结到了朱海平老师的教室开始了紧张的排练，这些学生为了参加本次演出，一切事情都放在了后面，有的学生从几十里外的家里赶来。孩子们心中大概都知道这次演出的重要意义，在排练时，秩序井然，听从指挥，相互之间配合默契。　经过近两个小时的紧张排练，朱海平老师及家长们带领孩子们来到了世纪广场演出现场，就在侯场的时候，不时有未参加上本次演出的学生家长给朱老师打来电话，表示想参加本次义演为灾区做出支持，本来朱海平老师有八十多名学习竹笛演奏的学生，因为时间关系，一些学生的演出服装未做出来，为了保证演出质量，朱老师只好让有演出服装的三十余名学生参加了本次演出，朱老师向那些想让孩子参加演出的家长们表示了谢意。　十点，由宣化红十字会和宣化皇城合唱团联合举办的这次赈灾义演，在皇城合唱团演唱的《当那一天来临》歌声中拉开帷幕，朱老师和孩子们齐奏的竹笛曲目《古城人民赈灾忙》在第五个节目登场，穿着民族服装的孩子们队形整齐，精神饱满，在朱老师的领奏下，清脆响亮，激人奋进的笛声荡漾在整个义演和募捐现场，观众们热情的掌声不时传来，演出时现场刮起阵阵大风，这给吹管演奏到来了一定难度，演出经验丰富的朱老师和孩子们不断调整角度，圆满的完成了演出。演出结束后，朱海平老师在舞台上向主持人及观众介绍了孩子们参加本次演出的热情和爱心，并介绍了其哥哥朱世平和他即将组织百人竹笛齐奏参加奥运会期间大型文艺演出的情况，然后，朱老师当场向宣化红十字会捐献五百元赈灾善款，表达对灾区人民的爱心。

湖南葫芦丝·巴乌专业委员会成立庆典湖南葫芦丝·巴乌专业委员会成立庆典作者：吴利宾新闻来源：音乐周报点击数：50 更新时间：2008-3-3 -------------------------------------------------------------------------------- 新年伊始，湖南省衡阳市音乐家协会葫芦丝·巴乌专业委员会成立庆典暨衡阳市首届百人齐奏葫芦丝活动在衡阳举行。会议选举产生首届理事会：宾红勇任会长，李长君任副会长，周惠萍任秘书长。时下，在古城衡阳已经形成一股“葫芦丝热”，城乡已有五千余人学习演奏葫芦丝。

我国最古老的乐器合奏形式“琴瑟和鸣”得以重现我国最古老的乐器合奏形式“琴瑟和鸣”得以重现作者：戴劲松新闻来源：新华社武汉点击数：42 更新时间：2008-3-5 -------------------------------------------------------------------------------- 历经２０余年的挖掘、整理和研究，武汉音乐学院丁承运教授不仅恢复了失传千年的古瑟演奏方法，而且使“琴瑟和鸣”这一我国最古老的乐器合奏形式得以重现，从而解开了“琴瑟之好”的千古之谜。这一学术成果已被收入最新出版的《中国音乐史学文集》中。　　年届花甲的丁承运出身于河南省一个艺术世家，１０岁起学习中国乐器，对古琴情有独钟，后拜川派大师顾梅羹先生为师，为清代泛川派古琴代表人张孔山的第四代传人。　　丁承运介绍说，瑟曾是我国古代最重要的弹弦乐器，先秦时期与琴齐名，且两者往往相提并论。像《诗经》等古籍中就有琴瑟合奏的大量描写，如“妻子好合，如调琴瑟”“琴瑟在御，莫不静好”。近几十年来国内考古出土的古瑟有近百之多，主要集中在湖北省，河南南部、湖南等地也有发现，有明显的楚文化特征。出土古瑟最常见的为２５弦，分上下两组排列，其原理类似于钢琴的黑键与白键，两千年前的古人有这样高超的智慧，实在令人赞叹。　　上古时代瑟的演奏方法，在唐代以后就失传了。丁承运对此分析认为，古瑟演奏方法失传有可能是追求音律完美造成的，因为一个八度间有１２个音律，而古瑟两个五声搭配一组仅有１０个音律，要用另外两个律位时则需临时调弦或另设一张低半音的移调瑟。而唐代以后的瑟是用１２音律定弦，２５根弦一顺排列，这种设计看似完美，但演奏找弦极不方便，明代音乐家朱载堉曾在每根弦侧贴上标签，可见演奏这种瑟时的尴尬，这样一来，被淘汰似乎是必然结果。　　丁承运通过古文献研究和对出土文物的直接取证，如湖北随县曾侯乙墓出土战国古瑟、河南淅川战国楚瑟和长沙马王堆一号汉墓出土的西汉初期瑟提供的实物形制数据，还参考河南淮阳于庄汉墓鼓瑟陶俑的双手弹弦姿态，最终考证出古瑟定弦是相差半音的两组五声音阶，可以进行较广泛的旋宫转调。　　在此基础上，丁承运与身为武汉音乐学院副教授的妻子傅丽娜开始研究古瑟的演奏法，发掘古曲，并逐步与古琴演奏相和，让《神人畅》《卿云歌》等上古时代的乐谱得以“复活”。近年来，这对夫妻组合的“琴瑟和鸣”演奏会，在美国以及我国台湾、香港等地均获成功，并得到了国内外业内专家的认同。知名音乐学家何昌林说：“这项成果真可以用‘恍然大悟’这四个字来做标题。”

中国音乐“金钟奖”简介中国音乐“金钟奖”简介作者：佚名文章来源：本站点击数：1108 更新时间：2004-9-21 -------------------------------------------------------------------------------- 　　中国音乐《金钟奖》是经中宣部批准的、中国音乐界唯一的综合性专家大奖。　　中国音乐“金钟奖”力求通过表彰在音乐工作中成绩卓著、贡献突出的音乐家，树立勤学、创新的楷模，促进我国音乐艺术水平的不断提高，繁荣和发展音乐事业。　　《金钟奖》设荣誉奖、表演奖和作品奖，每年举办一届。每届分别对在创作、表演、教育、理论、评论、编辑出版等方面，有突出成就的音乐家进行褒奖。　　首届中国音乐“金钟奖” 于2001年拉开帷幕，先后在河北廊坊、厦门鼓浪屿和广州举办了五届。　　《金钟奖》坚持导向性、权威性、公正性的评选原则。它的成功举办，必将对我国社会主义音乐事业产生积极的深远影响。

流行音乐教育需嫁接更需融合——访首届流行音乐大赛评委会主任付流行音乐教育需嫁接更需融合——访首届流行音乐大赛评委会主任付林作者：王素芳文章来源：中国艺术报·中国音乐点击数：75 更新时间：2007-12-28 -------------------------------------------------------------------------------- 第六届中国音乐金钟奖首届流行音乐大赛的参赛选手主要来自专业院校，通过举办此次大赛，可以反映出当下中国内地流行音乐教育的发展现状，从而探寻流行音乐教育未来发展方向。本届大赛评委会主任、著名作曲家付林一直关注着中国内地流行音乐教育，并在身体力行的教育实践中形成旗帜鲜明的教育理念。问：金钟奖首届流行音乐大赛有何特点？答：此次大赛参赛选手成分有变化，专业团队较多，其次是专业院校，再其次是唱片公司，凸显出专业性很强的特点。现在各种赛事太多，能稳定下来长期举办的不多，我们也在摸索金钟奖今后要有的特点。央视青歌赛从19８６年至今，时间最长，影响最大，主要是借助电视媒体的特点。金钟奖可以办成以专业行业协会为主体的赛事。媒体搞比赛可以牵动音乐文化事业的发展，但我认为应该回归到以专业行业为主体举办赛事，从而进入推动音乐文化事业的发展轨道上来。这是金钟奖第一次将流行音乐比赛独立出来，将来还可以做得更好。我们的比赛和选秀不一样，但可以吸收选秀的很多东西，比如把流行音乐比赛整个过程加以宣传，而不仅是比赛结果。推出人才是最终目的，形式过程还可以探索。问：从这次流行音乐大赛选手的表现，能否反映现在流行音乐教育的现状？答：流行音乐的教育比原来有长足进步，这次比赛有不少是专业院校的学生来参加，这是好事，流行音乐的后劲看教育。流行音乐２０年来的发展并不是从教育来的，而是过渡性、自发性的较多。过去的音乐教育大都以传统音乐教育为主，有长处也有弱点。流行音乐有自身的规律，国外早就开设了流行音乐的专业课程，学生都是经过一番系统学习的。现在，北京、沈阳、西安、四川等地都设有流行音乐学系或者流行音乐学专业，这是不小的进步。这样的形势也就在近１０年，最近５年发展更快，从几个发展到几十个。但流行音乐教育还正在初级阶段，还达不到高水平。需要一大批音乐教育者投入进去。问：您提出声音是流行音乐的主要元素，能详细谈谈吗？答：这牵涉到教学理念。传统的教学理念是用科学的办法训练，比如美声学派发音找气息、位置、共鸣等技术，而流行音乐的声音一定要有个性，声音是很重要的因素，甚至是第一因素。首先声音要有亲和力，有魅力。声音的表现不一样，传达感情的信息就不一样，这非常重要。要练习声音的魅力，林忆莲的声音有磁性，王菲的声音另类，邓丽君的声音婉约古典，这都是声音的魅力。其次是声音要有张力，音域、音量能加强声音的表现力，歌曲扩大音量很重要，有时不需要声音全部释放，歌剧常采用半声、虚实结合的方法，真真假假。要把声音表现纳入到流行音乐艺术的认知和技术的认同上来，我们在教学上还有很大的努力空间。我很害怕专业的演员演唱时变成一个腔调。林忆莲、张惠妹、梅艳芳的声音怎么没有人和她们一样？艺术产品一定要有个性，没有个性、批量生产的要坚决反对。问：通过举办流行音乐大赛，对流行音乐教育的发展是否有触动？答：触动是缓慢的，通过比赛打分能反映出评委在关注什么，喜欢什么，从而可以起到引导下一届比赛的作用，使比赛逐步多元化，思路更开阔。每一场比赛也需要逐步点评一下，让歌手知道问题所在。每个评委都有自己对音乐的理解，从不同的侧面产生的结果会有距离，但特别好的不会漏掉，特别差的也不会上去，这就算成功。

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李广平的现代歌词论李广平的现代歌词论 ��李广平，著名音乐制作人、词作家、音乐文化和音乐活动的企划、评论、推广专家。广东韶关人。１９８６年毕业于华南师范大学中文系，同年进入星海音乐学院任教。现为广东省流行音乐学会秘书长，广东白金音乐文化传播有限公司艺术总监。主要作品为《你在他乡还好吗》（李进演唱）、《潮湿的心》（甘苹演唱）、《相信远方》（张莹演唱）、《保重朋友》（徐宁演唱）等三百余首歌曲；另外还发表过十余万字的乐评文章，编、著出版书籍等等。�� 第一讲词的特征�� 一首优秀的流行歌曲的产生，同时也就创造了一个完整的艺术世界。这个艺术世界如此奇妙，它综合了文学与音乐的精华，通过旋律与文字同时感染打动我们，使我们自然而然成为俘虏，徜徉在歌曲所创造的艺术氛围中。那么，除去旋律这个基本“建筑材料”以外，歌词是一种什么艺术品种呢？

水田里的水牛---原创多少年的根据地,你默默的坚守.多少年的盘中餐,也有你的功劳.

感~ 不是所有的抱负都可以施展不是所有的祝福都可以应验

歌词吧应该包罗万象，相互交流。可以原创，可以分析好歌词。畅所欲言啊~

原创歌词：都是中国人欢迎谱曲原创歌词：都是中国人欢迎谱曲海峡两岸的人们都是中国人中国人都是龙的传人炎黄的子孙脉是神州脉根是华夏根风雨同舟五千年历史有见证我们有日月潭我们有阿里山长江黄河是我们共同的母亲海峡两岸的人们都是中国人中国人就该手牵着手心儿连着心韵是神州韵魂是华夏魂团结友爱同胞情家和万事兴我们有黄土地我们有大长城和平统一是我们共同的呼声电子信箱：[email protected]

歌词创作之我见-----转(音乐之王者风范) 　看了时下不少各个文学站的歌词创作，包括论坛精华区。首先是受益非浅，其次么，还是觉得有可以进一步提高的空间，或者说，使得‘歌词论坛’更为个性化特色化发展的空间。这需要所有人的共同努力：从文学站管理员的角度，需要让歌词版在取向上更明朗，特别是要与‘诗词版’有所区别；从广大网友的角度，当然是需要更用心的创作，写出更多有实用价值的歌词，让歌词创作的作品真正‘可诵可歌’。　　下面，我从三个方面阐述一点个人意见，才疏学浅，望不至于贻笑大方。　　　　一、歌词与诗词的区别　　说到这个方面，我想提一下古体词。其实古体词创作和现在的歌词创作是极为相似的。‘沁园春’、‘江城子’、‘蝶恋花’、‘浪淘沙’等等词牌，其句式是固定的，古体词讲究律列，由不同的文人依其版式填入不同的内容。它与唐诗的区别主要在于工整性，唐诗的律列一般都相对固定在五言、七言，这是一种用来诵读的文学艺术。而我们在阅读宋词的时候遇到的那些长长短短的句式、疏疏密密的韵脚，就会觉得一种音乐感。确实，据考证，古体词的词牌原本都有固定的曲式一一对应，虽然这些音乐唱法几乎没有留存下来，但不可质疑的是，古体词确实是古代的一种用于歌唱的文学艺术。　　那么，古体词创作与现代歌词创作的区别在哪里呢？我觉得，最主要的区别并非文学，或者说主要并不在于文学表现形式的革新（即使最新潮的R&B曲风都有类似《东风破》这样复古风的作品），而在于音乐形式的极大自由化和个性化发展。　　粗略概算了一下，宋词常用词牌现今为人所知的大体五十至六十个，多不出一百个，也就是说，当时全国的文人都围绕这一百种以内的曲式进行创作。这种现象带来一个显而易见的结果：一首词，它所表达的情感，无论是快乐、悲伤、积极、消极，全由文字作者，也就是词人所左右。所谓曲式只是为固定格律而存在的框架物，而泯灭了其作为艺术的功用。所以，同一词牌的作品，既可以写得气势磅礴、也可以弄得小里小气。这或许正是宋词最终只留下文字的原因吧。　　反观如今的歌词创作，无须我多言，歌与词的关系就如同水与鱼，从某种程度上，音乐的重要性甚至要超出文字本身。好的音乐能让人一听便感受到其中所蕴涵的情感，歌词则更多之是对音乐表现情感的丰富和诠释，当然，也存在反过来先创作歌词的情况，这时候好的歌词也必须通过与之切合的音乐才能让人产生强烈共鸣，两者相辅相成，互为补充。　　基于以上的看法，我期待我们的歌词创作能更多地将音乐和文字结合起来，可以搞一些固定单曲的填此比赛，或者为某些特别好的歌词征集音乐。总之，由于客观上文字写手相对更多的现实，也希望能吸引更多的音乐作者加入进来，以期真正展现歌词创作的特色，而不是都停留于低级别诗词创作的孤芳自赏之中。　　　　二、作为歌词作者的团队意识　　如今的社会各个行业都讲究teamwork，即团队协作，歌词作者当然也不能幸免。对于创作歌词来说，最重要的就是与曲作者的合作。这是至关重要的一环，应当在创作的最初就建立这样的意识。　　或许有人会问，在没有曲作者的情况下，找谁去合作呢？或者说，为什么不能我们先写歌词，让曲作者来迎合我们呢？　　对第一条，我想说重要的是培养协作的意识，我们需要配合的是音乐本身，而并非作曲的人，所以这就成为一件非常简单的事情，世界上优秀的歌曲层出不穷，我们可以多听一些好的音乐，不需要理解外语歌词，只要对音乐有感触都可以尝试为其创作中文歌词。这样，由于创作是建立在具体音乐的基础上，也可以提高作者追随节拍的能力。另外，由于创作的动力来自于对音乐的感悟，也易于写出有灵魂的作品。我并不主张闭门造车不考虑音乐的写词方式，具体到本论坛，虽然一些作品格律工整压韵准确，却由于其长短句式过于单调，而给作曲带来困扰。另外，也不主张为华语歌曲重新作词的尝试，因为原有的歌词可能会对创作带来局限，这在锻炼阶段并无必要。

歌名大串联--------歌曲名接龙歌名大串联--------歌曲名接龙我先来.规则简单,首尾相接,同音字即可. 如<我只在乎你>---<你可知道我爱谁> 大家接......

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说说你最喜欢的一首歌词请大家说出你自己最喜欢的一首歌词～

什么是音乐？什么是音乐？音乐是什么和什么是音乐？是富于色彩的音响还是音响的色彩？它有色彩吗？还是仅仅只是音响本身？它的色彩是什幺？红的、白的、蓝的、黑的、黄的？其实对我来说，它什幺颜色也没有、什幺颜色也不是，却是所有的颜色。它可以是黑暗的赞美诗，也可以是光明的安魂曲。它不从属于什么？从属于谁？包括道德、伦理、思想、信仰、梦幻、颠狂、绝望，却拥有这一切并能慰籍人的心灵。它是生者夕阳的掩体，也是垂死者晨曦的梦墓。它是泥土，可以垒筑圣坛、可以搭建红尘的亭楼和遗世的隐居，也可以摧毁、覆盖和遮蔽生活和生命及其物化的和精神的一切？它是寂寞日子的笑靥，也是喧哗岁月的苦涩。是无形无象的文字，是你读不懂的奇妙的词汇。是深情中的一份滋润，是无可逃匿的莫名的焦灼。是澄澈如水的忧郁，是云聚云散的迷惑。是日光下轭下的沉默，是夜梦里清醒的钟鸣。是感觉又超乎常人的感觉，是所有人的娼妓，是众生的情人。音乐是自在，如风瞬间触摸尘世的疲惫，灵肉因此而起涟漪，而一圈圈生出波纹。罗曼罗兰说，音乐是月白色的光，是冰山上流下来的青白色的水，超越所有的善，所有的恶。它来自心灵，复归心灵，它塑造万物的形态，又超越所有的形态，它是风和水交相流动的线条，瞬息万变，无可捉摸也无从捉摸的象形之。

学钢琴要重视音乐基本素养的学习学钢琴要重视音乐基本素养的学习音乐基本素养包括乐理、视唱练耳、节奏训练等内容，是一套系统的理论知识，是各类音乐院校入校必考内容及在校生必修课程。从小进行这方面的训练能有效地开发智力，挖掘人的音乐潜力，并能对学琴起到很大的促进作用。这部分内容同时也需要一个较长的学习、训练过程，不是短期内能突击完成的，一般的技能课因为受时间限制，无法系统讲解。中国音协编辑出版的《音乐基本素养考级教程》是一套很好的教程，本教程分上下两册共4 级。第1 级主要针对初学者，主要是进行视唱与听觉的初步训练及学习相应的乐理知识。第2 级也是从零开始但有一定难度，主要针对有一定钢琴基础的学生。第3 级已相当于大学教程，其中已涉及到较深奥的和声知识。第4 级是音乐知识，包括音乐家介绍、音乐发展史、作品分析等。本级内容可集中学习也可插在前几级中间学习。主要内容为： 1、乐理，即音乐基本理论知识为了演奏的需要，钢琴课往往是用到什么讲什么，因为不讲学生就不会弹。这样在课上讲的乐理只能是应付演奏，不可能系统、详细，不可能讲得太深，更没有书面练习。学生只知其然而不知其所以然，也不会留下深的印象。学生如果想自学，就会遇到很多新问题。有一部分很重要的知识在技能课上几乎涉及不到，如音值组合法、音程的构成与识别、和弦原理、大小调式、民族调式以及相当于大学教程的和声、音乐发展史、作品分析等。 2、视唱练耳与节奏训练这是素养课的核心和精髓。视唱就是看着谱唱。视唱是音乐工作者的一项基本功，也是学习乐器学生的一项基本技能。视唱学得好的学生，学琴过程不会出现识谱方面的问题，因而进步顺利；听音是对耳朵的直接训练，音乐是听觉艺术，听觉能力的提高直接意味着音乐素质的提高；节奏是音乐的骨架，节奏训练有助于培养学生的乐感，学生学到一定程度后进步的障碍主要在这方面表现出来。通过学习音乐基本素养，能有效地开阔学生的艺术视野、提高音乐修养，全面提高音乐素质，并使眼、口、手、脑、耳能得到全面协调的锻炼。

歌词并不是能唱的诗词歌词的命运是和旋律集合在一起才能得以大的发展！

先填词？还是先谱曲？我知道＜长江之歌＞是后来填词的．

歌词创作之我见，欢迎大家谈～说说歌词创作体会／

歌词吧缘何无吧主？歌词吧缘何无吧主？

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西方音乐史 3 第六章浪漫主义世纪　　19世纪的欧洲是一个充满了剧烈变革的时代。科学的发展、工业的革命、经济的变革、新的社会、政治思想层出不穷，人们的生活经历了前所未有的变化。启蒙思想影响下的解放运动——法国大革命，虽以拿破仑的军事独裁而宣告完结，继而导致欧洲各民族君主政体的建立，然而它毕竟震撼了欧洲的社会基础，并继续发挥着影响。1830年和1848年的资产阶级革命运动，同样是受民族主义热情和政治自由理想的鼓舞。欧洲的民族主义，从前几个世纪的模糊状态发展成为一种明确的信念、理想，成为历史文化发展的强大推动力之一。　　浪漫主义运动于18世纪下半叶起源于文学，19世纪上半叶在文学中已达到鼎盛，并漫延到其他艺术领域。音乐史上的浪漫主义时代大致包括1820——1910年近一个世纪。浪漫主义反对崇拜理性，歌颂本能和情感。与古典主义客观地对待艺术生活相反，浪漫主义以主观的角度感受事物。卢梭说：“我和我见过的所有人都不同……”与诗歌里人称代词“我”大量出现一样，作曲家们也努力地发掘着自我。他们往往与作品融为一体。浪漫主义的情感主义在文学的抒情诗所洋溢出的激情中得到体现，而浪漫主义音乐的抒情旋律和细腻和声，更直接地诉诸人们的情感。音乐艺术揭示印象、思想和情感的不明确性和无限性，使它（特别是器乐音乐）成为理想的浪漫主义艺术。　　浪漫主义恋慕自然。19世纪是美术史上的风景画的时代，音乐家不仅把大自然作为题材，也作为他们的力量和灵感之源。浪漫主义倾向于不同艺术之间的结合，音乐家把音乐与文学和绘画结合起来，为的是追求更富想象力的表现。　　浪漫主义时代作曲家的社会地位和社会功能发生了巨大的变化。法国大革命导致了封建宫廷的衰落，也就摧毁了欧洲延续了几百年的音乐保护制度。音乐家摆脱了宫廷附庸的地位，他们必须面向音乐会的广大听众和音乐爱好者的需求，他们必须与出版商打交道。他们在这一解放过程中，也失去了在社会中明确的地位。无常的生活常使他们陷入贫穷，或在精神上处于远离社会人群的孤独境地。一、早期浪漫乐派　　早期浪漫乐派的作曲家生活创作于19世纪上半叶。韦柏和舒柏特在歌剧和艺术歌曲中初露出浪漫主义特征。舒曼和肖邦在小型器乐、声乐体裁中则以其激情、幻想和诗意完全体现出浪漫主义的精神气质。柏辽兹的标题交响曲则为中期浪漫主义开拓了道路。韦柏　　韦柏（Carl Maria Weber，1786—1826）生于德国的小镇欧汀。曾在维也纳学习音乐。1813年任布拉格剧院指挥，1816年任德累斯顿歌剧院指挥。他的文学才能与音乐天赋同样出色，撰有音乐论著。　　《魔弹射手》（又译《自由射手》）是他最重要的歌剧，完成于1820年，1821年在柏林演出。歌剧题材与德国浪漫主义文学常出现的神话、传奇、历史相似，神密的大自然的森林背景，质朴的乡村生活，主人公的命运与神秘的魔力纠缠在一起，象征着善与恶。韦柏在德国歌唱剧的基础上吸收了意大利歌剧的手法，而德国民间风格的音调（如“猎人合唱”）和“狼谷”一场音乐的魔幻气氛的出色渲染，都是歌剧的新颖之处。歌剧序曲的音乐都取自于歌剧，简炼地概括了剧情。《魔弹射手》被认为是第一部浪漫主义歌剧。　　韦柏的另外两部重要歌剧是《优兰特》和《奥伯龙》。他还写有大量器乐曲。他的标题钢琴曲《邀舞》创造了圆舞曲的诗意的形象，被法国作曲家柏辽兹改编为管弦乐曲。他还为他所钟爱的单簧管写了协奏曲。舒柏特　　舒柏特（Franz Peter Schubert，1797—1828）生于维也纳近郊里克登塔，父亲是爱好音乐的小学校长。童年随父学习小提琴，从兄学习钢琴。以出色的童声进入帝国教堂唱诗班，后任乐队队长，常担任指挥。他曾随萨列里学习作曲。1818年以后，他放弃在父亲学校里的教职，在维也纳开始了自由音乐家的生涯。他的几次不很认真的谋职都未能实现，一生少与贵族交往（仅1818—1824年间，作为兼职音乐教师，夏季去埃斯特哈齐家族的乡下领地），主要依靠不固定的作品出版稿费度日，受到出版商的盘剥。在维也纳与几位志趣相投的年轻艺术家形成小文化圈，给他的生活带来乐趣和慰藉。他的生活时常陷于贫困，在朋友的接济下才得以度过难关。1821年参加维也纳“音乐之友协会”，歌曲和室内乐作品在协会举办的“音乐晚会”和“音乐沙龙”中演出。年仅31岁在贫病中死于维也纳。葬于贝多芬墓的近旁。

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声乐和歌剧(二) 　　清唱剧和康塔塔　　清唱剧是一种大型声乐套曲，由独唱、重唱和合唱组成，用管弦乐队伴奏。当十六世纪末年，清唱剧和歌剧在意大利同时产生的时候，清唱剧象歌剧一样是在舞台上演出的，但内容取材于圣经故事，是一种宗教题材的歌剧。到了十七世纪中叶以后，才采用了只唱不演，也就是“清唱”的形式，但内容还是有一定的戏剧性，有时并且和歌剧一样有剧中人物。后来，清唱剧的内容已不限于宗教题材，也可以采用世俗题材。清唱剧特别适合于表现历史上和现实生活中的重大事件，所以许多清唱剧常常具有壮丽宏伟的史诗气息。　　十八世纪德国作曲家韩德尔作有三十多部清唱剧。著名的《弥赛亚》是一部宗教题材的作品，歌词是根据圣经写成。全曲分为三部分，类似于歌剧的三幕。这部清唱剧没有剧中人，但音乐的形式象歌剧一样，包含独唱、重唱和合唱，前面有序曲，中间还有间奏曲。独唱分宣叙调、叙咏调，宣叙调又分无伴奏宣叙调和伴奏的宣叙调两种。这些都和早期歌剧的形式相接近。　　宣叙调是一种音调和节奏都和语言紧密结合的独唱曲，所以也称为“朗诵调”。在两种宣叙调中，无伴奏宣叙调的歌唱性更弱，而且不用管弦乐队伴奏，只用古钢琴弹奏一系列的和弦，来支持人声。伴奏的宣叙调用管弦乐队伴奏，歌唱性比无伴奏宣叙调稍强一些。　　咏叹调是歌唱性很强的、有完整的形式结构的独唱曲。而叙咏调是一种旋律比伴奏的宣叙调更加精致一些的独唱曲。它象咏叹调那样有比较鲜明的歌唱性，但结构比较短小，不象咏叹调那样有充分的发展。所以叙咏调是介于伴奏的宣叙调和咏叹调之间的一种独唱曲。　　清唱剧中，除了宣叙调、咏叹调等独唱曲外，还有重唱曲和合唱曲，也有序曲、间奏曲等管弦乐曲。其中合唱曲尤其是清唱剧的重要组成部分。　　康塔塔是一种类似于清唱剧的声乐套曲。它同清唱剧和歌剧一样，产生于十七世纪之初的意大利。最初，康塔塔是一种世俗题材的作品，只是由宣叙调和咏叹调交替演唱的独唱声乐套曲。十七世纪中叶传入德国以后，才发展成为包含独唱、重唱和合唱的声乐套曲，内容既有世俗题材，也有宗教题材。康塔塔的形式近似清唱剧，但规模比较小，戏剧性不太强，往往偏重于抒情，有些类似于我国的大合唱。从两种体裁的起源来说也有区别：清唱剧最初是象歌剧一样在戏剧舞台上演出，观有戏剧表演。巴赫有一部《圣诞清唱剧》，由六个教会康塔塔组成。由此可见，康塔塔往往是清唱剧的组成部分，它的规模当然就要比清唱剧小得多了。　　巴赫一共作有二百多部康塔塔，其中近二百部是教会康塔塔，是为宗教节日创作和演唱的；二十多部是世俗康塔塔，是为世俗社会的节庆活动如庆贺生日、命名日，以及婚礼、丧礼等场合而创作和演唱的，和节庆活动没有关系。教会康塔塔常以众赞歌结束，众赞歌是一种基督教会众合唱的赞美诗，而世俗康塔塔则不包括众赞歌，是由宣叙调、咏叹调、重唱和合唱组成的。　　十九世纪以后的作曲家，用交响音乐的发展手法来处理康塔塔，使之成为贯穿着戏剧发展的大型声乐——器乐作品。康塔塔和清唱剧的区别，实际已经不存在了。

歌曲艺术和如何诠释歌曲 Povla Frijsh（1881—1960），一生完全致力于艺术歌曲演唱艺术的丹麦女高音歌唱家，一些专家认为她是和同时期的德国歌唱家Gehardt并驾齐驱的最伟大的艺术歌曲演唱家之一，艺术歌曲演唱艺术中一位神秘的大师。也许，她的不为人知是因为她有着极为独特而纯粹的诗歌诠释方式，而她的艺术对于许多人来说都难以理解。她40年的艺术生涯只留下了70余首录音，但全部是艺术歌曲录音，它们是艺术歌曲演唱艺术中最精华的部分之一。确实，Povla Frijsh的演唱只有极少数人能够完全理解。她不喜欢录音，她的艺术只奉献给现场的听众，因此她50年的艺术生涯只留下70多首歌曲录音，平均一年才1首多，确实达到了千锤百炼的境界，为了艺术，她学习并精通5门外语，我们不能想象，这是怎样呕心沥血的境界。和歌剧相比，艺术歌曲无论是对演唱者还是欣赏者来说，都有着更高更难的要求。歌剧中可以有优美的声乐长线条，漂亮的高音，各种技巧，把歌唱家托起来的乐队等等，它基本上是常规叙事的，对于一个歌剧迷来说，即使不懂得台词，也可以完全沉浸其中，哪怕仅仅是欣赏声音本身，而在一些时候，歌词已经完全不重要了。例如切利比达奇在接受采访时曾挖苦说：““伯爵夫人，你吃过饭了吗？”这句台词要怎样用音乐来表达呢？真是荒唐。它和音乐又有什么关系呢？”另一方面，一个歌剧演员在歌剧中也总有着各种私心杂念，竭尽所能展现自己的声音，此时，声音已经不仅仅是表现音乐的手段，同时也成为了目的。而艺术歌曲则不同，一首歌曲表现的是一首诗歌，是音乐和诗歌的结合，它不是常规叙事的，意象是跳跃的。歌词、声乐、钢琴三者是密不可分同等重要的。大多数情况下，艺术歌曲没有长长的声乐线条，也没有各种炫技得以展现的机会（当然花腔女高音炫技歌曲不在此列），歌者需要通过声音和钢琴一起去表现音乐和诗歌中的意境、情感和戏剧性。此时，声音本身完全不是目的，而成为了用音乐的手段表现诗歌的奴隶。事实上，世界上没有一个人能够理解领悟所有优秀的艺术歌曲，不管是音乐家还是诗人，因为没有人能全部理解所有这些不同音乐所要表达的不同诗歌的意境。因此当一首艺术歌曲作品的谱子摆在面前时，我们怎么把这些看似毫无联系的音符连起来呢？无疑，这部作品是一首音乐诗歌，但我们的演唱是要是把诗歌图解化？小说化？或是戏剧化？蹩脚的艺术歌曲演唱家是用唱歌剧的思维，把一首精美的音乐诗歌变成了炫耀自己声音的工具，或是诗歌和音乐的腔调不对，结果就是诗歌不是诗歌，戏剧不是戏剧，美好的声音在这里变成了矫揉造作，这其中也包括了选择曲目不谨慎的大歌唱家，他们对诗歌没有敏感性，而却擅长叙事的戏剧表演，正所谓术业有专攻，每个人的思维都有局限性，尤其天生的气质类型，而与艺术修养无关。而优秀的艺术歌曲演唱家，则会找出音乐和歌词上的联系，通过自己的努力，把这首音乐诗歌以通俗易懂的形式表现出来，表达给听众其中的美。这个过程的结果，尽管诗歌还是诗歌，但已经是经过了翻译，正如“唐诗宋词翻译成白话文”的过程。而在这个过程中，歌者多少总会有些私心杂念，想表现自己的声音，适度的加以夸张，就象费舍—迪斯考的演唱，人们听不懂歌词，却仍可欣赏他从极弱到极强极度夸张的声乐技巧，从这个意义上来说，他不是个最纯粹的艺术歌曲演唱家，因为客观上他给了听众太多游离于音乐诗歌，单纯欣赏他声音技巧的机会。而另一位艺术歌曲演唱大家Lotte Lehmann总是采用更通俗易懂易被人接受的方法来演绎歌曲，人们通过她的演唱可以从中得知，哦，原来这首歌是表现了这些东西，有这些内在联系，在这个过程中，诗歌一定程度客观上被以更通俗易懂的方式解读出来（相比之下，同期另一位德国Lieder大歌唱家Gerhardt总是避免过度夸张的表演，她的演唱方式也远远不如Lotte Lehmann那么通俗易懂和易于被接受）。

浅谈古典吉他及其乐曲的特性和与之相关的几个问题浅谈古典吉他及其乐曲的特性和与之相关的几个问题作者：何青文章来源：互联网点击数：121 更新时间：2007-1-17 -------------------------------------------------------------------------------- 古典吉他（Classical Guitar）是一件具有相当久远历史的弹拨乐器。它最直接的前身可以追溯到盛行于文艺复兴和巴洛克时期的鲁特琴（Lute）。鲁特琴是起初是当时世俗音乐中为歌唱和舞蹈伴奏的主要乐器。但在那个时代，器乐已经基本上从声乐中独立出来，在加上复调音乐的高度发展，因此鲁特琴很快就拥有了大量的独奏曲目，并且很多乐曲具有丰富的多声性。古典吉他继承了上述鲁特琴的特性，作为独奏乐器，它具有很高的音乐表现力——它既可以演奏优美动听的旋律，又可以演奏色彩丰富的和声和逻辑严密的复调，而且它还是一件最简便实用的伴奏乐器。它那灵活多变的演奏手法，以及因之而形成的各种独特的音响，是同类及其他乐器所无法替代的。近一个多世纪以来，西方重新认识到了古典吉他作为独奏乐器的魅力与价值。在国外的许多音乐院校，都开设了古典吉他演奏专业，各种类型和规格的比赛、演出和艺术交流活动也十分频繁，从而使这件古老的乐器在今天焕发出了特有的生命力，并日益在国际艺术舞台上占有越来越重要的地位。古典吉他演奏是一门独立性、科学性和系统性很强的学问。同时，这件乐器本身和它的乐曲也具有许多特性。对于学习古典吉他的人来说，了解这些特性将是十分有益的。本文试图从对这些特性的分析入手，阐述与之相关的几个问题。目的是使人们对古典吉他及其乐曲有一个较为全面的了解，在较高的层次上进一步认识和挖掘它的艺术价值。一．古典吉他与演奏者的“亲密性”和与之相关的音色问题 “亲密性”指的是古典吉他作为乐器，具有能和演奏者形成最直接、最亲密的关系的特性。这种特性直接来源于乐器本身构造上的无机械性。具体来说，古典吉他既没有钢琴上的踏板和一系列发音装置，也没有小提琴用于发音的弓子；即使与同类或其他的弹拨乐器相比，也无需使用拨片或指甲套。这样古典吉他就能最大限度地去除由于机械装置和附属物所造成的演奏者与乐器之间的中介和障碍，从而使演奏成为一种类似于歌唱的“纯人工”的活动，即发音、延音、止音、音色的选择、力度的控制与变化等都通过人的手指直接作用于琴弦来完成。从某种程度上讲，这给演奏者带来了诸多的不便与困难，特别是演奏复调乐曲时，各个声部时值的延留与终止都要靠左右手来完成，而不能象钢琴那样，通过踏板来控制得以解决。但是，如果从另一方面考虑，这种“亲密性”又能使乐器更加贴近演奏者，为演奏更加自由、更富于创造性地运用乐器提供了极大的可能和广阔的空间。同时，这也使演奏者能够获得更多的音乐表现的方法与途径，有利于他们个性特征的塑造和发挥。古典吉他的发音主要是靠右手的弹拨。由于上述古典吉他构造和演奏上的特性，就使这种乐器的音色变化十分丰富，而且变化的显著程度也远远大于其它乐器。拨弦时前后位置的挪动可以产生明显的音色变化，这是与其它弹拨乐器相似的。而古典吉他在同一位置上拨弦时，也会由于多种原因而使音色发生各种微妙的变化。如，拨弦角度的变化，指甲与琴弦接触时点的位置的变化，由点的位置及角度的变化所引起的拨弦瞬间指甲厚度的改变，以及肉与指甲不同比例的使用等等。上述这些原因所造成的音色的变化，有时是十分微妙的，但它们却往往能够产生强烈的艺术效果，从而使音乐变得生动、感人。据说，举世闻名的塞戈维亚大师可以在一根琴弦的同一个位置上演奏出多种不同的音色；而法国的居梅先生则更善于赋予吉他一些非常新奇的音响。如，他演奏的《仿委内瑞拉的民间乐队》、《非洲素描》等。这些大师对于古典吉他音色的潜心研究、自如运用和创造性的开发，无疑对乐曲在表现上起着直接而有效的作用。它能使演奏者更全面、更生动地向听众展示乐曲中深刻的内涵，丰富的情感，和多彩的画面。华裔冰岛吉他演奏家约瑟夫·冯先生在信中曾经对我这样说到：“我们应该为能够成为吉他演奏家而感到庆幸，因为它有丰富的音色和多彩的和声……”。的确，作为一名古典吉他演奏者，我能深深体会到演奏中由微妙的音色变化而产生的巨大艺术效果。出色的吉他演奏家正是由于能够自如地运用诸如音色等的各方面技术，才能使他们的演奏达到“传神”的境界。相反，音色单一无变化，则只能使演奏平庸、乏味，再复杂、在华丽的乐曲也会令人感到黯然无光。

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谈练琴效率谈练琴效率作者：杨轶文章来源：键盘中国论坛点击数：174 更新时间：2007-1-18 -------------------------------------------------------------------------------- 练琴不应该只强调苦练，拼命地练，重要的还三个“巧”字上。如何才能事半功倍，在有限的时间内提高练琴效率？这里就谈谈我的体会。首先，在拿到一首新曲子的时候，不宜马上就弹，更不能上来就双手弹，如果这样做，看似是抓紧时间，其实不然。柏拉图说过：“开始是工作的最重要部分。”首先，我们应该先想一想乐曲的作者、创作年代、环境，这是一首什么类型的曲子以及如何演奏。这样对乐曲有一个大概的了解，弹奏时心里就会有数了。如果过于盲目，熟练之后才去考虑这些问题，改起来就会很吃力，反而在浪费时间。其次，在练习过程中，应该在一些自己认为指法容易混淆的地方标明指法。很多同学认为这是小儿科，对此不屑一顾，其实并非如此。举一个身边的例子：有两个同学同时弹一首曲子，其中一个识谱很快，一个上午便能双手合下来，然而我去她琴房听她弹时，发现她几乎每一遍的指法都不一样，而且十分别扭；另一个同学刚开始弹单手，在乐谱上写满了指法，编得亦十分顺手、易弹。两周后，这个同学的曲顺利通过，而前者却还在改指法的过程中……因而若想提高练琴效率，标明指法也是十分重要的。练琴，还要勤于思。毕达歌拉斯说：“早晨醒来时，问一问自己‘我应当做什么？’，晚上睡觉前，问一问自己：‘我做了些什么？’”练琴也是如此。如果总是一遍一遍漫无目的地傻练，即便练再多的时间也无济于事。我们每天坐在琴凳上，应该先想一想：我今天着重练哪首曲子？需要注意些什么？老师上课时提出了什么？弹完之后，再总结。由此循序渐进。我们宁可花一个小时去琢磨一句的触键、变化和音色，也不要花同样时间去从头到尾弹10遍。孟子曰：“心之官则思，思则得之，不思则不得也。”还有同学手上是在弹琴，脑子却不知在想些什么。有时弹完一遍后，竟不知自己哪里弹过哪里没弹过。这样极不好。如果精力不能集中时，应马上停下来静一静，把杂念驱逐出去，重新投入音乐。毫无目的、心猿意马地练习，只会让你停滞不前，甚至后退；勤于思考、仔细钻研，才会使你百尺竿头更进一步。另外，对于练习曲和一些乐曲中的高难度段落，整日快练是不好的。应该多慢练和变节奏练习。虽然慢练一遍要花很长时间，但它能培养手指的颗粒性和跑动能力。快练习只会越弹越“糊”，越练越“滚”。很多同学没有耐心，开始起得很慢，后面会越弹越快起来。我认为：打着节拍机练习，决不是在浪费时间，而是在提高效率。变节奏练也是十分必要的，它能使手指跑得更快。钢琴家许忠的《肖邦练习曲》Op.25之6，就曾想出30多种变节奏的方法。叔本华说过：“平庸的人关心怎样耗费时间，有才能的人竭力利用时间。”朋友，你在竭力利用时间吗？

杂谈音色杂谈音色作者：佚名文章来源：风华艺校点击数：120 更新时间：2007-3-21 -------------------------------------------------------------------------------- 　　对于一个乐手来说我认为他表现音乐能力的衡量标准有2点。　　一是你对音乐的表现方面（指弹琴的技术，感觉等等，大致有两种，一是技术型的乐手，二是感觉型的乐手，指他们的创作偏向）这个各有各的爱好，就不在多说。　　二是你使用音色对音乐的体现。这个很重要，很多人都拼命苦练，可是他们忘了对音色的要求是很重要的，这也需要长时间的积累以及对数据的琢磨！还有些人过分的追求音色而忘了自己的演奏，总想的有了好的音色练琴就有动力，其实如果你的性格就不刻苦，再好的条件也造就不了你！　　大家是不是觉得自己没有好的音色主要是因为没有好的效果器？其实不然，决定你的音色的好坏最更本的是你的琴，然后是播放通道，最后才是你的效果处理。如果你只有仙人掌的种子，你觉得它会长成一棵大树吗？所以有些人觉得自己的音色不够好，或听到别人好听的音色就不停的买效果器，赶潮流，其实你只是在浪费资源。把自己现有的设备发挥到及至那才是正确的，如果那时还满足不了你的需要，你在考虑加入新的设备！　　再说一点音色的制作，首先你的琴决定了音色的更本，如果你只有一把国产琴，那就把他当练习琴就可以了，因为这些抵挡琴连功率都不够就更不用说来做出哪个大师的音色了。接着是你的播放器，好的音箱是绝对必要的，建议大家再能力的情况内选则电子管的音箱，多花一点会带给你很多东西。说到效果器，大致有几种类型，一是主音源的变化，例如失真，过载什么的，二是限制输出讯号频率的，如压缩，限制，三是周遍的处理好象延时，混响之类的，现在还有了音箱模拟器，例如line6，百灵达，gt-2。许多大师的好音色不是你一般调几下就可以作的很相似，特别是他们用的周遍，都是很好很好的硬件！所以不要说什么“谁能用505调出上帝的爱的音色”，这些都是很可笑的。还有音箱模拟器不是真的能做到百分百的著名音箱音色，只是接近，所以你要根据你的音箱来做调整。要是能作到，steve vai只用买个模拟器带个喇叭就去演出了。　　最后说一下，大家要把手上的设备发挥到及至才是必要的，如果你真的发挥到及至了，你也就明白你的505为什么作不出上帝的爱的音色了，如果你知道真的自己需要什么样的音色，就先分析它，然后制作，最好根据自己的需要作出正真你自己标志性的音色。

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流行音乐大赛总决赛开赛在即中国音乐人社区开通“金钟奖流行音乐近日，中国音乐金钟奖首届流行音乐大赛（宁波）总决赛将于11月24日至30日在浙江省宁波市举行。为搭建选手之间以及选手与组委会间的沟通桥梁，也为让选手通过网络更好地展示自己，现中国音乐人社区开通“金钟奖流行音乐圈”，欢迎各位选手加入交流。

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音乐是无国界的语言不知道我这样的认识是否正确、是否偏激？欢迎大家来交流~！

音乐史上的分期巴洛克时期：从1600年至1750年，这是一个以流行的建筑装饰风格命名的时期。本时期无论是器乐还是声乐都有着伟大的进步，和声更趋于复杂，拓深了作品结构和情感幅度的表现范围。音乐家方面，产生了象巴赫、亨德尔和维瓦尔蒂这样的音乐巨人。他们奠定了古典音乐的基础。　　古典主义时期：自1750年到1820年。这个阶段产生了新的音乐形式——发达的器乐音乐。其表现的幅度也更加自由。海顿、格鲁克和莫扎特为其代表性作曲家。1827年去世的贝多芬则打开了通往另一个时期的大门。　　浪漫主义时期：1820年至1920年。浪漫主义打开了表现个人情感的大门。艺术家想保有淳朴的生活、宁静的乡村、澄澈的小河和幽深的人迹罕至的森林。这一时期的音乐家有：贝多芬、舒伯特、柏辽兹、门德尔松、肖邦、舒曼、威尔地、瓦格纳、比才、勃拉姆斯、柴可夫斯基、约翰·施特劳斯、圣-桑、德沃夏克等。　　现代音乐时期：1920年至今。作曲家们试图破除从前作曲家所遵循的严格规则另寻新路，他们中的一些人自创规则，用12音体系创作了很多作品。各个民族纷纷涌现了许多天才作曲家。如普契尼、格里格、西贝柳斯、普罗科菲耶夫、马勒、格什温等。

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北京奥组委公布奥运会涉及的音乐作品知识产权保护方案北京奥组委公布奥运会涉及的音乐作品知识产权保护方案作者：王涌新闻来源：新华社点击数：38 更新时间：2007-11-12 -------------------------------------------------------------------------------- 北京奥组委11月8日在北京与中国音乐著作权协会（以下简称“音著协”）举行了音乐著作权保护授权文件交换仪式，并公布了北京奥运会所涉及的音乐作品的知识产权保护方案。北京奥运会所涉及的音乐作品包括：用于北京奥运会开闭幕式和文化活动中的音乐、用于场馆的背景音乐、用于颁奖典礼和比赛的音乐等。初步估计，北京奥运会将使用上万首音乐作品。其中，北京奥组委通过奥运歌曲征集活动评选出的奥运歌曲将作为重点。根据我国著作权法和国际音乐作品的使用惯例，北京奥组委还需另行获得其他音乐作品著作权人的许可，方能在北京奥运会使用这些音乐作品。音著协作为我国音乐著作权集体管理组织和国际作者作曲者协会联合会的成员组织，他们将根据其与世界上其他国家的音乐著作权集体管理组织签署的协议，全力配合北京奥组委解决北京奥运会所涉及的音乐作品的知识产权许可。根据保护方案，北京奥组委就北京奥运会使用的他人享有著作权的音乐作品向音著协取得著作权许可并支付著作权使用费；同时，作为奥运歌曲的著作权人，北京奥组委授权音著协对奥运歌曲的表演权、复制权等著作权事务进行管理，以确保社会各界合法使用奥运歌曲。奥运歌曲的著作权和奥运会口号、会徽、吉祥物、体育运动图标、火炬接力标志以及其余奥林匹克标志，都是奥林匹克知识产权的有机组成部分。奥运会涉及的音乐作品数量庞大，传播方式多样，影响广泛，音乐作品的著作权保护一直是知识产权保护工作的重要内容。北京奥组委与中国音著协的此次合作，不仅表现了双方对知识产权保护工作的高度重视，也使音乐作品的知识产权保护工作成为北京奥运会奥林匹克知识产权保护工作中的新亮点。

音乐剧《冰山上的来客》红色经典融入时尚元素音乐剧《冰山上的来客》红色经典融入时尚元素作者：佚名新闻来源：新华网点击数：35 更新时间：2007-11-12 -------------------------------------------------------------------------------- 　冰山、草原、新疆歌舞、壮丽秀美的边疆风情。音乐剧《冰山上的来客》8日、9日在中国第八届艺术节黄石分会场连演两场，用时尚元素演绎了别样的红色经典。　　《冰山上的来客》取材于经典电影《冰山上的来客》，讲述的是解放军与帕米尔高原上的少数民族群众一起与敌人作斗争的故事。音乐剧在保持原片惊险曲折的情节基础上，对经典进行了继承和创新，既原汁原味地保留了《花儿为什么这样红》《怀念战友》等四首观众耳熟能详的歌曲，又融入了不少时尚元素，为观众提供了一场视听盛宴。　　据演出单位新疆歌剧院院长努斯勒提·瓦吉丁介绍，该剧创作时就以“民族风格、时代特征、青春时尚、红色经典”为宗旨，通过优美通俗的音乐旋律和民族风情的舞蹈片段，展现了舞台艺术的魅力。新疆歌剧院2004年12月首次将这部音乐剧搬上舞台，目前已在上海、广州、武汉等地连续演出近70场。　　努斯勒提·瓦吉丁说，音乐剧《冰山上的来客》的特色是运用现代舞美演绎红色经典，其选材贴近群众，时代感和时尚感兼具，很容易被观众接受。

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纳西古乐纳西古乐作者：佚名文章来源：北京旅行网点击数：15 更新时间：2007-7-25 -------------------------------------------------------------------------------- 纳西古乐是广泛流传在纳西民间的古典音乐，它是一项无形而最赋予生命力的重要内容，被称为“中国音乐的活化石”。纳西古乐由大型古典乐曲《白沙细乐》和《洞经音乐》两部分构成。它是古老的洞经音乐的传承及与纳西音乐融合的结晶。　　《白沙细乐》是纳西族古老的风俗性古典音乐套曲。关于它的来源，一说为“元人遗音”，一说为“创自民间”。它共有十大调，现只存八大调，以乐器合奏乐为主。《洞经音乐》是明清时期传入丽江的汉族道教洞经音乐，带有汉曲丝竹乐风。洞经音乐自明清以来即风行于中国各地文化阶层，因其主要用于谈演道教经典《玉清无极总真文昌大洞仙经》（简称洞经）而得名。流行于丽江的洞经音乐，既具有古朴典雅的江南丝竹之风，又揉进了纳西族传统音乐的风格，形成了独具的韵律。《洞经音乐》共有二十多首，其中《八卦》、《山坡羊》、《浪淘沙》、《水吟龙》等被中国音乐界专家鉴定为“中国唐宋遗间”。　　纳西古乐历来以其庄重典雅的格调著称，它是一种高雅的智能艺术。纳西古乐会集古老乐曲，古老艺人为一体，被誉为稀世“三宝”。古乐会演奏的乐曲历史悠久，古朴典雅，最早可追溯至唐代。驰名中外的大研纳西古乐会是保存及推广洞经音乐的代表者，他们以古老的乐队，精湛的技艺，巡回各地演出。

一个民族两样景观——裕固族的传统音乐作者：李延红文章来源：音乐周报点击数：14 更新时间：2007-7-27 -------------------------------------------------------------------------------- 在我国西北河西走廊中部和祁连山北麓，居住着古代回纥人的后裔———裕固族。这个人口较少的民族主要聚居在甘肃省的肃南和酒泉县。由于较复杂的族源关系和诸多历史方面的原因，这个居住相对集中的小民族内部，却在语言、生产方式和文化习俗等方面存在许多差异。裕固族的传统音乐包括宗教音乐和民间音乐两类，其中以民间音乐，特别是民歌为主体。裕固族在明清以后普遍信仰藏传佛教，同时民间也保留了一些萨满信仰习俗，比如每年举行一至两次的敬“罕点格尔”(神)。在这些仪式活动中，佛教寺院诵经、作法、跳神等活动所用的音乐和乐器，基本与藏族地区的藏传佛教仪式音乐相同；萨满仪式中由敬神人“也赫哲”唱的整套歌曲，皆用包含了许多古老词汇的西裕固语吟唱，非常古朴、神秘。历史上流传下来的裕固族民歌品种很多，如叙事歌、牧歌、劳动歌、风俗歌、儿歌等，此外也有许多外来的歌曲，比如汉族的小调，回族和东乡族的“花儿”或“少年”，以及源于藏族的山歌、酒曲等等，令裕固族的民歌文化带有多元化色彩。叙事歌具有传承历史、传播文化等诸多功能，以讲唱本民族历史、故事或神话传说等为主，一般它们的唱词篇幅长大但曲调较短小，可以反复演唱，旋律有较强的吟诵性。流传在东、西部地区的《西至哈至》，是一首著名的裕固族叙事歌曲，以口传的形式记录了裕固族先民由嘉峪关外东迁进入河西走廊的史实和传说，对我们了解和研究这个民族的历史甚有帮助。牧歌在西裕固语中称“玛尔至耶尔”，东裕固语称“玛尔至顿”，其流布范围较广，但较多见于西部裕固族民歌中。牧歌的节奏相对自由，近似于蒙古族的长调类歌曲；其曲调平和悠扬，用真嗓演唱，风格却与汉族的平腔山歌较接近。根据放牧牲畜的不同，这类歌曲又有“放羊歌”、“牧驼歌”、“放牛歌”等几种。其中东部裕固牧歌的题材多与马有关，如《海青马》《枣骝马》等，似乎可从另一方面印证了这部分裕固人的生活方式，以及其与蒙古民族之间的渊源关系。劳动歌和风俗歌是与裕固族人们生活联系最为密切的两种歌曲，前者多反映人们的劳动生活，后者则关系到人在生命各阶段的必经仪式。裕固族的劳动歌比较丰富，如在畜牧区广泛流传的“奶畜歌”，西部地区垛草时唱的劳动号子“垛草歌”，东部地区擀毡时的齐唱号子“擀毡歌”，以及其他如“割草歌”、“捻线歌”等。其中“奶幼畜歌”是一种非常特殊的歌曲，主要唱给那些生育后不让幼畜吃奶的母畜听。它的词曲即兴性强，唱词多用虚词，时常也会插入一些规劝或责骂母畜的话，音乐或深情甜美，或凄婉动人，具有较强的感染力，可令躁动不安的母畜变得安静、驯良，从而顺利下奶和哺乳幼畜。其实，这种“奶幼畜歌”在其它阿尔泰语系从事畜牧业的民族中也很常见，但若是从数量、应用和音乐等方面考虑，却是以裕固族的此类歌曲较为典型。婚礼和丧礼是裕固人生活中的头等大事，此类仪式歌曲也非常有特点。比如在裕固族的婚礼仪式中，新娘出嫁前有戴“头面”(一种装饰品)的习俗，其时要唱“戴头面歌”；新娘离开娘家之前要与舅舅对唱“告别歌”；在两家举行的仪式中，婚礼主持人主持仪式时唱“待客歌”，等等。而在丧葬仪式中，盛行火葬的西部地区，出殡时有女子在路上唱歌送葬的习俗，亲友们以哭声相和，所唱即“送葬曲”。除此这外，在东部地区流传的婚礼歌、叙事歌、牧歌等民歌中，有一部分叫做“蒙曲”的歌曲，是由后来成为裕固族先民的部分古代蒙古部落带入并流传下来的。根据学者的分析，这些“蒙曲”的节拍节奏介于蒙古族的长调和短调之间，有可能保留了蒙古族短调向长调发展过程中的某个阶段的特点，从而具有“活化石”意义。