罐头音乐体系最最重要的构成部分就是情绪。无论是音乐本身所表达的，还是与画面所结合的，还是观众所感受到的，情绪的吻合是第一大要素。
罐头音乐一词的含义是指制作完成的版权音乐，可以直接拿了使用，用情绪化的标签分类，以商业用途为主。罐头音乐最早出现于 1909 年，《电影音乐纵横谈》这篇文章中记录到“1909 年美国爱迪生专利公司（Motion Picture Patents Company）便为电影的剧情选择对应的音乐乐段，贴上〈快乐〉、〈哀伤〉、〈气愤〉等的标签，以便在剧情出现时能立即运用。直至今日，电影或电视所谓的“罐头音乐”就是沿袭这项作法,由于之后的电影音乐的发展和有声片的出现，这一做法逐渐被遗忘，直至 20 世纪 8、90 年代，随着电视业和互联网的发展，罐头音乐被打造成了一种商业模式重新进入人们的视野。

罐头音乐体系类似于一种大型的情绪音乐库，成百上千种情绪对应着上万条音乐。最早的罐头音乐出现在两个方面，广告配乐和电影预告片配乐，像老牌的 615music，West one music 等都是最早做广告配乐起家，发行专辑超过 200 张；进入 21 世纪开始起步的新公司，如 X-Ray Dog，Epic Score，Audiomachine，Two Steps From Hell 等则是主攻电影预告片配乐。从 21 世纪初起，以 Hans Zimmer 为代表的一批音乐人在好莱坞推行罐头音乐体系，方便简洁化的商业模式，HZ 亲自成立了罐头音乐厂牌 ABACO Music。
同上面两个体系一样，罐头音乐体系的发展也伴随这一个原因，那就是经济因素。一方面随着电影成本不断增加，面临资金短缺是司空见惯的事情，另一方面美国在 2000 经历的经济泡沫和 2007 经历的金融危机，使得投入与回报问题让很多厂商和制片方非常困扰，米高梅甚至因为债务问题倒闭了，罐头音乐的高性价比就了最受欢迎的选择。

在音乐本身的特点上，和声旋律基本遵从人耳听觉规律，类似于 MV 的手法，气势磅礴，很容易让普通观众接受。说到罐头音乐，就不得不提到所谓的史诗感，这种配器手法已经超越了其他音乐要素本身在罐头音乐体系中成为第一位。

和声：绝大部分的和谐音程关系和调性是确定的，尤其是非旋律声部的循环，基本为整段整段的和谐音程，在旋律线条上，大部分和谐的行进，偶尔穿插不和谐音程，然后再回到和谐音程上，这种和声的走向使人在生理上有很大满足感，乐曲中几乎不会使用单音，整段旋律的和谐音程会让音乐比较有灵动感有连贯性，在情绪或气势的表达上也更为完整，整个和声走向更注重故事情节的发展走向，而并非自身的表达

配器：罐头音乐的标准就是情绪化分类，不同情绪的表达和很多特色乐器有关，基本相当于经典体系和试验体系的结合体，哪种更合适就选用哪种。

特别要指出，非常之流行的史诗风，一般在主题轨，是有着固定的配器手法的，思路就是“主旋律”+“弦乐 ostinato（固定音型，也可以解释为动机）" +”合成器节拍”。如图所示：

一般的通用思路也可以理解为就是“主旋律”+“弦乐 ostinato”，这种手法最开始出现在 JP 的《谍影重重》中，后来是《蝙蝠侠》，这两个用这种手法都是有原因的，《谍影重重》是为了用 ostinato 给摇晃手提镜头规范出节奏感，《蝙蝠侠》是为了表现蝙蝠翅膀。
后来这种技法被 HZ 应用到了《达芬奇密码》中，之后是 SJ 的《变形金刚》，再之后这种史诗风就被无数制片发现了，被运用到了更多商业电影之中，如《雷神》《哈 7》《盗梦空间》等等。
例如，《盗梦空间》乐谱图（来源于 Google）：
PS：这种固定音型的手法跟 Philip Glass 的极简主义完全是两种概念。

曲式结构：罐头音乐的曲式结构比较另类，需要结合原声带来论述。一般收录在电影原声带中的曲目，曲式结构都相对完整，但有时候由于选择的特色或是民族乐器，使得某一轨的结构又完全零散掉；正常收录的轨有时候在电影的实际应用中会被重新的修改和编排，使得电影中的曲式结构由完全崩溃掉。罐头模式制作的电影，在电影本身中还会用到非常多的非收录音乐，即素材库中的现成音乐，为了配合几秒的画面和几秒的情绪表达，这种转瞬即逝的罐头音乐在音乐上几乎不存在结构一说。

旋律：罐头音乐体系中的旋律大多受情绪的控制，比如某种气氛，气氛的概念对于整个影片有一个基奠作用，一般剧情类的主题受气氛影响更多，人物类的主题则呈现的比较多元化。不过这两种主题塑造的都较为明确，前者多为铜管声部，后者多为木管声部。旋律的作用在于很明确直观的把观众迅速带入整个影片的氛围和节奏之中。

罐头音乐英文怎么说

不错

复制我基友的文章

这个我看过的帖子！......

有一个小疑问，罐头音乐的演奏是交响乐团演奏还是电子合成呢？

http://www.zhihu.com/question/21335384
知乎上的原文。