导演叔叔 导演叔叔
关注数: 0 粉丝数: 95 发帖数: 2,391 关注贴吧数: 11
使用虚拟灯光和程控机械臂实现《地心引力》的外太空环境 《地心引力》以一段令人难忘的13分钟无间断镜头开始，展示了从太空观察地球的壮阔场面，而太阳照射下的太空站和三名身着宇航服的宇航员也逐渐出现在人们眼前。突然间，来自某个卫星爆炸的大量碎片飞速袭来，撞击空间站，一名宇航员牺牲，而另外一名宇航员Matt Kowalski（George Clooney饰）和医疗工程师Ryan Stone（Sandra Bullock饰）则漂浮在太空中，无依无靠。接下来的影片都在讲他们想尽办法拯救自己，试图到达离他们最近的空间站，与此同时还要面对氧气不断减少所带来的威胁。这部3D电影包含大量长镜头和流畅的摄影机运动，使得美丽而又危险的太空环境更逼真，细节更丰富。这是导演Alfonso Cuarón、摄影师Emmanuel Lubezki，视效总监Tim Webber和他们的团队在经过长达五年的合作之后所达到的水平。Cuarón和Lubezki是老朋友，他们已经合作拍摄了6部影片，包括《你的妈妈也是》和《人类之子》，后者由Tim Webber担任视效总监。 Lubezki声称，在《地心引力》的外太空戏份里，只有头盔下演员的脸是实拍的，这使得本片在技术和美学更加令人难忘。外太空场景的其他东西，包括宇航服，空间站，地球，都是CG制作的。同样，有一场戏中，没穿宇航服的Stone飘过一艘飞船上空，Bullock在片场是被钢丝吊着的，而她的周边环境则是数字制作的。（空间站内部的大部分戏份都是在搭建的布景中拍摄的） 《地心引力》在许多方面都成为了范例，展示了在包含大量虚拟制作的影片中，如何扩展摄影师这一角色的作用。人们都承认Lubezki在处理实拍和计算机生成影像环节起到了不可替代的作用。除了与Cuarón一起构思虚拟摄影机的运动，他还为数字技术员设计了虚拟环境光照，使得实拍时的光线与CG场景相匹配，保证最终输出结果尽可能完美。另外，他还监督了2D转3D过程，以及2D、3D和IMAX版本的最终调色。“我在《地心引力》中所做的还是摄影师的职务，”Lubezki说，“在这些过程中，我必须学习如何使用新工具，它们或许将来会成为电影摄影的一部分，我对此非常期待。” Lubezki说，Cuarón最初告诉他零重力会为他的镜头移动和光照设计提供很大的自由，他回忆道：“Alfonso说，‘你会爱上这部影片的，因为在这儿你想怎么拍都行。’但是这种说法被证明是错的，因为我们决定让影片尽可能地接近真实。”他注意到，除了自然、真实，影片创作者还希望展示太空中的物理特性，这也就催生了大量的长镜头和推拉镜头。他解释说：“我们希望让众多镜头都包含伸缩性，例如，镜头一开始是大全景，然后推到特写，然后又回到全景。” “我们很想去太空环境中看看，但显然是不可能的，因此唯一的办法就是利用一切技术手段来模拟。”Cuarón说，“在理想情况下，我们应该全片都在太空中拍摄，如果我们有机会这么做，那么我希望拍到的跟现在观众所看到的片子一样。” Webber领导着伦敦Framestore的特效团队，他深信Cuarón对长镜头的狂热加上零重力环境设定会导致他们必须使用虚拟摄影机。“我们需要完全自由的虚拟摄影机，”Webber说，“因此我们创建了一个虚拟环境，然后考虑如何把演员的表演合成到其中。” 太空环境设定要求光照设计环节包含三个主要的光源：遥远的硬质太阳光，地球反射的柔光以及偶尔的来自月球的反射光。“这种设定既不像真正外太空的样子，也不像太空站里面的样子，”Lubezki说，“在太空中，人们面对的是一片漆黑，只能看见太阳的一部分、地球的一部分，偶尔能看见月球。如果真是这样的话，100分钟的片子就没有那么多吸引人之处了，所以Alfonso和我决定不断改变光照。” “于是我需要处理光线的属性，光线是很硬还是很软，反射率是多少，颜色又是怎样的，”Lubezki接着说，“这些看似微小的细节可以让我们创建出许多不同的环境。我们还很幸运，因为航天器运动都很快，24小时内就会经历数个白昼黑夜。”事实上，全片的光照效果跟随摄影机和角色的运动旋转有着十分丰富而戏剧性的变化，赤道上空每90分钟就会出现一次日落。有一个令人叹为观止的日落场景表现了Stone最终转入了黑暗的星空中，几乎没有光照，只有头盔内部发出微弱的光。 制作组的准备工作首先是为角色在整个剧情发展中设计准确的全局轨迹，这之后Webber和他的团队就可以开始创建相应的地球景观。Cuarón选择让故事开始于宇航员飞过墨西哥上空（这是他的故乡），之后的精确轨迹便让Lubezki可以设计特定的光照和颜色线索。他回忆道：“我会这么说，‘在这场戏中，Stone是在非洲沙漠上空，太阳进入视野中，因此地球的颜色会很暖，她脸上的反射光也会是暖色。’我们可以使用一份地图来作为光照改变的依据。 接下来，制作组制定整部影片中摄影机和角色的走位，这样Framestore的动画师就可以开始为全片创建简单的previs动画了。Lubezki和Cuarón选择了一种很低端的方案来决定场面调度。“摄影机的运动非常复杂，但是我们从最简单的方式开始，首先是故事板，然后是一堆木偶和玩具空间站、玩具航天飞机，”Lubezki解释道，“我们与动画师讨论这种原始的方案。这种先用模型摆设，然后由动画师制作黑白动画的方案很不错，接下来再添加体积、颜色和灯光。这的确是一层层附加的工作。” Cuarón在回忆起编排零重力环境下的角色运动时笑着说：“这些组合确实是有必要的，因为你的角色在不停地旋转。比如说，我们从George的脸开始拍，然后移动摄影机到Sandra，她以不同的速度在旋转。你绕着她拍摄，然后又拉回到George。唯一需要注意的是，如果你直接退回到George，那么你接下来拍到的就是他的脚。因此我们不得不重新开始设计故事板，有时候你会突然发现令人惊喜的东西，然而有时候你得改动整个场景。” Webber补充道，某些镜头实拍时摄影机的运动被动作捕捉系统记录下来，以便与CG场景相匹配。“我们希望摄影机的运动尽可能自然流畅，”Webber说，“因此，相比一帧帧做关键帧动画，我们选择了在小型动作捕捉棚中使用虚拟摄影机系统。Alfonso、Lubezki和我可以拿着这个小支架四处走动，控制摄影机参数和构图，然后我们对录制的轨迹做一些修改，使其更像是在零重力下拍摄的。” Lubezki相信长镜头能很好地把观众代入影片当中。“长镜头的关键在于身临其境。对我来说，它使得整个画面更逼真、更贴切、更直白。剪辑点越少，观众跟角色之间的互动就越多，好比观众在实时地观看角色所经历的一切。这是Alfonso和我在《你的妈妈也是》及《人类之子》中发现的规律。” Cuarón强调说，每当他想要尝试一个很酷的摄影机运动时，Lubezki都不允许他这么做。他以开场的镜头举例，镜头结束时是Stone飘向广袤的太空。“我们在做previs时，当她开始往远处飘的时候我说，‘我们不需要剪辑，我们可以在同一个镜头中跟着她运动，这样一来开场的两个镜头就可以合为一个镜头。’但是Lubezki说，‘我认为当她飘出去的时候是最佳剪辑点。如果这是一本书的一章，这应该是这章的最后一句话。’他说的没错。否则，我们得更加努力地做这个长镜头，并错误地以为全片都应该这么做，但显然影片不应该是这样。我不想说剪辑是服务于剧情的，因为在此我有我自己的观点。对我来说，剧情本身跟摄影、声音、表演和色彩是等同的，他们都是一种电影制作工具，所以你要服务的是电影，而不是故事。” 在另一段令人难忘的摄影机运动中，镜头开始于Stone的主观视角，从她的头盔向外看，画面中还有反光，然后穿过头盔玻璃，结束于一个外部的宽视角。Cuarón解释道：“在此有一个目的，在影片开头处，我们想展示一种客观的事实，所以我们只是看到几个宇航员在执行任务。当灾难发生后，我们仍然跟随Stone，并使用客观视角，直到切换到POV视角，我们想向观众展示她的主观感受。” 在创建完包含虚拟摄影机运动的previs动画后，下一步就是前期光照设计，Lubezki和Framestore团队一起制定CG光照效果。“我与一群数字艺术家一起合作，为全片设计灯光效果。”Lubezki回忆说大约有12个人负责不同场景的灯光设计。 CG光照总监Paul Beilby说与Lubezki一起进行的前期灯光设计是为了提高效率，并且比Framestore以往的任何项目都更重要。“我们与Lubezki直接讨论，”他说，“我们使用非常原始的对象和粗略的描述，因为他习惯于非常快地得到关于光照样式的反馈。” 高级视效制片Charles Howell解释道，《地心引力》中的长镜头要求制作组在早期阶段做出大量决策。“我估计previs动画中只有大约200个剪辑点，而通常一部电影都有2000个剪辑点。由于这些镜头在开拍的时候就已经确立了效果，因此很多长镜头在接下来3年的制作过程中都没有改变。我们跟Lubezki一起设计了整部影片的灯光效果，这些效果甚至在开拍之前就已经固定不变了。”Lubezki 强调说，《地心引力》中把演员的脸合成到虚拟环境里面领着巨大的挑战。“在试图将实拍画面与CG动画结合起来时，最大的难题一直是光照，”他说，“演员的打光通常都跟CG环境不同，而如果灯光不对的话，合成就没法进行了，看上去会非常怪异，观众将会体验到动画师们常说的‘诡异谷现象’，也就是说每样东西都非常接近真实，但你的潜意识就是会觉得有什么东西不对劲，这会使你立刻跳出剧情。避免诡异谷现象的唯一办法就是在面部使用自然、真实的光照，并寻找匹配面部光照与CG环境光照的办法。” 这一挑战使得Lubezki开始构想一个独特的照明环境，这一方案最终被称为“LED灯箱”。他回忆道：“这就像是意外发现的新事物。我的想法是搭建一个布满LED的布景，照亮身处其中的演员的脸，使其与previs动画相匹配。”Lubezki进行了全面的LED测试，然后找到Webber及其团队制作了20英尺见方的灯箱，在其内部打出虚拟场景的图案，匹配演员的主观视角。在制作LED灯箱的同时，团队还解决了LED闪烁和颜色不一致等问题。 在LED灯箱内部，CG环境跨越整个墙壁和天花板，模拟地球的反射光照亮Clooney和Bullock，并为演员提供视觉参考，让他们觉得他们是漂浮在太空中。这一别致的方案可以直接把将要用于合成的虚拟环境光拿来照亮演员的脸，使得实拍和虚拟元素之间保持匹配。 对于Lubezki来说，来自地球的复杂光线也是必不可少的，这会让打在脸上的光更加细致而写实。“如果是用传统的钨丝灯或者HMI灯加滤色片，那么你只能得到单一的色调。而我们的LED要展示虚拟场景，那么投影在演员脸上的光可能一边是暗的，一边是亮的，也有可能中间有个其他颜色的亮点。这是很复杂的，所以我们必须使用灯箱。” Lubezki还需要添加移动的硬光，作为太阳光源，以匹配CG环境中的太阳。为了实现这一点，他让他的团队使用小型Dolly车、摇臂和遥控头在演员周围移动Robin 600E Spot轻便型照明灯。器材师Pat Garrett在每个镜头拍摄时根据虚拟环境中太阳所在的位置来移动Dolly车和小摇臂，掌机员Nick Paige则控制遥控头，保证光线照在演员身上。 对于空间站起火的场景实拍，Lubezki使用了与LED灯箱类似的技术。为了给Bullock打光，Lubezki分散布置一些LED面板，显示CG的火焰，使得最终呈现在画面中的Bullock的脸完美地匹配火光的颜色和节奏。 Lubezki拍摄绝大多数实拍素材使用的都是Arri Alexa经典版和Arri Master Prime广角镜头，使用Codex录制ArriRaw数据，这一套设备由伦敦Arri Media提供（伦敦Panavision提供了一只Primo短焦镜头，只在一个镜头中用到）。他用65mm的Arri 765和Kodak Vision3 500T 5219胶片拍摄地球场景，以便明显区别于其他的外太空场景。 “Alexa可以让我以原生ASA 800感光度拍摄，并且即便提升到1200看上去也很棒，这使得LED光源变得可行。”Lubezki强调说。另外，Alexa的宽容度让他可以处理硬光过曝的部分，而几乎不损失细节。 为了在LED灯箱中拍摄演员，摄制组把Alexa安装在改良的Mo-Sys遥控头上，并附加到大型的运动控制机械臂上，可以按照预先设计的轨迹围绕演员拍摄。这一系统可以让制作组充分利用空间中物体之间的相对运动。因为在零重力环境下不分上下，因此用固定摄影机拍摄运动的物体跟用运动摄影机拍摄固定的物体看上去是一样的，因此制作组决定让摄影机来完成绝大多数的运动。 Webber介绍说，这个机械臂本来是为汽车装配而设计的，Warner Bros行政部的Chris DeFaria了解到旧金山的工程设计制造公司Bot & Dolly使用这种机械臂来控制摄影机运动。使用Bot & Dolly的系统为影片制作带来了极大的灵活性，包括可以调节摄影机运动的速度，以匹配演员的表演。为了实现更多的可能，他们在机械臂上加了个特殊的遥控头，由掌机员Peter Taylor遥控。这一遥控头基于Mo-Sys系统，但更加轻便小巧，对灯光的阻挡更少。在片场或者布景中，这套系统可以根据previs来完成预先编程好的摄影机运动。 曾与Lubezki合作过《人类之子》的灯光师John Higgins惊叹道他从没见过像《地心引力》这样的片场。他强调说，除了LED灯箱之外，还有许多相对传统的设备。例如，对于太空舱返回地球时的内景，制作组使用了去掉镜头的Alpha 4K HMI灯来模拟太阳，通过摇臂和遥控头在平稳的太空舱模型外面移动。Higgins说他们选择Alpha是因为“它是遥控头在垂直向下时唯一可以承重的灯具。”他补充说，Lubezki可以通过20K的钨丝灯强光射过20英尺见方的布来提供环境光，他使用了两层网格散射布，以及蓝色和绿色的滤光片来模拟日光。“这种散射主要用于太空舱布景，”Higgins解释道，“蓝色和绿色滤光片是贴合在20×20的网格散射布上的。” 随着演员的实拍素材被整合到CG图像当中，制作组需要修改一些虚拟元素来与演员互动，或者改变他们脸上的光照。Lubezki补充道：“我建议Tim说，我们可以在CG中添加镜头光晕和偏色效果，看上去就好像整幅画面都是摄影机实拍的一样。”
日兄 你拉几部片吧，让我学习学习 把你的本事拿出来让我们见识见识 你拉的精彩就【杀人回忆】，我超喜欢。以前我老师拉片教了1年 就学一个四百击
姜文
贾樟柯
暴走少年
蓝色青春
问问题电影 关于录音， 将话题杆插到摄影机上录好，还是摄影机只录画面，话题杆加录音机 专门录声音
《告白》：假如时间可以倒退 《告白》一出世，即受到大量的关注，无论是作者的原著还是中岛的电影，对《告白》能针对复仇、少年杀害儿童、犯罪崇拜等一系列社会唯恐避之不及的尖锐话题的电影的评论也迅速两极分化。这部一改中岛往日明亮灿烂的色彩基调的电影，在继承了中岛唯美细腻华丽风格的同时，还采用大量的慢镜头，大量的蒙太奇叙事和大量的镜面来营造一个黑暗阴沉的压抑环境，就如同电影中从未明媚过的天空。 有关“复仇”的主题，很多影评都解释的很清楚了。而这部电影特别吸引我的是导演采用了许多倒放画面的手法。从修哉发明出“逆走时钟”开始，电影就用倒放手法来讲述许多让人唏嘘的事情，从轻轻的肥皂泡的碎裂，到末尾气势宏大的爆炸场景，这些随着时间流逝而再也不能复原的美好无疑让人感到时间的匆匆和惋惜。 如果你读过《时间箭》，就一定对这样的手法不陌生了。中岛是个很擅长用电影化的方式叙事的导演。比如在片中多次出现从凸面镜中拍摄人物的场景，在怪异的放大变形的影像中，透出了疯狂变态的人生和诡异的遥不可及。 如果时间可以倒退。 那么当逆走时钟的秒针走动的时候，肥皂泡能够继续漂浮，失去呼吸的孩子露出笑脸，爆炸的火苗自动熄灭，破碎的玻璃瞬间还原，长头发的母亲捏着一张从灰烬里重生的报纸，而这些孩子们，他们再也不会变得如此狰狞而疯狂。在倒放着的片段中，泪水缩回眼睛里，死去的人又站在窗边，这种只有电影才能运用的语言将整部电影的诡异和易碎推向极致，甚至带有一点点的魔幻风格，将“生命是易碎的”这个主题完整地震撼呈现在观众的眼前。 片中无论是森口老师，直树，美月还是修哉，都是让我痛恨不起来的人物。细致华丽的风格将这些盘旋在黑暗介质中的孩子们渲染得无比剔透而易碎。爱孩子胜过爱学生的森口老师，从小生活在母亲强大的阴影下的恋母孩子修哉，被母亲无微不至地呵护着的直树，还有杀掉自己一家人的露西娜少女美月，如果时间可以倒退，他们一定不会选择这条已让他们无法回头的道路。 如果时间可以倒退。修哉能够发明出逆着走的时钟，但是他永远挽回不了自己曾犯下的过错，永远挽回不了死在他的炸弹下的母亲。如果时间可以倒退，直树不会参与这起预谋杀人，也不会只为了给自己挣得邪恶的尊严而把苏醒过来的孩子扔进水池。这些孩子，若是可以在时间倒退的时候回到最初，那么这一切，这样残酷而黑暗的事情就不会发生。 我不知道中岛采用这样的倒放手法是因为原著还是因为《时间箭》的影响抑或是他自己想出来的。总之，这种只能在电影中表现的手法，给《告白》加入了迷幻的色彩，也将主题完整诠释给观众，更加推进了“生命的易碎”这句话的重量。
从心理学的角度学习电影 我们前面不断的提到电影是心理学的问题，而且一再重复我在夏威夷大学讲课时巧 遇一位心理学博士对电影现象的看法：她听了我的讲课之后，告诉我说我讲的都是心理学。我跟他说我不懂心理学，没有学过理学，就是大学的时候为了凑学分选了一堂心理学课，也没仔细读。他说你放心，我是心理学博士，你讲的都是心理学，他说他觉得很奇怪的是，为什么他的老师在给他讲心里学的时候没有用电影的例子，他说我讲电影的角度对她是一个极好的例证，他以后得改从电影的角度来研究心理学。这件事情给了我很大启发，尤其因为他不是搞电影的，只不过是偶然听了一堂电影课。他的态度很客观，她的看法跟1916年蒙斯特堡（他是德国的一名心理学家）的那本著作《Photoplay – A Study of Psychology》的观点完全一样，跟心理学家爱因汉姆的那本著作《Film as Art》(那标题不是“电影是艺术”，而是“电影作为艺术”，准确，明了！)也是一致的。这个认识非常重要。在传统的艺术里面有这么个说法，即心理学和艺术是没有关系的，在艺术里，心理学是个接受问题和创作没有直接的关系，可是现在我们知道了，电影全部是心理学，电影的存在直接依靠心理学。我知道这个事实对许多人来说，不是听不懂，这么简单的事有什么听不懂的，可就是转不过这个弯儿来。现在通过有意识地大量实证我绕过来了。所以现在我在教你们的时候，完全是从心里学的角度出发的。现在大家都知道，似动现象的illusion，（这个心理学的概念来怎西方。到了中国被翻译成错觉。我极不同意，错是可以纠正的。电影的似动错觉是无法纠正的，所以我宁肯用英文的 illusion, 而绝对不用错觉这个概念。）是产生在看的那个人心里的。看的人也就是观众就没有似动，因为似动不是在荧幕上产生的，是在观众脑子里产生的，是观众的心理作用产生了这个illusion。脱离了观众，离开了看的人，没人看，那银幕上出现的只是一幅幅连续闪现的静态的画面，没有运动。有人看银幕了，于是那个看的人自己通过看银幕上那些连续出现的一幅幅静态的视觉形像而感觉到一种似动的 illusion。 总的来说就是这样，我们在继续研究，我们的学习就是一种研究。还得声明一点，我不再用“画面”这个错误的概念。因为它的原文，无论是英语还是法语都是 image, 源自拉丁语的 视觉形像。五十年代以后，中国大陆的一批电影专业翻译（包括我在内，所以我既是犯错误的人之一，又是知情人），由于不懂电影，就沿用了在电影创作界一向用的一个概念 “画面”， 因为那一向是画出来的，又是平面的。不无一定的道理。但是当理论深入的时候，就会造成许多错误的概念。“画面”没有纵深空间，也没有运动。 但是有个问题，比如说在昨天同学们的讨论过程中，Tonelf 给自己原来的镜头加上了声音，先是加在镜头的开端，持续了镜头的四分之一的长度就没有了。大家建议他试试把那声音放在镜头的后面，与镜头一起结束，看看会是什么样的效果。结果大家觉得那个镜头的声音放在后面比声音放在镜头前面要短。有些人不知道这是为什么，可我有过不止一次这样的失败经验。有一次我拿出一个镜头来给同学看。达到了预期效果。后来我又换了一个看来动作更剧烈的镜头给同学看，效果适得其反，大家都说拖了。两个镜头的长度一样，动作剧烈的感觉反而拖了。这是什么原因？后来我想起北师大心理学系的彭教授在谈到人的记忆力时说过，一个镜头的最后一格，观众记得清楚，因为它最近，其次是第一格，因为那是第一印象，新鲜，记得住。而中间的则是模糊的。我那第二个镜头失败的原因就是因为我在镜头的结尾让那辆被撞坏的车一直滑到前景，直到停。观众得到的最近的印象就是停。拖了。同样一句话，加在同一镜头的前面就感觉长，加在后面就又感觉短了呢。。这正是彭教授所说的，印象最深的是在最后面。因此把加在前面的声音挪到后面去之后，印象就变深。而在最后一格你要处理更多的信息，你就忙了，你得的最后印象就是整个镜头都变快了，这是在观众身上造成的主观感觉。
我要太阳课堂 MP3 第4节导演理论
问个问题电影 怎么样可以在夜戏 降低噪点，除了用光还有什么办法，还有录音怎么样可以录到一个良好的环境音响和人物对话。一些时候不是环境音效大了就是人物声音大了。
不知不觉得 呆了3年 以后没机会 贴吧了，不过一定会来看看，这里认识不少没朋友，虽然网络是虚幻的，但进贴吧和大家打招呼似乎并不陌生。各位以后都要当爸当妈 你们儿子女儿可肯定还得叫我叔叔 哈哈
给个耶楼moive网站
电影什么 这是什么电影
刺杀本·拉登 导演： 凯瑟琳·毕格罗【拍阿凡达的导演的前任老婆，奥斯卡拆弹部队的导演】 主演： 汤姆·哈迪【《兄弟连》和《黑鹰坠落》中英俊而带有几分邪气的美国大兵】 鲁妮·玛拉 【《社交网络》让人熟知，而《龙纹身女孩》的大胆演出将让她成为当红女星】 盖·皮尔斯 【《记忆碎片》，其表演极具震撼力，】 詹妮弗·艾莉 【《蜘蛛侠》中演出梅姨的角色】 类型： 惊悚 上映日期： 2012年12月19日 美国
他才是真正的魔术师——Philippe Ramette用真实颠覆真 Philippe Ramette是西装革履地生存在现实与荒谬的边缘的神人他的作品说到底其实就是一个又一个的“真实的谎言
忧郁症与绿灯侠 我看忧郁症看到一半结果变成绿灯侠了 有没有搞错 谁把电影剪了
电影《回魂夜》里，莫文蔚手里拿的花叫什么名字？
[2011华语电影台词] “成功了，就是一道风景，失败了，就是美好回忆！”——《钢的琴》 大家每人说一句
这个男人来自地球（如何取得别人的信任） 这是下午的晚些时候，太阳正在下山。奥德曼教授正要放弃他在大学的教职，在偏远树林中的小木屋里他邀请了一些同事来参加离别聚会。 他们在友好的谈话中试图探究奥德曼突然离职背后的原因。事实是令人惊讶的：奥德曼承认他是一个已经在地球上生存了14000年的不朽之人。 这就是极好的独立科幻影片《这个男人来自地球》的缘起。这个故事基于杰罗姆·比克斯拜Jerome Bixby（《星舰迷航》和《阴阳魔界》的作者）的长时间创作，在1998年离世前他完成了本片的电影剧本。 我两周前看了这部电影，觉得很有趣。整部影片都发生在一个客厅中，情节全由对话展开。没有别的，没有特效，没有动作特技，没有搞笑的动作，没有情色的噱头，仅仅对话而已。 影片中热烈的，发人深思的对话缘起是因为奥德曼荒诞的声称自己是生活了140个世纪的不死之人。为了反驳他的陈述并得到科学上的慰藉，他的同事们用很多历史问题来考问他。 但他们明显被困扰了，因为奥德曼并没有像是在说谎。他毫不迟疑的立即回答了每一个问题，当讨论加速的时候他们最后注意到了这点。他们逐渐从怀疑变为挫折：为什么他告诉我们这些？他想得到什么？ 在挫折感中，奥德曼的朋友们慢慢的进入了半信半疑的状态。他们开始考虑奥德曼所说属实的可能性。他们开始探究更多的答案，但这次是为了求证。他们全神贯注于他的每一个字，设想他的确曾经到场，并一窥历史完整的真相。 奥德曼说的是事实吗？或者他只是一个掌握了说服的艺术的非凡故事大王？这是你在看本片全过程中你会发现到的。因为最酷的是发现情节的精妙所在，我不打算破坏你的心情。 说服者市场上令人信服之人的能力 我有些时间没有看到像本片这样的好电影了。当我欣赏的时候，我认为奥德曼应该可以成为一个很棒的商人或者推销员。为什么？因为他把说服他人提高到了一个全新的水平。 不在于推销一种想法，而在于使这种想法人格化，并让人们首先信任你这个人，然后再证实这个想法。奥德曼并没有强硬的通过推销什么好处给他的听众来吸引人们相信他。 他以一个荒诞的陈述开始（通常都会吸引注意力），然后退回到一个会收到预期问题的反应层面。在回答每个问题的同时用答案来一点点的揭示自己，他吸引了更多的询问和持久的关注。 他观察每位参与者并记录他们的舒适度。她如何接受我的信息？她接下来希望听到什么？他自我评估自己的表述不清并承认声明的难以置信。他通过抛出“买者自负”和多方面的弃权来弱化争论的程度。 再加上杰出的倾听技巧和丰富的认同感，这些使得奥德曼成为一个非凡的说服者。人们很难从根本上拒绝他的主张。 从影片中我们能学到如下五点： 1.你可以让人们相信你所期望的任何事，不管这件事如何的荒诞。创造一个与他们有关的角色，应该是他们认为或者感觉到值得信赖或可信的。这就是信徒如何形成和维持的。人们与那些使设想形象化的个体产生联系并追随之。比如说，甘地所领导的非暴力不合作运动。 2.你越努力‘推销’自己，效果越差。过于努力使得你显得是渴求被认同。如果你的想法很不错，展开你的论点和信息让别人来验证。最好的市场营销活动是看不见摸不着的。直到你回顾你的想法和行动时你才知道它们已经成功的影响到你。 3.可能犯错的品质是能够吸引人的。这无关英雄或者失败者。当你通过角色来推广一种产品时，最重要的事情是使得那个角色是可能犯错的。能犯错，会失败，就如同你我一样。如果他们太完美，你会发现很难获得认同感。 4.你无须让你的受众太过投入。一个伟大的设计，产品，价格和位置并不是达到成功的必备条件。太过考究有时会扼杀一个想法。《这个男人来自地球》成为一部好电影是因为它有意的极简抽象，这使得观众必须集中精神，并沉浸于对话中。迷人的想法是它的成功所在。 通过全面的突出思想来达到分享想法。 5.使神话人格化而避开那些普遍真理。适用于普遍事物的理论很容易被揭穿是因为它会被从各种分支和角度来抨击。个性化的主张就有点难被剖析，因为这些论断都基于个体的经历。 所以如果科学家声明食用鳄梨与好皮肤无关。而某个人们认识，尊重或者信任的人坚信是鳄梨使得她的皮肤美丽动人，人们还是会继续购买鳄梨的。
《黑天鹅》：圆寂舞者的凄美咏叹调 尽管达伦·阿罗诺夫斯基自己认为《黑天鹅》和《摔跤王》是姐妹篇，但我一厢情愿的把《黑天鹅》看作是另一个版本的《梦之安魂曲》。不过这次的“瘾”不再是毒品，而是“完美”，一个舞者因追求完美而被自己的人格阴暗面所荼毒，就像天鹅临死之前发出的凄美而又悲凉的天籁之声。 《黑天鹅》必然不是第一部讲述双重人格的电影，但阿罗诺夫斯基的作品总有着特异之处，他喜欢将多种表现方式交织在一起去渲染微妙的东西。观者可以从达伦的电影中得到一种极大满足，无论是在影像色彩、画面剪辑还是镜头运动上，都有一种让人目不转睛的诱惑力。除此之外，达伦的电影在绚烂的外壳下包裹着凝重而悲恸的内核。《梦之安魂曲》中的母亲以及儿子和他的女友三人因毒瘾走上不归途，《摔跤王》的结尾使铁锤兰迪格外悲壮孤独，而《黑天鹅》结尾舞者Nina的圆寂亦使得电影成了一曲悲戚的咏叹调。 达伦电影中所蕴藏的悲恸情绪，对演员的演技是一个考验，但同时也成就了演员。艾伦·鲍斯汀在《梦之安魂曲》中的表演让人触目惊心，米基·洛克在《摔跤王》的演技则惊艳爆发。《黑天鹅》对于娜塔莉·波特曼而言，更是其演技上的羽化之作。除了昔日那个伴随杀手的“小萝莉”外，波特曼又以“黑舞者”的形象让人过目难忘。无论是角色绽放出的阴暗邪恶的一面，还是展现角色脆弱纯净的一面，波特曼对角色不同面貌和心理掌控自如，一人饰两角色游刃有余。米拉·库妮丝饰演的Lily与其曾经出演的角色有所突破，但花瓶的演技仍有待提升。 镜头运动和镜头组接亦是影片的出彩之处。影片之中有很多局部特写的组接，以及相同景别与不同场景的组接。而画面流畅必须以镜头运动合理为前提，影片采用了大量的主观镜头，摄像机仿佛是一个参与者跟在角色之后，当角色停下脚步之后，镜头依旧跟进，此种主观镜头运动方式最早是出现在库布里克执导的《光荣之路》中。最让我印象深刻的一组镜头是波特曼饰演的舞者Nina在一次登台表演时的运动和组接，镜头依旧跟着波特曼饰演的角色，在她登台之后，镜头边升边摇，行云流水般的镜头运动和天衣无缝的镜头组接带给观者无与伦比的视觉快感。 《红菱艳》是用舞者对于选择舞蹈还是爱人的纠结完成了对童话“红舞鞋”的注脚，而《黑天鹅》则是用热爱舞蹈追求完美的舞者的双重人格诠释了“天鹅湖”的传说，两部电影都以令人动容的悲剧收场。尽管《红菱艳》中“红舞鞋”片段用了大量的蒙太奇转场凸显其梦幻与诡异，但其中的芭蕾舞相对而言更加原汁原味；而《黑天鹅》中多种元素的杂糅使得这场黑色梦魇更加惊艳诡秘。 个人觉得稍有遗憾的是薇诺娜·瑞德的戏份过少，以至于觉得这是对其演技的一种浪费。不过瑞德的角色与波特曼饰演的角色在电影中形成了真假天鹅新老舞者的微妙对比，波特曼饰演的Nina尽管在最后死在自己阴暗人格的破碎玻璃之下，但这才是天鹅最终的圆寂。
《告白》 在年少无知的年纪，俺曾很喜欢一句话，准确点说是四个字：“无欲则刚”。当时不谙世事还不懂得诱惑为何的俺动不动就把“禁欲”挂在嘴边，一副少年老成的模样，笃信“无欲则刚”，恨不得禁欲成一个变形金刚。后来随着年纪的增长，俺的见识也渐渐增长，慢慢搞清楚这句话可信却不可全信。好的欲望使人品洁白如玉，坏的欲望让人格乌黑如墨。从某些层面上讲，欲望是人的一种强烈向往。“从善如登 从恶如崩”，罪恶的蔓延总比要比善良的传递更容易，而始终贯穿于电影《告白》中的便是罪恶的两种欲望。一种是无法自拔的报复欲望；另一种是误入歧途的攀比欲望。 《告白》的出色首先应归功于原著作品的惊艳，在描绘青少年犯罪方面，《告白》由于原著的精彩，无论从故事结构还是情节堆叠都比其他同类作品更精细。不过，这从另一个方面也暴露了日本大部分电影的一个通病，就是刻意和造作，而《告白》中的刻意造作尤甚。俺个人极其厌烦一些电影在情感渲染上的造作和俗烂，但比较赞同剧情片在情节设置和故事结构上面的造作。“未成年人犯罪”在这部电影里成为了一把双刃剑，一方面它更加突出了人性欲望的极端罪恶；另一方面它也因过于阴暗而饱受争议。 在中岛哲也以往的作品之中，“夸张”是其作品的一个重要标志。无论是《下妻物语》还是《被嫌弃的松子的一生》，人物的表情、行为、装扮等都极为夸张。或许，用“夸张”这个词来形容中岛哲也的作品并不精确，但俺还是更愿意用“夸张”来形容他的电影。夸张的浓墨重彩是他电影的最大特色之一，而无论从人物设置还是画面色彩来看，《帕高与魔法绘本》把这种夸张放大到了近乎极致的程度，角色的聒噪和癫狂、画面的绚烂和瑰丽无疑在《帕高与魔法绘本》得到最大化的释放。 个人一直受不了日本电影中歇斯底里的夸张表演，不过这种表演方式放在中岛哲也的以往作品里却显得极为可爱。同以往的作品相比，《告白》似乎是一部趋于“正常”的电影。中岛哲也不再把夸张放在表面，而是用在推敲人物心理方面。电影画面的美感也不再同以往一样着重体现在色彩方面，而是体现在多元摄影和镜头组接方面，逆光剪影的快速转换和美轮美奂的画面定格使得这部作品品宛若一首“罪恶诗”。锦上添花的配乐，使得这部电影仿佛是“魔鬼的孩子全跳舞”。（另外，电影中角色引用“罪与罚”主角杀死老婆是错误的，反正俺读的《罪与罚》不是这样讲的。） 倘若《被嫌弃的松子的一生》和《帕高与魔法绘本》的结尾皆是杯具，两者或多或少都透露出一股温暖气息，悲催的松子甚至都曾有过幸福的零散片段，《告白》的结尾却让人不寒而栗，其间出现的温馨片段也是为了之后让罪恶更加寒彻入骨。影片中所出现的母爱甚至都因故事的刻意而有些畸形，而人性纯粹的善良只体现在美月一人身上。一个人如果被爱遗弃却不敢正视爱，只能在邪恶的道路上越走越远。俺想这部电影所折射出的罪恶并不适合探讨，它的不真实性反而更值得思索。电影并不等同于现实，毕竟这是一个以恶制恶、惨无人道的故事，小恶是胳膊，大恶是大腿，胳膊始终拧不过大腿。
十二星座中的四大天王 ：【十二星座中的四大天王】魔羯座（万王之王：毛主席）、天蝎座（阴王：比尔·盖茨）、狮子座（地王、阳王：拿破仑）、白羊座（孩子王：希特勒）
经典语录 ：【把这些话看懂再去生活】1）即使输掉了一切，也不要输掉微笑。2）爱笑的女孩子，运气不会太差。3）即使不开心也不要皱眉，因为你永远不知道谁会爱上你的笑容。4）你没那么多观众，别那么累。5）生活坏到一定程度就会好起来，因为它无法更坏。6）先要学会自爱，然后别人才会爱你
2011最期待新片 暮色4：破晓 上映日期： 2011年11月18日 美国源代码 上映日期： 2011年8月30日 中国 《月球》导演的新作，一名上尉以火车恐怖袭击事件遇难者的躯体重返爆炸前八分钟的时空现场，追查炸弹客真凶。大侦探福尔摩斯2 (2011) 导演：盖·里奇上映日期： 2011年12月16日 美国 福尔摩斯和华生将对莫里亚蒂展开追逐，后者可能是史上第一个超级坏蛋。同时登场的还有好斗的吉普赛女郎“希姆”。
《EVA：急》设计稿首次曝光 二号机复原亮相 时光网讯 失去音讯已久的《新世纪福音战士新剧场版：急》终于再次走进人们的视线。近日，不少动漫人士齐聚在日本举办的夏季灯笼祭，其中一盏灯笼上赫然出现了《EVA3.0》的设计稿。 纯白的底色上红色颜料写下“Evangelion ：3Q”的字样，熟悉这部重制系列的影迷一定可以读懂其代表的双重含义：第一，本片是《新世纪福音战士新剧场版》继续“序”和“破”后的第三部；其次，影片中文名虽翻译为“急”，但日语片名则是《ヱヴァンゲリヲン新剧场版：Q》。绘稿主体呈现的是恢复正常态的二号机。上一部《EVA：破》中，真希为了击退使徒念出“The Beast”的暗号令二号机兽化，帮助零号机咬破了A.T.Filed，但二号机也因此受到严重损伤。 按照庵野秀明四年前宣布要将《新世纪福音战士》重制四部曲的计划，《EVA：急》本应在今年年底时上映，但直至今日尚没有任何官方消息放出。因此这张设计稿多少令焦急的粉丝们看到了一丝进展的曙光。此外，《EVA：破》也将于8月26日在日本电视台（NTV）播放TV版本，这两条消息综合起来是否预示着影片会在不远的将来正式亮相呢？
一周全球票房 《X战警》夺冠《宿醉2》抢眼    时光网讯 6月3～6月5日，全球上映3周风光无限的《加勒比海盗4》终于被《X战警：第一战》超越，后者以1.16亿美元的周末总票房夺得全球票房冠军，虽票房不及前作，但取得上佳口碑。德普率领的《加勒比4》热度退潮，以8735万美元的成绩下滑至第三。而相比起两部大制作影片，上周更大的赢家，是入账9518万美元排名第二的《宿醉2》，一部喜剧片能在暑期档和超级大片平起平坐，华纳兄弟收获颇丰。同时《宿醉2》也超越了《黑客帝国2》，创下了北美R级影片上映5天票房记录。在中国热度爆棚的《功夫熊猫2》全球表现不温不火，上周入账6637万美元排名第四。（因统计周期不一致，票房未计入内地部分） 《X战警：第一战》取得上佳口碑       戛纳电影节口碑佳片《午夜巴黎》和《生命之树》继续保持稳健态势，《午夜巴黎》在北美扩大上映规模至147家影院，带动总票房稳步上涨，上周入账537万美元的成绩排第7。戛纳金棕榈奖影片《生命之树》票房呈现神奇逆跌幅，以小规模上映博取了全球311万美元票房排名第10。漫画改编电影《天堂之吻》日本票房表现抢眼        上周TOP15榜单上，产自日韩的影片占据4个位置，改编自矢泽爱漫画的《天堂之吻》在日本火爆进帐252万美元，全球榜排名12。当红少女组合AKB48主演的校园电影《如果高中棒球队女经理读过杜拉克的管理学》票房不俗，进入全球榜第15。韩国电影《阳光姐妹淘》票房表现像永动机，不可思议的停留在全球榜单上5周之久，本周仍有271万美元进帐排名11。《功夫熊猫2》内地借势端午小长假 票房高歌猛进        目光转向内地和港台市场，内地电影市场上周观众人次突破1000万，《功夫熊猫2》一周砍下2.3亿人民币，上映9天票房达到3.3亿人民币创下今年最快破3亿的记录。不出意外的话，《熊猫2》本周将超越《加勒比4》，成为2011年内地最卖座电影。而港台市场则均被《X战警：第一战》强势攻陷，两岸三地本土片均难有作为。
我建的微博 大家多多关注 http://tieba.baidu.com/mo/q/checkurl?url=http%3A%2F%2Fweibo.com%2F2168908330&urlrefer=0de6508d2dfd45769fae9d012f10cbb9
《日本沉没》——大和民族的“危机感” 2006年一部名为《日本沉没》的电影在日本岛上掀起了一场空前的观影狂潮。因为影片涉及了每一个日本人都不愿看到却又无法回避的恐怖灾难，展现了日本社会乃至整个民族最深层的恐惧——“岛国沉没”。残酷的剖开了日本大众心中最常见也最脆弱的那一道防线。 影片是根据1973年科幻“星云奖”获得者小松左京的同名小说改编，讲述了由于异常的地壳运动，日本列岛将面临一年内全部沉入海底的危机。由内务大臣鹰森领导的紧急救援部联合众多科学家务必在有限的时间内制定出有效的拯救方案，以尽力避免日本民族的全面毁灭……在日本这块灾难频繁的土地上，科幻文学的创作往往伴随着极度悲观的情绪。“沉没”本身无疑对日本人来说是个无比沉重的话题、是个挥之不去的梦魇。恐怕每当有地震发生时，这种想法就会浮之眼前。而影片也不光在极力渲染日本在面对灾难时的悲剧性色彩，更是给观众提出了一个：日本民族将要何去何从的现实问题！ 有趣的是，日本同年还推出了一部名为《日本以外全部沉没》的恶搞作品，让人忍俊不禁。在从“受难者”到“救世主”的地位变更中，我们不难看出那种通过极端方式聊以自慰的“受伤心态”和“岛国中心主义”的世界观。两部影片在科幻外衣的里面包裹的都是关于政治幻想的内核。而这，或许才是作者真正想要表达的方面…… 遗憾的是，电影《日本沉没》并没有落脚于原著的社会意义，而是流于商业噱头和个人选择等价值上。虽然具备了一定社会责任的宣传作用，但在人物感情的塑造上却是散乱无力，白白的让本该充满张力的剧情变得像自来水一样平淡、无奇。这也许是这位长于特效的导演最应该向前辈们学习的地方。 当然，灾难电影往往放大了悲剧的程度，誓要把大家逼到破釜沉舟、置身于水火的生死边缘。 对于一出生就生活在恐惧之中的日本人来说，“危机意识”早已深深融入到他们的血液里去了。日本列岛如此动荡、狭小的生活环境被日本人看做是一艘赖以生存的小船。船上所有人的命运都连系在了一起，一荣俱荣、一损俱损。一旦船沉了，大家将集体坠海。这种基于内心深处的焦虑与不安，也同时造就了日本人崇尚集团主义的国民性格。 即便是在大地震这种严重灾难发生的时刻，日本人仍然保持着对集体的信任和对公共秩序的恪守。相比起“英雄主义”的救他人于水火，这时“与大家一样”更能与集体同舟共济、共度难关，同时也确保了组织行动的高效率。这种荣辱与共的凝聚力使日本人减少了“内耗”，实现了社会经济的稳定发展，集团主义的价值观在日本这个多难之邦的确发挥了它巨大的作用。 但是另一方面，这种“从众”的集团意识又会被一些崇尚自由个性的人所不齿， 因为这种灭私奉公的价值观底下必将损害甚至践踏其个人的利益。偶有不同的声音，也会很快会被集体的反对所淹没掉。“法不责众”也因此成为了行使集体暴力的盲点，这样的集体往往会走向极端。在整个社会的重压下，还有谁敢去质疑大众们的选择？哪怕那个选择是错误的。每个人都不得不成为被主流意识所捆绑的奴隶。 以不久前令日本损失惨重的宫城县9级地震为例，显然媒体对刚刚组阁的日本政府是宽容的。因为没有人忍心再往焦头烂额的人身上抹盐，致使日本受灾最严重的奥羽地区迟迟得不到救援。随即，福岛核电站出现泄漏，令所有日本的民众及其邻国都处在了危险之中。究其原因，政治上没有一个稳定的政府，两党相互拆台、民众漠不关心，单靠一个临时组建的内阁很难快速反应救灾。而先顾城市，再救村镇的做法也与打仗时遗弃伤兵如出一辙。加上与利益攸关方东京电力的私下扯皮，延误了时机、错判了形势，令受灾的群众雪上加霜、笼罩在厚厚的辐射云之下。
洛杉矶之战 大家说得很到位了，《洛杉矶之战》确有数不清的脑残之处，如果您是有一定水准的观影者，估计不适合。这部电影可以算是给军事迷准备的，并且还是初级的军事迷，片子当中对于步兵武器以及战术的运用都有很多露怯的地方。论军事题材表现远远不及《黑影坠落》专业。这么说来几乎可以肯定是一部烂片了。 不过，如果你去的电影院音效够好，或是自己的AV设备很够劲，《洛杉矶之战》是近些年来不可多得的战争电影，枪械的撞击声、飞机的呼啸、充涨耳膜的爆炸……几乎占据了电影一半的时间，过瘾！反观近些年所谓的战争电影，更多的是在用废话充斥时间，或者谈情说爱等“跑题”的情节。 影片中几乎没有大场景，但是对于音效处理也有好处，好莱坞电影给那些铺天盖地的“大玩艺”配音几乎都是“轰轰”、“嗖嗖”之类的，反倒是自动步枪和枪榴弹的声音更加真实。 好片还是烂片还是从个人的观影需求出发吧，毕竟评判好片的标准不仅仅是剧情多么抓人或者电影手法如何高深，带来强烈的视听刺激也是我们看电影的重要因素。 再次提醒大家，一定要去音效好的影院，北京的UME和成龙都还不错，万达千万不要去，还不如我家里的AV音响听起来过瘾。
《阿凡达》：成功跨越恐怖谷 最后一章 那么现在的情况是，与人物接触的环境背景是全是CG场景，如果用真蓝人拍摄，必然遇到真人与CG接触部（点、面）的衔接问题。一边是真，一边是假，两者相互接触并互动，尤其是一起做一些不规则的运动时，两者之间是非常难协调的，这时既要模拟两种物理材质之间真实接触的反应（比如拿真实的手指戳CG脸，脸上的皮肤和肌肉应该怎么反应），又要严丝合缝地协调两者的运动轨迹。在我看来，这又是一个CG技术的老大难问题，目前看来很难做到完美的效果，这类场景中似乎都会看到真人角色发生类似停格动画式的不自然运动——比如《蜘蛛侠2》里章鱼博士用CG爪子劫持姨妈的场景。真实和虚拟的衔接，可能到了《本杰明》这里是一个重大突破，CG头部和真人身体之间的衔接很多时候是它的制作手法被点破之后才能辨识出来些许不自然来。但毕竟《本杰明》也没有能力更进一步，比如老年Benjamin较少有相对于镜头的全身大范围运动。    既然CG和真人互动很难做到完美，那么这种情况下把人物也变成CG，其实也是一种能省时省力地绕过难题的好方法了。人物和背景的隔阂不见了，互动就相对简单了太多。如果用真蓝人拍摄，我们哪能看到那么自然的驯马驭龙镜头（想想《黄金罗盘》里的骑熊场面吧）？         既然《阿凡达》非用CG人物不可，而且又把CG人物的表情表现提升到了一个几近完美的境地，那么它有没有成功跨越恐怖谷呢？我觉得它已经穿过谷底，正在往完美模拟那一侧的岩壁上向上攀爬，但要说它已经完全跨越却也不尽然。因为我们又回到了CG人物模拟的另外那一面——皮肤材质。    我觉得对材质的模拟很大程度上是越简单的材质越难模拟。这其实是一个心理加工的问题，物体可供分辨的特征越明显，我们加工辨认这个物体所需存储在脑子里的表象反而越模糊，而特征越不明显的物体，存储在脑子里的表象就需要足够细致才能辨认。比如你被一个刀疤脸抢了，你很容易就能指认他，而如果你被一个大众脸抢了，就得想象他的眼睛、眉毛、鼻子是怎样，才能从辨认出来。我猜想这是不是就是《本杰明巴顿奇事》中Benjamin变成孩子之后没有再使用CG制作头部的原因。老人布满褶皱的皮肤就是一个特征明显的物体，观众对于“老人脸”这类物体的认知习惯是——不需要形成细致的表象，只需辨识褶皱等明显特征，而对其他细节关注度不高，这就给CG材质的模拟提供了很大的方便。而对于年轻人那光滑紧绷的皮肤，观众的认知习惯是对它的细节要求很高，皮肤细小的色泽变化等都在观众的注意范围之内。CG在展现这类材质时，可想而知难度陡增。我在看《本杰明巴顿奇事》的最后段落时完全不能入戏，主要原因就是少年和幼儿Benjamin不再用CG制作，导致影片在本该最煽情的高潮处神韵尽失。     在这个难题上，《阿凡达》其实是巧妙地避开了——纳威人跟金刚一样，毕竟不是“人”啊。虽然卡梅隆夸下海口说，这些CG人物跟真实人物站在一起观众也分辨不出真假，但我想，如果CG制作的不是纳威人而是地球人，那分辨真假还是不难的。虽然在很多特写画面中，纳威人的皮肤质感还是制作地很完美，皮肤的纹理、斑点栩栩如真，但是在某些镜头中，还是不可避免地有些“塑胶感”。我相信如果CG人物是地球人的话，这种感觉会更明显。《阿凡达》的聪明之处是让观众有了一个纳威人是“外星人”的预设，于是弱点也就不怎么是弱点了。 不管怎样，我觉得《阿凡达》仍然是迄今为止我看过唯一一部几乎跨越恐怖谷的CG作品，这是一个伟大的进步。但这并不是我心目中《阿凡达》成为神作的理由。这个理由就在下个帖子里再聊吧。
《阿凡达》：成功跨越恐怖谷？（！） 下 在我看来，2005年横空出世的《金刚》才是CG角**近恐怖谷的有效尝试。你一定会说，这不是自相矛盾吗？Kong更不是“人”啊。其实不矛盾，因为Gollum虽然是人，却被当作怪物来塑造，而Kong虽然是怪物，却被塑造成人。Kong的塑造虽然绕开了模拟人类皮肤这一难题，但前面说了，跨越恐怖谷最难的是对表情神态的模拟，而Kong的表情神态，尤其是那双水汪汪会说话的大眼睛，端的是惹人心碎啊去年，又一部试图挑战恐怖谷的CG神作——《本杰明巴顿奇事》诞生。看拍摄花絮之前很难想象老Benjamin出现的场面几乎全是由CG脑袋（捕捉皮特表情）和真人替身的身体拼接而成的。静态来看，这些半真半假人绝对可以乱真；而动态来看，片子对表情的处理，其实还是有点取巧的。表情捕捉中最难克服的呆板、迟滞问题，很巧妙地被角色的设定化解了。因为Benjamin年轻时本来就是一个表情和行动有点呆板、迟滞的老头（这么说真有点别扭），所以即使技术上仍然不能避免CG表情呆滞的问题，它也被角色本身的呆滞巧妙地掩盖了，我在看这部片子时丝毫没有觉得老年Benjamin那一段有什么别扭的地方，反而觉得老人家就得是这么呆呆的。这跟对Gollum的处理在思路上一致，在方法上正好相反。不过这样的评价对《本》是太苛刻了，毕竟老年Benjamin比当年的Gollum进步了太多。然后，终于是我们的神作登场了。看《阿凡达》时，我相信很多观众跟我一样会觉得，片子里在动态CG方面最不可思议的就是对纳威人神态表情的完美表现（听说卡梅隆特别发明了一套“表情捕捉系统”，通过一些微型摄影机拍摄演员表情并数码化，才达到如今这种近乎完美的效果）。其神态表情之自然可信，让我完全忘记眼前展现喜怒哀乐诸般神态的竟然是CG人物。    这么说吧，看着它们时我的错觉就是：这是化了妆的真人在表演！    等一下，这不是很奇怪吗？CG拟人技术进步了这么多年，最后的结果居然就是达到化了妆的真人表演的效果？如果这就是最终目的，那何苦花这么大心思绕个大圈呢？直接找些演员涂成蓝颜色来演，不就成了吗？CG难道只是一种走火入魔的、自虐的行为艺术吗？    当然不是。CG的伟大之处，仍然是创造真实摄影无法达成的影像，或者说是创造真实摄影无法低成本地达成的影像。别看CG烧钱，其实要达到同样的效果，CG比实景拍摄可省钱多了。比如拍历史题材吧，我们的做法是搭一座影视城，而以《本杰明巴顿奇事》为例，在很多场景里其实都只有跟人物接触的小范围景物是实景，而其余背景都是以CG绘制，那些景完全可以搭出来，但导演偏用CG做，他可不是有钱没处花。更极端的像《阿凡达》这样的题材，潘多拉星球的大自然完全是CG虚拟，如果要用实景拍摄，那即便倾国家之力也造不出一个“潘多拉影视城”。
《阿凡达》：成功跨越恐怖谷？（！） 身为一名技术盲，以下斗胆聊一聊《阿凡达》的技术问题。举的例子仅限于我自己的观影经验，很有可能错得离谱。    话说关于机器人的理论里有一个著名的恐怖谷（The uncanny valley）假设，1970年由日本机器人专家森政弘提出。关于这个假设，我也不知道有多少科学依据，不过看上去蛮有道理的。这个假设是说，对于那些模仿人类的机器人，“由于它们与人类在外表、动作上都相当相似，所以人类亦会对机器人产生正面的情感”，但是，一旦“与人类相像超过95%的时候，哪怕她与人类有一点点的差别，都会显得非常显眼刺目，让整个机器人显得非常僵硬恐怖，让人有面对行尸走肉的感觉。”一个简单的例子就是洋娃娃不那么像真人时你会觉得它很可爱，但一旦它逼真到了某个程度，即使造型仍然可爱你也会觉得它阴森恐怖。   这一假设当然也适用于CG领域。不幸的是，CG创作者们朝着将人类角色向完美模拟真人这一目标冲击时，十有八九都掉进了恐怖谷里。最惨烈的一次大概是多年前的《最终幻想之灭绝光年》，坂口博信等主创呕心沥血试图把CG角色模拟真人的水准提升到一个新境界，结果技术上当时肯定是上了新台阶，无奈效果上造出满银幕表情呆滞的僵尸，最后口碑和票房双双惨败。此外还有堪称恐怖谷假设活祭的罗伯特泽米基斯。自从开始捣鼓动作捕捉技术开始，这位曾经拍出过《回到未来》、《阿甘正传》的牛导就一下子像被他的《贝奥武夫》里那些木头人附体了一样，完全失去了灵气。不过此公屡次坠谷却屡挫屡战，勇气可嘉。    所以迄今为止，很多时候CG作品塑造人物时，即使技术上能比较逼近真人，也会因为恐怖谷的关系人为地把逼真度降低。要么像Pixar那样把人物卡通化（Up里的人物脑袋和身子一样大），要么像一些日本CG那样只捕捉动作，不捕捉表情。比如《最终幻想之灭绝光年》同父异母的弟弟《圣子降临》，人物体态、背景材质尽可能求真，而对人物脸部的处理则反其道而行，材质上像塑胶，呈现的表情基本也是传统动漫人物该有的那些贴着动漫标签的表情。又或者像《苹果核战记》那样，人物动作基本上用动作捕捉完成，几可乱真，而人脸基本就是简笔画。    当然，禁区就是等着人来跨越的。逼近恐怖谷的努力一直没有被放弃。传说卡梅隆终于下决心开拍《阿凡达》是因为《魔戒》中Gollum这个CG角色的成功让他看到CG人物跨越恐怖谷的可能性。不过我觉得Gollum这个角色的塑造在某种程度上仍然是人为地躲开恐怖谷的。首先是这个角色被设定为一个非人非鬼的怪物，这是从观众心理上取消了把Gollum作为人来看待而产生的心理障碍；其次，CG模拟真人时除了模拟皮肤的质感外，最困难的还是表情的模拟（上述那些炮灰在质感的模拟上其实还算凑合，真正让人反感的是僵硬的表情），而在这一点上，Gollum突破不大，因为根据角色设定的要求，Gollum的表情都是夸张或极端的。观众对CG角色表情的反感，是因为他们对自身（真实人类）脸上那些细腻的肌肉运动的无比熟悉。而夸张的表情是扭曲的非常态，这比平淡的常态表情更能在观众挑剔的检视前蒙混过关。
奥迪概念车 这是最想要的车
让子弹飞 5亿在望 《让子弹飞》海报      时光网讯 《让子弹飞》自上映后迅速成为话题电影，暨首映日拿下3018万票房后，周五全国票房突破4000万，周六票房更呈现井喷盛况，全国票房2天半过亿，创造华语电影最快过亿纪录。据各大院线方面提供的数据，全国各大城市影院周六的票房相较周五都有50%以上的增长，《子弹飞》将冲击《阿凡达》6000万的单日最高票房纪录。
问大家一个问题韩流来中国是0几年
这个比少女时代 强 3倍
三行情书
大家认为 唐山大地震 会破5亿吗？ 我认为 他连2012 都破不了 前提是 2012上映31天 4.2亿 但是唐山大地震 听说会上映 50天
唐山大地震 《唐山大地震》：理智无法战胜情感        尽管很多人不满意，但是现在几乎已经可以断言，冯小刚这次又将赢得票房上的胜利，而且可能会赢得很漂亮。事先的自吹自擂也好，炒作噱头也罢，当这些都变成票房上的真金白银时，任何反对的声音都变成徒劳的发泄。冯小刚没有胡说，从某种意义上讲他已经号准了中国电影观众的脉搏，知道人们需要什么，所以他的电影都变成了实打实的硬通货。面对这样的导演和这样的实惠，投资商除了俯首称臣还会有别的选择吗？        《唐山大地震》不会成为中国电影中的经典，但绝对会成为中国商业电影的又一个典范。如果把整个影片看成一个杠铃的话，其首尾两部分堪称重量级的催泪弹，而中间的相当长的部分就像特制加长了的杠铃杆，这个杠铃杆的最大的意义在于平铺直叙地展现了自一九七六年以来中国大陆上的种种变化。因此理智地去看，无论是谋篇布局还是拍摄技巧，《唐山大地震》都无法成为值得推崇的电影，但是对于在并不算久远的时空里经历了两场巨大地震灾难的人们而言，这一首一尾两场情感戏已经足够摧毁很多人的心理防线。这一刻，很少有人能无动于衷；这一刻，理智实在无法战胜情感；这一刻，在观众的泪眼婆娑中，冯小刚以及这部电影的投资商们又可以觥筹交错了，或许在某些人的眼里他们可能仅仅算是“弹冠相庆”吧。但在这个利益至上的年代里，反对者的怒吼也只能变成无力的呻吟而已。        影片开头营造的上世纪七十年的环境氛围，对于从那个年代过来的人是非常具有视觉侵略性的。在个性消亡但山河一片红的特定年代，在普通民众经历了十年精神浩劫之后，一九七六年发生的那些事情改变了很多人的命运也改变了整个中国的命运。原本美丽的蜻蜓如蝗虫过境时竟然也变得邪恶无比，不论影片本身是否有意，这都成了中国命运在这一时段的写照，崇高美丽的东西被毁灭殆尽，留给中国民众的是贫瘠的精神荒原。影片把年代做旧把情感做旧，把该铺垫的东西都铺垫好了，甚至连云妮和丈夫的一时欢愉都考虑在内，随后的墙倒房塌和惨绝人寰的场面甚至连最低票价的限定现在看来都像是一场蓄谋已久且不怀好意的“阴谋”，让观众只有被动接受的份儿。这种由场内到场外的宣传策略以及从开始就准备打垮观众的情节设置，显示出冯小刚的三板斧是多么的有效果。        汶川大地震之后，“地震”这个词语如噩梦一样至今依然在很多人的心头挥之不去，《唐山大地震》的推出，可以说是不战而胜，从某种程度上说“奸商”们利用了民众的感情并不为过，但是从商业的角度去看，这是最精明也最无可厚非的做法。摆到桌面下，这是政治需要，自然有权力机构的支持，摆到桌面上，这是和观众做买卖，是周瑜打黄盖，一个愿打愿挨。影片中，一个母亲面对子女存亡的两难选择，在残垣断壁天昏地暗的背景下，悲剧力量被无限放大，不管是否经历过那样的灾难场面，人们都无法冷静地面对一个母亲撕心裂肺的呼号。母子亲情本来就是最容易打动人心的感情，在人生的灾难面前，这种感情更具有摧枯拉朽般的力量，所以冯小刚早就开始偷笑了，所以影院煞有介事地制造了买电影票奉送纸巾的噱头。与其说本片是情感的胜利倒不如说是商业的胜利，对于观众而言是理智输给了情感，对于冯导演而言，恐怕却是理智驾驭了情感。           每个人经历、感情和认识都不一样，无法让很多人对一部电影持相同观点，保持集体认同固然是好事，如果那样说明中国电影真的进步了，而存在反对声音也未必都是坏事，那意味着中国电影还能进步。但是由于种种众所周知的原因，在中国，电影总是牵扯到政治层面上来。这种混乱有时是自上而下制造的，有时却是自下而上堆积的，上面一声咳嗽，下面一堆唾沫，鸡飞狗跳乌烟瘴气。而无论是自上而下的行政干预，还是自下而上的号召抵制，都不是聪明的做法，都是内心虚弱的明证。在口水和谎言之中，该赚钱的还赚钱，该花钱的还花钱。如果把握不好市场，行政干预也救不了命，电影《孔子》就是证明；如果行销对路，再大声势浩大的抵制也是白搭，去年的《建国大业》就是“残酷的现实”。上面的和下面的都洗洗睡吧，在《唐山大地震》这样的适销对路的“商品”面前，理智挡不住情感。        冯小刚不是电影艺术的大师巨匠，但绝对是商业电影的顶级高手。无论是凭借演员的表演，还是抓住敏感的题材，他总能制造热点形成话题。好莱坞在世界影坛的一枝独秀从来不是单靠艺术电影挣来的，如果单纯从中国电影的商业未来考虑，多几个“冯小刚”未必不是好事，否则光有“贾樟柯”们的存在也不利于中国电影的整体发展。对于《唐山大地震》本身而言，不去电影院看不是罪过，进了电影院看也不丢人，面对触目惊心的画面和肝肠寸断的哀号，很多人都无法保持理智和克制，不是我们输了，而是冯小刚赢了。         PS：高分送给演员的表演以及在地震中失去的几十万生命，当然还有汶川的。。。。。。
电影中精彩战争场面TOP 10 10《独立日》中外星人回击美军基地，由于外星飞船自身有防护膜保护，美军导弹和弹药攻击全部无效，损失惨重。9《黑鹰坠落》巷战很真实，救人的人，最后需要被人救，好尴尬啊。第一架黑鹰被击落之后，雷达显示当地的民兵暴民潮水一样涌向坠机地点，我们都知道飞行员肯定是废了！8《变形金刚》里塞克巨人追击几个从美军基地逃出来的生还者，蝎子的机体外形在沙漠中实战非常太契合，不动用空军重型火力，人类单兵作战根本没有胜算。7《星河舰队》自大的人类到了虫子的星球，才明白什么叫“大块头有大智慧”，三十万名士兵瞬间血洒疆场，这场战斗，人类为自己的轻敌付出了惨重的代价。6《兵临城下》中斯大林格勒战，苏联红军誓死保卫祖国。部队过河那段，德军飞机几个俯冲射击之后，船里全都是士兵的鲜血。到岸后，回头当逃兵的家伙，会被自己人开枪打死，胜利就是这样炼成的。5《星球大战2》 这个是当之无愧的经典，驼式机器人令人印象深刻。4《斯巴达300》 健身运动普及的最好的一个国家，海选出300强PK外藩部族。刀剑长矛挥舞之间，都是力量和肌肉美感的完美体现。加上从小就虐待野生动物（大黑狼），对于后期对付大象啥的打下了很好的心理基础。3《指环王》索隆单挑一堆人类，因为戴着至尊魔戒，完全就是真三国无双级别的。后来的攻城战也是杀的昏天黑地，当时在电影院看的时候完全被震撼到了！大爱戒灵~2《特洛伊》 谁动了他的老婆？这是个问题！之后就挑起了历史上最大的家务事战争，个人认为比《赤壁》好看多了，这一天，所有的乌鸦又都有福了！喜欢这部电影中阿基里斯开场干掉敌方傻大个之后，喊的那句：“Is there anyone else?”太TM不是人类了！1《黑客帝国3 》机械章鱼攻击人类最后的城池--锡安，往们最厉害的武器之一就是图中这种机器人，样子和《异形》、《阿凡达》中的差不多，不知道能不能做单膝跪地，左手撑开的耍帅动作？这一战打的是惊心动魄，看着弹壳噼里啪啦往下掉，太过瘾了！章鱼们的数量和人类的人数大致是1：1的比例，这种机器的逻辑，让我们能活下来的几率显得微乎其微，最终带给我们胜利的是那个显灵的风衣男，逆转的结局和《魔界》中的中土之战很是相像，总之，锡安之战是我心目中最精彩的战争片段！
夏日大作战
约定 好听
德国 今晚 2比1 赢 西班牙
【爱华】永远的经典—天若有情之追梦人
永远的经典—天若有情之追梦人
【06】　　　　　　◥◣　　　╚╩╝　　　◢◤
【04】　　　　　　　　　◢◤　　　◥◣
【03】　　　　　　　　　█　　　　　█
【02】　　　　　　　　◢◤▕　　　▎◥◣
【01】　　　　　　　▕▃◣◢▅▅▅◣◢▃▕
恐怖玩具店
世上五个最不可思议的抓拍！
我爱德国
谁统计 一下 排行榜 - -
- -大家好
巴西输啦啦啦
有没有人要读四川师范大学电影电视学院附属中学
《宇宙战舰大和号》预告片 木村拓哉拼死一战 由木村拓哉主演的科幻巨片《宇宙战舰大和号》，于上周日在某电视节目上首度曝光了剧场版预告片。      《宇宙战舰大和号》堪称日本动画的元祖级作品，原作是著名漫画家松本零士。这套动画于1974年10月6日在日本电视台开始播放，是代表日本动画起步之作，在日本国内，与《新世纪福音战士》、《机动战士高达》并称为日本动画的三大神作。故事讲述21世纪，地球被神秘舰队攻击，一艘古老战舰“大和号”壮烈的战斗和漫长的旅程。2009年底，东宝公司还推出了最新的动画剧场版《宇宙战舰大和号：复活篇》，而此举也是为了今年这部真人版宣传预热。      公元2194年，突然出现在宇宙中身份不明的敌人对地球发起了进攻，全世界的战斗力量团结在一起抵御外敌。然而，人类所掌握的技术水平远负于敌方，因此在敌方宇宙舰队极具威胁力的攻击之下，地球军全线溃败。敌人在世界各地投下了无数的游星炸弹，超过半数的人类死亡。五年后，即公元2199年。游星炸弹中的放射性物质地球造成了严重污染，那个美丽的青色星球已经无迹可寻，残存下来的人们逃到地下生活。昔日的王牌飞行员古代进（木村拓哉 饰）已经退伍，为了回收资源而到地表进行搜寻工作。这一天，天空中出现了不明飞行物并落到了他的身边。事实上，这个不明飞行物是一个通讯密封舱，来自距地球14万8千光年的伊斯坦达鲁星。据此，人们判断出伊斯坦达鲁星有清除放射能的装置。地球联军在这个飞行器中找到了驱动器、波动引擎的设计图，并将唯一一个残留下来的战舰改造为宇宙战舰大和号。距离放射性物质毁灭人类还有仅仅一年的时间，为获得解除这种威胁的装置，古代进与船员们驾驶着大和号再度踏上旅程，伟大的战斗即将打响……      这款1分30秒的预告除了向观众讲述全片大意外，更是曝光了不少具有冲击性的镜头。我们看到遭遇袭击后的地球，满目疮痍，侥幸存活下来的居民只能住在设施简陋的地下避难所。而木村拓哉饰演的主人公古代进乱发遮脸，表情复杂的面对着传说中的战舰大和号。为挽救人类最后的希望，古代进驾驶着大和号再度起航，战舰从废墟中破土而出，冲向宇宙。影片战斗场面颇具“动画感”，其中更是不乏煽情元素，如西田敏行饰演的德川指挥官满身鲜血爬出战舰、柳叶敏郎扮演的船员中弹身亡等。      《宇宙战舰大和号》由曾一手打造了《入殓师》的中泽敏明担当制片人，《永远的三丁目的夕阳》导演山崎贵执导。本片的演员阵容堪称豪华，除木村拓哉外，还汇聚了黑木明纱、柳叶敏郎、绪形直人、西田敏行、山崎努、高岛礼子、堤真一等新老明星。      《宇宙战舰大和号》将于今年12月1日在日本全面公映
哈利·波特大结局预告片 哈利伏地魔正面对决 全球哈迷翘首期盼的哈利·波特系列最终章《哈利·波特与死亡圣器》终于正式曝光先行版预告片，亮出了最终集上下两部的上映时间：2010年的11月和2011年的7月。这支长达近2分半钟的预告片，首次展现了哈利与伏地魔正面对峙的镜头，以震撼的音画预告即将呈现的高潮大结局，而早先《哈利·波特与死亡圣器（上）》的先行版预告片以及MTV颁奖礼片花都是剪辑自这支全长先行版预告片。      预告片以惊人的配乐和恢弘的大场面开场，以静制动的带入了哈利·波特与伏地魔凝重窒息的对峙，伏地魔用充满死亡感的声音说：“哈利·波特，那个幸存的男孩子，现在来送死了。”其后哈利·波特系列的主要人物在快速剪切的镜头中加入决战：海格与哈利骑着空中摩托逃难、赫敏施魔法保护同伴、伏地魔带领他的反派团队亮相、霍格沃茨遭到食死徒的攻击、保护地下金库的巨龙在本部预告片中再次震撼出场，三位主人公在这一部中无一例外的进行了恶战，罗恩与赫敏紧紧相拥的镜头也预示着本部战斗的惨烈与残酷。四面楚歌的霍格沃茨抵御食死徒的进攻守护古灵阁地下金库的龙（眼睛是瞎的）再次出场哈利身边是古灵阁的地精伏地魔率领他的爪牙们攻打霍格沃茨罗恩与赫敏恶战中罗恩拿起格兰芬多之剑劈向藏着一块伏地魔灵魂碎片的魂器      当然，本支预告片最主打的依然是哈利·波特与伏地魔的终极对峙，除了预告片开头外，其后二人在霍格沃茨的决斗是本片的终极题眼，艰难对峙中，伏地魔的声音画外响起：“只有我才能永生。”矛盾、仇恨和你死我活在此刻一触即发
1 下一页