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五线谱的基本知识五线谱(Musical Notation) 目前世界上通用的记谱法。在5根等距离的平行横线上，标以不同时值的音符及其他记号来记载音乐的一种方法。最早的发源地是希腊，它的历史要比数字形的简谱早得多。在古希腊，音乐的主要表现形式是声乐，歌词发音的高低长短是用A、B、C……等字母表示的，到了罗马时代，开始用另一种符号来表示音的高低，这种记谱法称为“纽姆记谱法”（Neuma）。谱号：确定五线谱各线和间的音级名称和高度的符号。谱号有三种：高音谱号、低音谱号、中音谱号（由于它们由字母G、F、C变化而成，又叫G、F、C谱号）。谱表：记有高（低、中）音谱号的谱表叫高（低、中）音谱表或G（F、C）谱表。音符：用来表示乐音时值长短的符号。休止符：用来表示声音静止停顿的符号。音符的组成：符头、符干、符尾。音符休止符时值全音符全休止四拍二分音符二分休止二拍四分音符四分休止一拍八分音符八分休止半拍十六分音符十六分休止四分之一拍三十二分音符三十二分休止八分之一拍附点音符（休止符）：写在音符右边的小圆点叫附点。带附点的音符（休止符）叫附点音符（休止符）。带一个附点表示延长（休止）该音符时值的一半。延音线“” 或“”：用在音高相同的两个或两个以上的音符上时，表示它们要唱（奏）成一个音，它的时值等于这些音符时值的总和。延长号“”或“”：1、表示唱（奏）时按表现的需要自由延长音符或休止符的时值。2、延长号在小节一表示两小节间有短时间的停顿。3、延长号在双纵线上表示乐曲的结束。升降记号：用来表示升高、降低基本音级的记号。 1、升记号“”：表示把原音升高半音。 2、降记号“”：表示把原音降低半音。 3、还原记号“”：表示把已升高或降低的音还原。 4、重升记号“”：表示把原音升高一个全音。 5、重降记号“”：表示把原音降低一个全音。注意：升降号在本小节内对后边同高度的音都有效，过小节线后，如果还有半音关系，需再写记号，否则即表还原，不需记“”号。反复记号：用来表示乐曲的一部分或全部重复演奏。 1、小节内音型的重复用斜线“/”代替，斜线数相当于符尾数。 2、整小节的重复用“”或“”记号表示。 3、两小节的重复用“”或“”记号记在两小节之间。 4、“”表示这两个记号中间部分要重复演奏。如果从头反复，前边的记号“”可省去。 5、结尾记号“ 1. ”、“ 2. ”：如果“”重复的曲调结尾不同时，第一次结尾用“ 1. ”，反复时跳过“ 1. ” 接“ 2. ”。

声乐培训方法总结，声乐学习方法推荐声乐教学的常用方法声乐教学过程就是在人的身体内建造歌唱的乐器的过程。强调的歌唱发声原则有以下三点： 1、打开腔体在教学中首先强调的是打开腔体，即大家常说的打开喉咙。打开腔体最常用的方法是深呼吸。自如地深呼吸，感觉一股凉气顺着鼻腔进入（此时小舌头、软腭随之向上拉起），顺畅地通过后边的通道进入小腹站定，这样腔体就打开了。这种状态是为了学生更容易体会整体歌唱的感觉。歌唱的主要通道是喉咽部以上、以下，即后边这个通道，这个通道上通鼻咽腔、头腔，下通喉腔、胸腔，打开腔体就是指打开这个通道。在打开腔体过程中，一定要注意“自然”二字。我们只须用深呼吸的力量来打开腔体即可，任何多余的力量都是错误的，千万不可滥用力量。否则就可能发生一些常见的毛病，如用力下压喉头，虚撑开大喉头，张大嘴巴，哈欠打过头等。喉咙打开的问题，在打开腔体的过程中同时得到解决。喉咙的位置随深吸气，同时自然放下，放在什么地方，这要凭教师的耳朵来听，来告诉学生应放在那里。标准是，既能得到丰富的共鸣，又保持优美的音色，同时声音运用自如。深呼吸是打开喉咙的法宝，没有脱离深呼吸打开喉咙的方法。在发声过程中，吸着气的状态是保持打开腔体稳定来歌唱的最好的方法。在学习过程中,有的学生常错以为打开喉咙就是打开喉咙口，使喉咽部打开撑大，结果使喉咙底部没有打开，反而缩小。打开喉咙指的是打开喉咙底部。 2、小腹支持所谓支持，就是把吸近来的气保持住，不让它跑掉，保持用吸气的感觉来歌唱。人们常说“歌唱的艺术就是呼吸的艺术”，虽有夸张之处，但却说明了呼吸控制的重要意义。在讲如何支持之前，首先来说明吸气的部位，我们自如地坐在椅子上，双腿分开，两肘放在膝盖上，这时吸气，会感到吸的深度与力量是在腰围、后背、后腰，并且有膨胀的感觉，这就是吸气的部位。我们站起来也要找到同样的感觉，吸到同样的深度，同样的部位。找到了吸气的部位，我们来说明为什么要用小腹支持？我们知道最常说的是横隔膜支持，我所说的小腹支持只不过是横隔膜支持的一种变相说法而已，只是为使学生更易懂罢了。小腹支持是这样的，保持吸气的状态，小腹微微内收，感觉声音是站在小腹上，小腹源源不断地供气把声音输送出去。小腹的支持可以简化为支点的支持，想象肚脐下的一点是一个弹性支点，声音是靠这个支点的支持发出来的。 3、呜母音状态歌唱的共鸣是非常重要的，而头腔共鸣尤其重要。要想得到充分的头腔共鸣，最便捷的方法是借助于呜母音。呜母音是使声音通向头腔的最容易的母音。呜母音上部的空间感，就是头腔的位置。唱呜母音时，小舌头和软腭都是拉起来的，把声音唱到它们后边即可通向头腔。呜母音是意大利的声柱，学好了它，其它的母音也就好找了。我在教学中最常用的母音是呜、啊、噫，呜有向上发挥的本能，啊有向下发挥的本能，咦有向前发挥的本能。在教学过程当中，教师一定要坚持自己的观念能，用呜带啊，用呜形成腔体状态，用啊拓展声音的宽厚。用噫形成声音的色彩。这三个原则贯穿在我教学过程始终中，学生的任何问题的解决都是从这三个方面入手的，三者在教学过程中密不可分，切忌单打一，否则就不会形成完美的歌唱。其它的一些想法教授声乐，对教师来讲最重要的问题是，教师一定要有清晰正确的声乐观念。这决定声乐学习能否顺利进行，能否达到教学目的，能否引导学生走上正确的声乐道路。教师要首先建立正确的声音观念，可以通过听录音、CD，看录像、VCD，特别是观看现场的音乐会，多听好的声音，多接触好的声音，培养自己的听觉，保持正确的声音观念。学生在开始阶段，虽按照教师的要求努力去做，但是因为机能、观念、思维等方面，没有跟上教师的要求，往往做不好，或者是做的很差，这时候教师要坚持自己的要求，不要因为学生现在做不到而改变自己的正确观念，否则回打破学生的业已形成的一些观念，反而使命学生无所适从、不知所措，使学生的声乐学习产生严重的反复。教师不能坚持用自己正确的声音观念来要求学生，是使学生长期原地踏步，不能进步的重要原因. 作品演唱的数量问题大量演唱作品是提高声乐技术的非常重要的手段。虽然练声一直是声乐教学的重要内容，但是练声并不能解决所有演唱的技术问题，很多的技术、技巧是大量存在声乐作品当中的，只有通过演唱作品才能顺利的解决这些问题，变成自己的技术、技巧。演唱作品也是培养训练音乐感觉的最佳武器。作品的风格问题、语言问题、感情表达问题、民族习惯问题、民族审美问题，这些靠发声练习是不可能解决的，只有靠演唱大量作品才能得到解决。教师在给学生留作品的时候，要确实了解学生的实际能力，严格按照学生的实际程度留相应的作品。中外不同国家、地区、民族有代表性的作品要大量的接触，既有一定数量的精唱作品，又要有一定数量的泛唱作品。使用的作品要有一定的难度、深度和广度。既不能拔苗助长，也不能原地踏步，要实事求是。以上几个方面是我学习和教学的一些的感触，希望能和同行探讨。

什么才是正确的唱歌方法最近想买些学唱歌的书回来研究下，却发现理论太多、专业用语太多，根本看不懂，不知道怎么练习和运用，还是老师指导效果会好很多，不然领会错了书本的意思最后误入歧途就麻烦了，就很难纠正回来了：）　　收集了一些很好的学唱歌的基本练习方法，大家有兴趣可以跟我一起学习一下：　　1、唱高音需要有气息的支持,这一支持的力量来自腰部的肌肉,最简单的方法是寻找便秘时腰部用力的感觉,另外歌唱需要有一定的声音位置,可以试着先用哼鸣的办法去练习,通俗的讲就是,你先哼唱这首歌,然后用哼唱的感觉加上腰部的力量来唱高音。　　歌曲的演唱者是具有双重角色的,首先你是作品的欣赏者,这一步中你需要很好的理解作品的歌词含义、中心思想，深刻体会作家及作曲的词义曲情！其次你是作品的表达者，大家通过你的演唱来了解歌曲，你需要把你所感受到的充分的表达出来。演唱时要唱什么想什么，还要注意旋律的发展，注意强弱对比，唱出的旋律最好有曲线美，就象我们说话时阴扬顿挫。还有模仿也是很有效的。多听、多看、多想！！！　　2、唱歌启蒙阶段，家长要重视儿童唱歌的姿势。这是培养幼儿唱歌必要的素质。唱歌的姿势指：身体、头部及歌唱时的口形。孩子站立或坐着，身体要正直放松，胸稍挺起，平稳大方使呼吸自然通畅。要纠正儿童边唱边摸衣角，驼着背唱歌等不良姿势。唱歌时口形要张圆，如果口形是扁形的，发出的声音扁平刺耳。家长教儿童唱歌时注意，要在幼儿面前树立好的榜样，使儿童能形成自觉的行动。　　呼吸是发声与歌唱的原动力，唱歌和说话一样，都是靠气息控制的。唱歌的发声是带有一定强度的呼吸。儿童初学唱歌时，不太会用呼吸，唱歌时常出现断断续续的现象。如果告诉儿童“唱一句，吸口气再唱一句”，反而造成儿童心理上的紧张，光等着在句头前大喘气。这是由于孩子小，接受能力差，不能理解呼吸的原理。　　怎样才能使儿童发声自然流畅呢？幼儿思维具体形象，善于模仿，父母在遇到乐句长的歌曲时，不须给儿童讲什么，只要向儿童直接示范乐句的吸、呼，并加以手暗示唤气位置，慢慢地，孩子学着大人的样子就会恰当地唤气，使发声自如了。　　唱歌的呼吸对于儿童来说会觉得抽象难懂，父母可用形象的比喻，启发儿童自然的呼吸。比如：用长音练习，火车从远处开来。父母和孩子一起学火车的叫声，延长5音，父母和孩子比赛看谁唱得声音最长而不换气。　　还可用闻花来启发儿童体会唱歌呼吸：到公园玩，远远迎来一阵扑鼻的玫瑰花香，慢慢地吸，深深地吸，又慢慢地呼出来练习缓吸缓呼。用吹蜡烛来启发孩子体会唱歌的急呼吸。如有四支蜡烛点燃，让孩子急急地吸满一肚子气，然后慢慢地逐一吹熄，练习急吸缓呼。　　父母也可根据儿童心理特点，选择些有趣的小曲，练习呼吸。如讲小猫的故事：小猫醒来了，看见猫妈妈亲热地叫，学会柔和的唱连音。小猫见到小主人拿鲜鱼喂它，高兴地叫。小猫吃饱了，蹦蹦跳跳地玩皮球。　　练习顿音唱法，练习发声、呼吸，用一些生动形象的方法，会引起儿童学习的兴趣，提高歌唱水平。

教你认识你的电吉他拾音器我们在购买吉他之前，都会在网络上看一些吉他配置方面的资料，有很多的吉他的拾音器型号都写着Alnico几几几的字样，那么它们是什么意思呢？它们之间的区别又是什么呢？Alnico就是三种金属元素英文单词的前两个字母的缩写，这三个金属元素分别是铝，镍，钴。为你解释一下alnico的特性：在1930年代初，日本发明了铁，镍，铝合金，这种合金拥有钢材两倍的强度。人们很快地有发现了当合金中加入了钴，其合金拥有极强的抗腐蚀性，加入了铝镍钴的铁合金将拥有极强的耐热性，并且不易丧失磁性，所以这类合金被应用于永磁体的制造。事实上在“超级磁铁（钕和钐的合金）”发明之前，铝镍钴合金是你可以找到最强劲的磁铁。它的磁力要比地球的磁力强3000倍。所以简单来说，alnico合金是一种极为强劲并且较为永久的磁体。电吉他拾音器大家都知道，拾音器的结构是由包覆着线圈的磁体所构成的，所以作为高质量的磁体alnico非常适合电吉他拾音器的制作，利用alnico磁体的拾音器拥有温暖，平顺的高品质音色。在你选购吉他的时候你也会看到不同样式的alnico拾音器，它们简单地用罗马数字标明，例如alnico II，alnico III 和alnico V也就是alnico2、alnico3、alnico5。alnico后面的数字的意思是标明不同的磁体所产上的磁场强度，同时也表明了不同合金中各类元素所包含的比例，也相当于这个拾音器的食谱。尽管其比例并不是那么的明显但不同的元素组合就如同吉他上的拾音器位置一样，影响着电吉他的声音。其中II的强度是居中的，III最微弱，V最强。 Alnico II拾音器你可以在早期的Telecaster吉他中找到。这种拾音器特别适合于作为中拾音器使用，它的特性非常甜美，在音色上非常传统。Alnico III是三款拾音器中磁场最弱的，因为事实上它的成分中基本上是没有钴存在的。所以他的磁力最小，所以对弦振动的感应更加小，这类拾音器比较适合用来制作琴颈拾音器。它的首次使用是在早期的Stratocaster上，alnico III独特的特性也是为什么Stratocaster琴颈拾音器声音如此出色的原因之一。Alnico V是三款拾音器中最有力的一款，功率更大，音色和频率响应也更好。它强大的输出功率和极具攻击力和充满力量的音色是琴桥拾音器的好选择。如今Fender依然在使用alnico拾音器在他们许多吉他中。举例来说，Hignway One系列吉他使用的是alnico III拾音器，American Standard系列和American Special则使用的是Alnico V，American Vintage系列的 62 Stratocaster复刻版则采用的是三颗Alnico II拾音器，因其在吉他的每个位置所表现出来的不同特性，现在新款的American Deluxe系列Stratocaster采用的是Alnico III琴颈拾音器，Alnico II中拾音器和Alnico V琴桥拾音器。

成人小提琴自学者必备（仅供参考）外在条件：1、每天能有一小时不受干扰的时间2、一把小提琴和肩托、松香3、一本基础乐理、五线谱入门和几本自己看得懂的小提琴教材（带录像录音）4、校音哨5、节拍器6、比较大的镜子7、录音机8、录像机9、上网10、主动请教现实生活中会拉琴的人内在素质：1、爱唱歌，能把歌唱准2、静心3、有把一件事坚持作完的习惯4、悟性5、自信6、行动大于思考7、脸皮厚

怎样唱好花腔女高音花腔（Collratura）花腔女高音，是抒情性女高音中最纤巧、最灵活的声部。那夜莺般婉转优美的嗓音，能够在最宽广的音域（超过两个八度）中自如地表现华丽、妩媚的花腔声音特色。一部难度很大的花腔作品，往往需要将各种花腔技巧综合起来使用。在高音区和超高音区灵活、自如地唱好花腔快速走向顿音，必须从歌唱要素的几个方面综合地进行调整。1、心里要素要掌握这种高难度的花腔技巧，首先强调的是歌唱者始终如一地保持着那种轻松、自如、积极、活跃的心理状态。因为，一切复杂的旋律音准和华丽的乐句都是从心理产生出来的。所以，先是用“心”去唱。心理的歌唱要素总是在支配着这一切。2、呼吸要素歌唱花腔的旋律，对呼吸的控制有极高的要求，气息控制得越好，声门的负担越轻。只有排除嗓子周围任何不必要的干扰，才能对断音、顿音进行准确的调整。在高音区和超高音区唱花腔快速走句顿音时，用的气是很少的（自我感觉），是在一种被“吸住”的气息静止的状态中，从思想上以“一条线”的送气感觉把顿音的“珠子”穿成串。所以，对气息的控制要在心理上有精确的算计。

民族唱法的共鸣技术民族唱法的共鸣技术民族民间唱法的共鸣应用技术很有特点，但传统的民族民间唱法的理论文件中很少有歌唱共鸣的专门论述，即使是现在的许多民歌演唱家和教育家，也多借鉴西洋声乐理论。从民族民间唱法技术的歌唱共鸣效果看，大体有以下几点：1 、强调头腔共鸣，它强调高位置，但声音的焦点较小，集中明亮。民族民间唱法的头声应用比较靠前，接近西洋靠前学派，头腔共鸣在声音中所占比便相对少一些。这种方法是与民间唱法对吐字咬字的要求联系在一起的。“脑后音”指歌唱者发声时在适当的气息支持下，对整个声区采取较高的声音位置或声音响点，强调头腔共鸣作用(特别是在高声区)，从而减轻喉部不必要的紧张度，使声音具有细致柔韧特点。脑后音的技术常用于戏曲和民歌中高音区的深唱，配之以丹田之气，可获得高亢明亮的歌唱效果，声音集中，穿透力强，传的远。2 、重视口腔共鸣。注意发挥口腔共鸣的声音主渠道中的共鸣作用。民族民间唱法主要是凭借口腔共鸣应用技术进行歌唱。口腔共鸣在各部分共鸣应用中所占比例最大，这在很大程度上取决于其运腔技术。民族民间唱法对吐字咬字清晰度的极高要求，形成了特定的歌唱行腔技术。从理论上讲，口腔共鸣的形成部位同时又是字音形成的部位。古人吟诗就是把字中的韵母拉长，再赋之以音韵、声调的变化。吟诗的语言技巧讲究的是口腔共鸣，不注重头腔共鸣和胸腔共鸣。相对而言，我国的传统唱法在口腔共鸣的使用方式上，非常强调声音的靠前，靠前则声音明亮、清脆、婉转、声音随字转腔换调，百变不空。口腔共鸣的大量运用在真声唱法中表现最为突出，无论是北方的脆亮，还是南方的酣美，都充分发挥了口腔共鸣的歌唱中的优势，特别要把声音送往声母的成形部位一一嘴的前部，并强调吐字的喷口力度和外口腔的打开，使唱腔亲切、明亮，即提高了字音的分辨力，又突出了口腔共鸣，从而形成了很特色的歌唱共鸣技术。

乐感虽属后天因素，必需经过有意识去学习才能获得乐感虽属后天因素，必需经过有意识去学习才能获得。嗓音也是天赋的，但如果有缺陷，可以通过后天的方法加以训练，在整容与美容技术高度发达的今天，嗓音的整容术和美容术的发展也应该跟上时代的步伐，这是一个声乐研究宽广的空间，值得声乐研究者们引起重视。乐感和嗓音虽然同属天赋，但改善嗓音的余地比改善乐感的余地大得多。如何去改善呢？这就需要一种方法。研究方法的出发点：一是改善嗓音和改造嗓音（下节将专门讨论），二是作为一切技巧训练的基础，三是作为提高乐感的手段就是技巧，也是说用技巧来弥补乐感的不足。在西洋传统唱法发展到最高峰时，曾被称之为美声唱法，原本作为体现“情”的“声”，本该是手段，到了美声唱法阶段把声当成目的，于是歌曲难度越来越大，技巧要求愈来愈高，成了本末倒置；（这或许正是它脱离群众的根本原因之一）。作为通俗唱法研究的目的而言，决不是以技巧为最终目的。通俗唱法中，“声情并茂”的提法，并非说明“声”与“情”是平分秋色的。“声”是为“情”服务的。本章所指的乐感，从某种意义上说是和“情”划上等号的，因为乐感是“情”表达的基点。“情”的表达的深度往往是乐感级别的鉴定准绳（“情”字的概括应是直觉的乐感加上对作品的理解，再加生活体验三者的总和，许多美国乡村歌手的演唱曲目，都没有太高的难度和复杂的技巧要求，完全靠乐感取胜的例子不在少数。像约翰.丹佛、卡伦.卡朋特都属于朴实型的。到了加什.勃鲁克斯（Garth Brooks）、埃米洛.哈里斯（Emmylou Harris）这些所谓叛逆型的乡村歌手的出现，也只是从风格的技巧上进行了一些改革和发展，其本质----“情”的表达并未改变。以当代歌星赛琳.迪昂的演唱为例：一首许多歌手都曾唱过的《When I fall in love》在她口中唱出来，用情之深超过所有的其他人；同样的她，一首她加以花腔化的老歌《Can’t help falling in love》唱得就很失败，因为这些花腔纯是炫耀技巧，和内容脱节，成了喧宾夺主，已无“情”可感。惠特尼.休斯顿后期唱《How will I know》和她灌的第一张唱片时相比已面目全非，花腔乱加，直到几乎完全听不到主旋律，可见纯技巧唱法在通俗唱法领域中是行不通的。有人也许会问：基本功和技巧有何区别？简单的回答是：每一种唱法模式都要建立在为自己美学效果服务的特定“状态”上，这一状态的建立过程也就是基本功。那么技巧的具体内容又是什么呢？线条、对比、真声----混声（指半真声和半假声）----假声之间的变换自如。乐感有级别，技巧同样有级别。作为通俗唱法而言，初级技巧只要发音上没有“毛病”（指喉咙卡紧，气息僵化、五音不全等）能做到音准、节奏稳、有颤音（vibrato）有弹，起码的音量对比（mp—mf），在自然嗓音声区范围内歌唱自如即可，对于原来乐感不入流，歌声不堪入耳的歌迷说来，能做到这些要求也就不错了，可进入三流乐感标准了。（从“不堪入耳”到“入耳”也许这些标准已经要求过高，连音也唱不准的歌星也大有人在。中级技巧没有基本功就不行了。它要求有线条。（在自然声区内）音量控制至少能达到p—mp—mf—f弱声不虚，强声不散。这就可以达到“动听”的乐感层次了。

歌唱的咬字、吐字、归韵要准确、清晰、规范，可试用“六齿着力” 　在歌唱中，咬字的着力点是在口腔的前半部分，是用其上牙和上口盖积极往上咬字。在前面第一个问题中说过，吸气时要打开鼻腔，其作用除了让声音通过它进入头腔外，还要让所咬的字也通过它进入头腔，与声音结合成有内容。有情感的乐句抒发出来。要让所咬的字到达高位置，字头要在口腔前部的上牙和上口盖处形成，随即往“面罩”的焦点上送，字腹则已落在焦点上延长，直至字尾、归韵都保持在同一位置上不变，这样军与声音的方向、位置形成统一体，就达到了高位置的歌唱；并能使歌唱的语言准确，清晰与规范，也才能符合我们民族语言的习惯与规律，悦耳动听。　　有的人用口腔的后半部分与大牙咬字，嘴皮是松的，咬出的字轻则含在口腔内，形成音包字，浑浊不清，重则造成舌根音与喉音，这是声乐演唱中的一大忌，必须予以纠正。为此笔者在课堂教学实践中所施行的方法是：把咬字的着力点用在口腔前面上牙的两个犬牙之间的六颗牙齿上，最宽的字也不能超过两个犬牙之后；其中怀来辙、言前辙、一七辙、人辰辙、也斜辙的字看力在两个犬牙上；发花辙、江阳辙、遥条辙、灰堆辙的字在两个犬牙往前对称的两个牙上；梭波辙、姑苏辙、由求辙、中东辙的字着力在两个前门牙上，咬所有的字嘴皮都要随之用力逮住字，不同辙的字用不同的口形往声音焦点上送；加之在第一个问题中提到的用“面罩”部位的器官上提用力的发声方法，这与咬字用力的方向是一致的，焦点也是一致的，如此就能做到声音统一，语言优美，字正腔圆，声情并茂。　　归结起来，歌唱时要用上“面罩”部位的三角区，即以上牙。上腭为底边，底边的两端到颧骨。直至额头中心的焦点处为斜边，组成一个三角形，用这个三角区中的几个器官按照本文所述的发声、咬字方法来歌唱，从而带动呼吸器官的正常运动，以取得各部分腔体的综合共鸣，使声音具有更大的穿透力(俗话说能“打远”)与生命力；也才能使声带活动的负荷量最小，效率最高，能量最大，使声带免受损伤，永葆青春。这样也就建立起了科学发声的牢固概念与过硬技术，走出一条我国民族声乐的崭新道路，并力争在世界声乐之林中占有一席之地，积极进取，不断攀登。

听懂科学教育的几个关键课程我们现在的讲座已经到了一百讲左右，实际上第一讲，第二讲，第三讲都是讲大脑科学的，在房间里经常播的，还有第五讲是古典音乐在教育中的应用，家长一定要听，作为家长应该系统地听，反复地听，听懂，听懂了古典音乐的意识才能增强，你也能主动地去听，再带动孩子听，这是家长要做的事情。3、书房设备的设置作为家庭的视听设备很多，我是这么想的，对一个儿童来讲，他书房不要搞得很复杂，复杂了，他每天弄这些东西就耗费了时间，要让孩子欣赏古典音乐，就给他配一个影碟机和电脑音箱就行了，他就能用编辑出来的碟片进行听了，他就会很好，我提议书房不要放影像的设备，电视、电脑不要放，比较适合孩子，音箱一定要放在孩子的左侧，不要放到右侧，孩子左耳是听音乐的，右耳是听语言的，音箱放在右侧对孩子不利。4、音乐的碟片问题听我讲了之后，你给孩子买了五片音乐，就总给孩子放这五片音乐，是不行的，我们的音乐速度快慢都有，我举个通俗的例子，我们国家南方是水稻产区，往北是小麦产区，再往北是玉米的产区，不同的音乐，不同的速度，对大脑的波的振动都是不一样的，在不同的脑波情况下，孩子会有不同的智力在大脑里显现出来，如果孩子总是听有限的几片音乐，就把孩子的大脑波固定在某一波段上了，孩子就比较僵化，孩子也不愿听了，因此，要给孩子多准备一些这样的碟片。有些孩子，你准备了五十片，他不一定都喜欢，他可能喜欢其中的二十片或者三十片，这都是可能的

童声合唱基础训练的反常现象——不“循序渐进” 童声合唱基础训练的反常现象——不“循序渐进”之一在音乐学习过程中我们发现有许多违反常规的现象：诸如一目十行（读总谱、钢琴视奏）、一心多用（钢琴演奏、合唱、合奏等）。合唱基础训练亦有类似情况：从一开始就开展多声部训练（不少于两个、不多于三个声部）！一般情况下均认为童声合唱基础训练应从单声部开始，循序渐进至多声部，却不知这恰恰是造成“进步慢”、“事倍功半”的重要原因之一。也可以说，这种从表面上看似符合教学规律的“循序渐进”措施，确似施放了一种破坏禾苗成长的“有害肥料”。当然，从第一天就开始多声部训练决非易事，也决非难事，只不过是需要花一点工夫，动一些脑筋，学几手本领，采取一些措施而已。童声合唱基础训练的反常现象——不“循序渐进”之二从一开始就重视、开展“无伴奏合唱”训练。一般情况下均认为无伴奏合唱是高层次表演形式，要具备一定的演唱水平才可以涉足，也就是说从有伴奏“循序渐进”至无伴奏。其实不然。伴奏的真正的含义是填补和丰富歌唱无法表现的部分，如果不是这样，它就是可有可无的了。长期以伴奏形式训练，会太多的锻炼歌者惰性（对音准和乐感而言），相反无伴奏训练形式，则会更多的锻炼歌者的“主动性”。童声合唱训练的反常现象——不“循序渐进”之三“无伴奏训练”不等于完全脱离“伴奏”（琴声）：可先以“琴声”带“人声”——脱离“琴声”——以“人声”单独演唱（这时的演唱大脑高度集中，努力思考音高的准确，声音的状态、气息、音色等）——再以琴声检验人声的音高准确与否等（注意！仅仅是检测，而不是“带人声”）……随着能力的提高，适当延长“人声演唱”的时间，逐渐缩短和减少“琴声检测”的时间与次数，直至可以较长时间的、准确的进行“无伴奏演唱”。这期间，教师可开动脑筋，有创意的使用与上述类似却形式不同的训练方法，不断激发学生的积极性，启发，引导学生提高“能力”达到既定“演唱目标”。这便是具体训练过程中的“循序渐进”。童声合唱基础训练的反常现象——不“循序渐进”之四从一开始就重视并有计划的开展“循环呼吸”训练！在声乐领域中，循环呼吸是合唱艺术所独有的特殊声音动力。其他声乐表现形式中由于生理条件所限，不得已而出现的违反艺术规律的断句缺憾，在合唱表演中，不仅可以通过循环呼吸“得到弥补，而且往往还会获得极其美妙、迷人的艺术效果。遗憾的是它在童声合唱基础训练中得到重视的程度极其有限。纠其原因：或不被列入初级阶段基础训练之内容，待其“循序渐进”至；或不认识其重要性，用时信手拈来即可；或根本不知其存在……。然而，它即是合唱的演唱技巧之一，也是一个合唱团员，一个合唱团体的艺术修养和素养的重要标志之一。评论：hailile：说的有道理，另外给大家分享一下我的经历，孩子参加合唱团是为了高兴，在除去能演出的兴奋，合作的愉快，老师表扬的幸福，最能吸引孩子的就是音乐的美，孩子也有审美能力，尤其是他们经历较少，感情却丰富，更容易受到音乐的吸引。不要小看孩子们，尤其是学音乐的孩子，他们的早慧、对音乐的感觉能让你们吃惊。但是这要靠老师的挖掘，孩子的自制力差，排练时一定要注重开发每个人。合唱是配合的、共性的艺术，但在排练时需要个别指导，让他们对自己的声音和别人有所了解，对和声有了感觉，一定不能怕跟着别人跑而光分声部练。这是曾经参加过童声合唱团的我的一点心得，应该是有用的！古典Andy：那天看到这个帖子以后，觉得很有道理。但是，不知道该说些什么。所以，这两天一直在想。我感觉，我们在组织训练的时候，要用到的方法都是感性和理性的混合体。具体到童声合唱的训练，或许需要更多的使用感性的方法。对于孩子来说，认识和了解一个事物大多是感性的。而且，从感性升华到理性是一个相当漫长的过程。所以，我们可以将训练成年人合唱的方法当成一个目标和一个引导的方向。另外，我觉得，未成年人的情绪化倾向非常强。我们应该充分抓住这一特点。一方面，转变我们的训练方式，另一方面，转变我们的评判方法。lz：我想说一点自己的浅见，音乐本身就是感性多于理性（在相当的阶段里），真正要上升到理论的时候，那得学了很长时间的音乐才能涉及到，不知我的看法是否正确。因此，我认为古典Andy的说法很和我意，“ 我们可以将训练成年人合唱的方法当成一个目标和一个引导的方向。”也就是说，在合唱训练过程中，不要老从理论的角度去说、去解释，而更多的是要让合唱队员们去聆听、去感受，然后再在理论上加以引导、稍做解释，这样能起到比把理论讲烂了还要好的效果。换言之，我同意楼主所转载的文章之观点。宝玉：童声合唱的训练不仅仅在于声音训练和歌曲排练，基础知识很重要，比如说视唱练耳、音乐欣赏、和声训练等等，这些基础知识能够让孩子更快更好地完成作品，同时也能让他们对合唱训练更加充满兴趣古典Andy：我想再强调一下基础的问题。有很多被我们称做基础的理论是非常重要的。训练孩子的时候，惟有这些是不能有半点马虎的。这牵扯到能不能让孩子上“道”的问题。但是，灌输这些知识的技巧性很强。恐怕很难总结出若干点。只能具体问题具体分析。

打造合格队员演唱优秀作品目前在中国，能视谱即唱,声音和谐,演唱许多原文合唱文献的合唱团屈指可数；许多业余合唱团热情高涨，但要如意地演唱自己喜欢的作品、准确诠释作品风格、尽情地表达内心的感情，仍然十分困难。所以，热情、苦干都不能代替技能和效率。我国有许多好的合唱作品由于合唱队无法胜任，不得不拿到外国去视唱；比交响乐作品多得多的合唱作品也无法掌握、几乎所有合唱团的指挥都在花百分之九十的时间教歌与搞训练。对合唱队的“合”字之深邃的社会意义至今未被充分揭示，影响着中国合唱水平的提高。特别是许多部门的领导受着功利思想的影响，致使指挥的工作一直是训练，不能排练。这个问题的解决涉及到许多音乐教育根本观念的改造与教学思想的彻底更新。什么是合唱？当然首先是“合”，为了“合”，除了要有一个能使大家“合”在一起的指挥外,了解合唱的性能，加强自身的修养，是一个好的合唱队员所必须具备的素质。所以在欧洲各国都有相当数量的合唱学院或合唱学校。奥地利有300多。可惜的是在中国，相当长的时间里许多音乐院校都把注意力放在能显赫声名的独奏独唱学科；而对合唱极少过问，甚至有些权威人士至今认为合唱事业是业余学校的事，指责参加合唱队的学生在毁坏自己的嗓子。我想只要看一看世界各地的合唱学校所开设的课程，他们就不至于这样大发议论了。合唱是一个合作的歌唱活动，从而也是培养团队精神、群体意识、进行亲情教育极好的方式。日本NHK少年合唱团的教学口号是合唱团里没有“我”只有“我们”，伟大导师列宁的夫人克鲁普斯卡亚（当时任教育部长）认为“合唱是任何思想教育都代替不了的最好的方式”。我想这应是合唱活动教学宗旨的概括。欧洲各国以合唱为主的宗教活动来坚固人与人的亲情关系，继而扩展为社会性质的人文教育。作为最重要的修养，绝大多数音乐学院的课程设置都少不了合唱。为合唱所设的音响极好的排练厅；总、分谱齐备的图书资料库；为视唱新作品和供合唱指挥实践的试验合唱团（有奖学金）等等。在各类中专音乐学校里，一门合唱课同时解决了和声、复调的音响分析；快速多声部的视唱教学等课程。从这个角度出发，我们必须一方面以国际人的标准要求自己，一方面紧紧盯住当前的实际，脚踏实地地改造教学环境、改善自己的知识结构，发展综合性音乐教育模式，借鉴外国并积极探索自己民族合唱的声音特点，才能使合唱团保持持久向前的生命力。　近几年来了不少世界一流的合唱团，斯洛文尼亚女声合唱团；朱丽亚音乐学院的“十字路”合唱团；伊顿公学男童合唱团等，使我们欣赏了各种不同声音组合形成的多风格的演唱,也看到这些合唱队员得心应手的能力。

声乐训练的基本要素我们平时称谓的“声乐”，实则是一个转借词。按西洋音乐理论严格界定，“声乐”是指用歌喉（声音）来表现的一切音乐的统称。它是相对器乐（用乐器来表现的音乐）而存在的。所以说，声乐应包括歌曲的演唱、清唱剧的演唱、歌剧的表演、地方戏的演唱以及神剧、经文歌、民谣的演唱等，形式上包括独唱、重唱、齐唱、对唱、合唱、表演唱等、西洋音乐理论家将声乐又称之为歌乐（即Vocal music）。现在，人们似乎只把“声乐”的意义限定在歌曲演唱的发声方法上，形式也只限定于独唱、重唱等。其实，发声方法也是独立的一个学科，西洋音乐理论称之为发声法（Vocalization）。为了适应目前中国乐坛的称谓习惯，这里也将“声乐”一词界定在“歌曲演唱的发声方法”上，即是将声乐与发声法混为一谈的说法。群众文化的声乐训练应包含哪些要素呢？也就是说，群文声乐干部在对声乐爱好者进行声乐教学、辅导时，都应该给学生教些什么、辅导些什么呢？笔者认为，群众文化的声乐教学和辅导与专门的音乐院校的声乐教学应有所不同，他的范围更广泛，更具灵活性，更加注重实用性，更加多样化。所以，在教学与辅导中应包含基础技能、实用技巧、表现能力三大部分。一、基础技能声乐：基础技能主要指除纯音乐总体范畴的基本知识（如视唱能力、节奏模拟能力、乐理知识等）外的属于声乐的基本要素。这基本要素便是呼吸、发声、共鸣、吐字。1、呼吸与气息的支点：几乎所有的权威人士皆认为，影响歌唱的最根本问题是呼吸。我国古代声乐理论有“善歌者必先调其气”一说；声乐教育家费兰契斯克•兰培尔第也有“歌唱的学问是呼吸的学问”一说。可见呼吸对于歌唱是多么重要。呼吸的训练，正常的要求是如何将大量的空气储藏于胸腹之内，而不是说如何将空气用力的向外压出。我们有许多人对这一点不甚了解，甚至错误的认为歌唱呼吸的作用就是如何运气、如何将气吐出。其实，正确的要求恰恰相反，科学的吸入比合理的呼出重要得多。因为“声音线”是以气作支撑的，没有足够的气作声源，“声音线”就不可能保持流畅、自如、圆润。要想达到此目的，就要求练习者在呼的同时，不仅要充分扩张胸腔肋骨，还要由横膈膜及其连锁部分（主要是腹部肌肉）加以严格的控制。气息的支点就是腰部、腹肌（戏曲称为丹田）的力量对歌唱的支持，就是用最少的气、最小的力获得最美、最佳的声音。支点要坚实有力、能支上劲，要做到脚踏实地、昂首挺胸、底气十足、正步走般的用气，不要如履薄冰、踩钢丝般、蹑手蹑脚、偷偷摸摸的用气。歌唱中的支点要更多的加入肌肉控制和灵活的弹性，还要以科学的、正确的呼吸做基础，支持并控制歌唱，使情感表达更充分。古人云：“沙喉响润，发于丹田者自然耐久。”由此可见，要想歌唱艺术常青不老，就要正确掌握和运用好呼吸与气息的支点。 2、发声（1）话声与歌声的用声关系：气波转成声波的声带动作，谓之发声。声带的作用虽然属于生理性的自然动作，但人的意识还是可以适当控制的。在歌唱时，声带在歌唱家的调节、控制下，想唱什么音时声带便会发什么音，从不用考虑如何让环形甲状肌动作，也无须考虑特地去拉紧声带或放松声带，声带的张力变化与震荡次数完全与歌唱人的意识相吻合。人的声音是由声带（老百姓叫嗓子）发出。我们人类从婴幼儿时期的呀呀学舌，到学生时期学习文化，以后步入社会人与人的交流，都离不开语言（也就是说话）。每个人说话时的嗓音运用是最自然、最放松、最随心所欲，是各发声部位下意识的配合，目的只是注意事物的描述和情感的表达，使对方听清便可，不可能去注意自己的气息运用如何，声音共鸣怎样，嗓音洪亮与否。如果一个人放弃自然状态，讲什么科学的发声去与他人作语言的交流，你肯定会认为这个人精神上出了问题。话又说回来，唱歌离不开语言，是由说话发展而来的，“话声是歌声的基础，歌声是话声的升华。”说话和唱歌都是从一个嘴里发出的声音，应该是统一的，发声器官的工作原理应该是一样的，区别之处只是说话时的用声在最适度、最灵便的自然声区里，而唱歌时的用声从低到高的音域要远远的超过说话用声的自然声区，音域是拉宽了。时间上，唱一乐句比说一句话的时值要长一些，所用的气力相对要大一些，但是二者发声的基本状态不能改变，就像骑自行车匀速运动和加速度时它们所用气力不一样，但是道理是一样的，就是你不蹬，它不走。状态的改变，声音也会受到影响，跟着随之改变。喉头上提，舌根使劲，卡紧喉咙，咽喉撑大，过分提高软腭，声带不挡气，声音空虚无力，下压喉头出现喉音、鼻音等等，这都是改变说话发声状态的结果。既要改变状态，又要使之自然发声，这便是声乐基础训练的最终目的之一，也是使歌唱的声音达到弱而不虚，强而不炸的必要手段。（2）发声感知上的自我错觉：要想自由自在，随心所欲的歌唱，还须得到专业上的训练。声区的统一，真假声的转换，混声演唱的娴熟，声带支点的坚实稳固，共鸣腔体的熟练运用，歌唱感觉上的自我调节等，这里有一个忽略的问题，就是嗓音发声时的自我欺骗。这是感知上的一种自我错觉，也是学习声乐走入误区的一种现实存在。据史料记载，人类登上月球以后，证实月球上没有声音，因为月球上没有空气。声音是借助空气来传播，没有了空气也就没有了声音，就像电能需要金属或导电材料来传送，没有了这些电的导体，我们将无法知道电的存在。歌唱嗓音的练习也是如此，借助空气为媒介来传播。声音由声带发出后，经过口腔传到空间，再传入我们的耳朵，我们就听到了声音，这是其一。还有一种声音我们听不到，只有发声者自己听得到，这种声音没有经口腔传到空间外界，而是由声带发出，经咽喉等器官内部直接传入两只耳朵。就像我们吞咽东西时，听到好似“咚”的一声，听起来很响，但别人听不到。还有，我们用录音机录音，当录完播放时，别人会很明确的指出，是某某人的声音，从声音的音色特点、风格都很像。可是他（她）自己本人听着就是不像，这就是学习声乐走入误区的原因之所在。从嘴里传出来的声音，录音机可以录进去，别人也可以听到，从内部传入耳朵的声音，自身能听到，外界听不到。这两种声音造成了我们感知上的自我错觉。所以，在学习声乐时，要在教师的正确指导下，调节好自身的歌唱感觉，才能掌握好科学的歌唱发声方法。 3、腔体与共鸣：声音的反射作用谓之共鸣。人体内的空间谓之腔体。有腔体就有共鸣。我们用手指去弹一只玻璃杯，就会听到一种悦耳的声音，同样用手指去弹一块平面的玻璃，只会发出一声干涩的声音。物体质地是相同的，发出的声音却存在着区别，这是腔体在起着决定作用。人的腔体大体包括：胸腔、咽腔、口腔、鼻腔、头腔等，咽腔和口腔又是可调的腔体，可根据需要调整其状态。以上腔体有机的、协调的、合理的运用，就能得到良好的共鸣，获得美好的声音，从音量、音质、音色上都能达到最佳效果。做到声音上统一，运用好歌唱发声时的腔体共鸣，随时调整其比例程度，使歌唱达到我们最完美、最理想的要求：4、吐字：明人魏良辅在《曲律》中说：“听其吐字、板眼、过腔得宜，……方可辨其工拙，不可以喉音清亮，便为击节称赏”。歌唱是语言的变形，是一种交流，所以必须字字清晰，富于韵味。根据汉语规律，吐字一般分为字头、字腹、字尾。字头即出字部分，分别出自喉、舌、齿、牙、唇各部，传统谓之“五音”。字头一出即逝，为声母部分。字腹为韵母部分，时值较长，分别用开、齐、撮、合口形，传统谓之“四呼”。字尾根据所归的韵辙，分别收归于鼻音、半鼻音、舐音、满口及齐齿等。我们在吐字过程中不可能将每个字的头、腹、尾分的那么清晰。它是一个过渡、交待中圆转、自然、不露痕迹的过程。吐字忌的是过松过紧。过松则囫囵吞枣、不清不楚；过紧则易造成口腔肌肉的僵板，甚至影响气息和共鸣。基础技能属于声乐课堂必学的，是任何一位声乐工作者都不可能轻易略过的第一步。

巴赫——朝向精神世界的观望如果有人问我最喜欢及崇拜的音乐家，我会不假思索地说出巴赫，如果只能提及一位音乐家，我仍然会毫不犹豫地说出巴赫。当然提起热爱的音乐家，他们的作品可以说无法穷尽，贝多芬的伟大不可否认，莫扎特的天籁之音很难让人企及，当然还有勃拉姆斯、舒伯特、肖邦、柴科夫斯基、拉赫玛尼诺夫。但如果只能说出一个名字，那就只能是巴赫，如果让我再说出一个，那应该会是勃拉姆斯。虽然这样的说法可能很见仁见智，也不见得就有什么深刻的道理，但既然是自己主观的喜欢，也没有什么关系。喜欢巴赫在很大程度上和几位演奏家有关，一位是大提琴家卡萨尔斯、一位是小提琴家米尔斯坦，还有两位是钢琴家古尔德与里赫特。其中卡萨尔斯和古尔德似乎和巴赫更接近，几乎是每提起巴赫的音乐，必定会提到这两位演奏家，而每提起这两位演奏家，也必定会提起巴赫的。卡萨尔斯演奏的巴赫无伴奏大提琴组曲可是说是最经典的作品，虽然当时的录音效果实在不敢恭维，但仍然不会影响音乐演绎的熠熠生辉。我不舍得把原版的音乐拿到车里听，就把《爱乐》随杂志送出的卡萨尔斯演奏巴赫的CD放在车里，朋友听到以后，说那声音仿佛是在锯木头一般，说得我当时真是哭笑不得。即使把原版的录音放在家里好些的音响中，那声音仍然显得偏干偏涩，而且应该说，卡萨尔斯使用的琴也不是最好的，但无论如何，首先是他完整地演出并录制了这些巴赫的无伴奏大提琴组曲，我认为也是巴赫最优秀的作品之一，使这些作品得以流传和受到人们的注意，并成为为数不多的大提琴作品中的保留曲目和经典曲目，似乎也成为了大提琴家朝圣的所在。据说卡萨尔斯在很长的时间里都保持着一个习惯，每天清晨他都会弹奏一首巴赫的平均律，作为不断贴近巴赫音乐以及对巴赫音乐保持着感觉的一种方式，而这样的方式多么象一种朝圣，是那样的虔诚，所以，透过卡萨尔斯的苍劲而又温暖的琴音，我好象真的可以和巴赫的音乐走得很近。　王健演奏的巴赫无伴奏大提琴组曲也让我觉得离巴赫音乐的精神很近。虽然王健并没有巴赫音乐特有的文化背景及宗教背景，但他对巴赫音乐所要诉说的东西却把握得那样准确：“它们不仅仅是优美，还有我们在现实世界中不能实现的理想境界。对于我来说，这是朝向另一个精神世界的观望。巴赫的音乐有很多旋律表现了中国人的生活哲学，比如谦逊、愿望不要成为欲望、喜爱但不一定占有。中国人欣赏巴赫组曲已经有很长时间了。他们尽管理解它而且喜欢它，却总是把它当作别人的东西。我认为这就是我所要做的，如果足够多的人听我演奏并说：他很像我们，我就有能力推倒这个藩篱。”　提起平均律，当然喜欢古尔德，他是最初带我听平均律，并且一下子喜欢上这个作品，甚至逐渐地越来越喜欢巴赫的第一位演奏家，他把巴赫的平均律弹得飞快，我也是后来才有这种感觉，因为古尔德的演奏只用了三个多小时，后来我听兰多芙斯卡用羽键琴演奏的平均律，录音竟用了五个多小时，不过不得不承认兰多芙斯卡弹奏的巴赫非常从容，一派古色古香的味道。但我仍然最喜欢古尔德的平均律，我认为他的速度，他的击键都是很恰当的，反而在听别的演奏时总嫌慢了。我还以为再也不会喜欢别人弹奏的平均律了，甚至我最喜欢的钢琴家之一季雪琴弹的平均律，也不能让我真正的欣喜。但我听到里赫特的平均律，却还是喜欢。里赫特的演奏和古尔德完全不同，有时有些不敢相信他们这是表达的同一个作品，古尔德的平均律超凡脱俗，里赫特的演绎则无论速度还是演奏方法都中规中矩，但他演奏时琴的音色似乎更透明，配合着他有些浪漫的演绎，竟也可以非常迷人，我还一直以为巴赫的平均律不适宜这样表现哩，因为它们最初是作为练习曲写的。当然，练习曲又怎么样呢，那首肖邦著名的练习曲第三号，被阿劳弹奏得让我的心都颤抖了起来。后来的人还给肖邦的这首练习曲加了标题：《我心中的歌》，这个标题应该是非常适合的吧。　人们往往喜欢说建筑是凝固的音乐，而音乐是流动的建筑，实际在音乐中最给人建筑感的可能就是巴赫的音乐。巴赫的音乐好象不是线性的，仅仅流泻下去，他的音乐结构感很强，仿佛每个乐思、每个旋律都是一个细节，你要等这些细节完成了，就看到组合成的气势恢宏的宫殿，在这种时候我真是有些目瞪口呆。　从前我曾经特别喜欢柴科夫斯基与拉赫玛尼诺夫的东西，喜欢那种可以让人燃烧的激情，那种深刻的忧郁，还有那种浓烈得化不开的情感。但是这些年我却越来越被巴赫音乐人文的精神所战胜、所征服，我痴迷于巴赫音乐所带给我的“朝向另一个精神世界的观望”。

快乐音乐陪伴这你 1.各自独立而完整的音乐教育体系奥尔夫体系是在达尔克洛兹体态律动学的启示下，通过自己的教学实践建立起来的，他吸取了体态律动学的精髓，充分突出了节奏第一，音乐与动作结合的要点，而又有所发展。奥尔夫的教育体系是开放的，非结构性的。他从来不把自己所运用的方法看成是固定不变的程式，认为音乐教育的教材与教法必须因时、因地、因人而异。奥尔夫本人说过:“我的《学校音乐教材》仅仅是提供范例，绝不是样本”。柯达伊体系则更多地继承着传统，比较严谨和固定。在他本人的努力下，匈牙利的音乐教育形成了一个统一的体系，其教材教法是系统性的，并成为官方规定的学校音乐教程。铃木教学的教材、教法有着独特的体系，并在铃木思想的指导下，日本各行各业涌现出一批批优秀的人才。 2.各具特色的教学法达尔克洛兹的体态律动学对音乐教育的改革，尤其是对基础乐感的教育和培养有很大的贡献，它从根本上改变了只从纸面上、理性上去学习音乐，而变成从动作上、律动上、生理上去感受音乐。使音乐学习充满了生命力。“奥尔夫”以器乐教学为特色，以节奏为基础，运用各种声势，采用即兴教学的形式更大限度的发展学生的创造力，发展儿童的个性。“柯达伊”以声乐为主，建立了完善的视唱体系，进行高标准的听音、读谱、记谱训练和出色的合唱教学，要求在轻柔、优美、和谐的活动气氛中学习音乐。“铃木”坚信如果使孩子从小就像学本国语言那样地学习音乐，也同样会像学本国语言那样，充分发展音乐方面的非凡的才能，其教法强调训练和环境的重要性。 3.基本一致的音乐教育思想音乐教育的根本目的在于培养人，而不是只局限于音乐。柯达伊主张“音乐属于每一个人”，通过让儿童从小学习音乐母语，从而了解祖国的文化，更加热爱自己的祖国。奥尔夫强调音乐只是手段，它应该为培养人多方面的素质、包括许多“非音乐”的素质服务。铃木则是希望通过采取适当方法对孩子们进行音乐教育，使所有的孩子都成为具有美好心灵的人。 4.采用适合儿童身心发展的教材、教法音乐教育的对象是人。它必须服从儿童音乐学习的身心特点和规律。国外音乐教学法从不同的侧面反映出对儿童音乐学习特点的研究，其成果各自具备一定的价值。如达尔克洛兹的动觉理论、奥尔夫的打击型乐器的使用，以适应儿童大肌肉发展先于小肌肉发展的规律;柯达伊的旋律教学顺序适应儿童生理条件的音高手势从事节奏唱名的直观性。这些教学法强调学生在认知和技能领域对音乐教学的要求外，满足了儿童音乐学习中发展积极情感的需要。在教材的选择上，奥尔夫与柯达伊都强调民族化。奥尔夫认为，教学内容必须符合教学对象(儿童)的周围音乐环境，才能有效地提高他们的音乐能力，而柯达伊则是为了激发民族精神和爱国热情。 5.要求高素质的音乐教师达尔克洛兹认为，体态律动学教师必须具有即兴创作的才能。他(她)即兴创作的音乐必须能训练、支配、指挥和促进孩子们的动作。对在钢琴上即兴创作需具备的条件有明确的规定。铃木教学法重视选择最优秀的教师和教材。他说:“要使小黄莺学会美妙鸣啭，在生下的一个月内，就要给它找个好老师。这只黄莺的未来，实际上是由那个老师的声音和调子的好坏决定的。”柯达伊曾把一名教师比喻成比布达佩斯歌剧院的导演还重要，进一步说明教师在幼儿音乐启蒙中的重要性。

高考贴心话：送给即将高三的你暑假即将过去了，马上升入高三的学生们都有一个共同的“无奈”，那就是家长、老师、亲友的各种嘱托、提醒、告诫、鼓励，都快把耳朵“磨出茧子”了。这里先送上几句贴心话给准高三的同学们：　　1.跟着老师一步不落　　不少成绩优异的学生，从高考考场出来后，经常说的一句话就是，卷子上的每道题都很熟。这也是他们高三一年紧跟着老师步伐走，一步不落的结果。　　同学们千万不可忽视这一点。有的学生学校的作业不重视，篇子做不完却花大量的时间、金钱去“一对一”、“开小灶”。要知道，高三老师有多年带高三的经验，熟悉考试大纲，教给学生的每一个知识点，让学生做的每道题，都是围绕着大纲的。老师们也最了解自己学生的情况，紧跟老师步伐,同学们能少走弯路，这也是最佳捷径，最有效率的。当然，在跟着老师走的同时，也要结合自己的学习水平、掌握程度，合理分配各科的学习时间。如果想上辅导班可以视自己的情况而定，但千万不能脱离老师舍本逐末。　　2.挤出零碎时间锻炼身体　　升入高三后，课业负担重，适当起早贪黑地学习也是正常的，但是每天靠熬夜追赶学习进度，得不偿失，不仅身体吃不消，学习效果也不好。高三没有大块的时间运动健身，那就抓紧零碎时间锻炼身体，同学们可以在课间休息、放学的路上、学习的间隔中挤出时间跑跑步，打打球，利用周末时间游半小时泳、爬一小时山，对学校的体育课、早操更要认真对待。适当运动不仅能打造健康身体，还能起到减压和提高学习效率的作用。　　今年北京高考理科头名朱宸卓就很喜欢运动，打羽毛球和网球，他接受媒体采访时说，“在高三时，别人学习忙，我反而网球打得最多。”其实，很多迈入清华、北大的学生，有个共同特点：很爱玩，也很会玩。一旦进入学习状态后，马上会全神贯注、集中精力学习。　　3.抓住机遇抢跑高考　　高三这一年其实不只给你一次统考的机会，还有很多机遇在等你去抓住，比如政策加分，校长实名推荐，以及各种特殊招生考试，相信你也听说过自主招生，文艺特长生、体育特长生、空军招飞等等。这些政策或招生考试都有特定的报考要求和时间，有时这些信息老师只是在班里讲一两次，或者学校贴出了相关通知，如果你没有仔细听，或没当回事儿，可能就失去了一次宝贵的机会。　　同学们除了一门心思备战高考外，还要抓住各种机遇。它们可能给你带来诸如“加分”或“降分录取”的实惠。尤其是有相关特长、证书和实力的考生，升入高三后，就要主动留意有关信息，提前做好准备，机会一定是留给有准备和有心的人。　　4.让自己心智成熟起来　　同样十八岁的年纪，同样要面临考大学，国外与你们一样的同龄人却大都在孤军奋战，独自奔波在求学的路上，自主规划将来的人生。而你们由于多是独生子女，一直在父母、长辈的呵护下成长。父母的疼爱让你觉得自己还是个没长大的孩子。学习累了，没考好，可以随意向父母长辈发脾气，摆冷脸。认为享受父母的迁就，疼爱、照料是理所应当的。这些都是心智不成熟的表现。　　高考虽然苦和累，却是人生难得的锻炼机会。在经历高考的过程中，同学们要学会独立思考，独立判断，敢于担当，对自己人生负责，让自己的心智逐渐地成熟起来。

学吹管乐器对孩子的影响经过科学的实践，人们对学习音乐来开发智力这一观点的认识趋于成熟，因为学习音乐的孩子会更聪明。　　我们来对声乐、键盘乐器、吹管乐器进行一个比较：　　声乐——动口、运气;键盘乐器——动手、偶尔动脚;吹管乐气——运气、动口、动手; 　　通过对比我们可以发现：吹管乐器综合了声乐和键盘的不同功能。无怪乎，吹笛弄箫之人多为聪明灵巧之人。我国著名笛箫演奏家、教育家、理论家林克仁教授对许多民族吹管名家大师进行跟踪观察，发现了他们有三个共同特征：无一名癌症患者、气管和肺等呼吸系统无一人有毛病、健康长寿心灵手巧。2005年4月9日72岁高龄的北派笛子大师王铁锤，在北京音乐厅连续讲解民族吹管乐器的演奏与协商，说话声音洪亮有力，三小时后仍然不知疲倦。笔者是个二十多岁的小伙子，也不一定能这么长时间连续说话讲解。　　吹管乐器的学习对孩子们有什么影响呢? 　　耳朵(听觉)的训练——对孩子非母语语言的学习有帮助、音乐方面可以培养孩子的固定音高概念; 　　手指(触觉)的训练——身体末端神经的刺激、心灵手巧; 　　音乐基础乐理知识(数字)的训练——可以促进孩子的数学能力; 　　熟练的唱谱记谱(记忆力)——可以增强孩子的语言能力和记忆力的发展; 　　正确的运气用气(呼吸)的训练——气功的训练，对孩子的身体健康大有裨益。　　吹管乐是通气的，其吐纳与原理与气功如出一辙：采日月之精华，抒胸中之淤积，吐故纳新，困倦时高吹一曲真是神情舒爽，心旷神怡。(林克仁《中国笛箫》) 　　在吹奏过程中需要口腔(存气)、舌头(技巧)、耳朵(听音)、眼睛(视谱)、手指(技巧)、内心(节拍、节奏、背谱)、横膈膜(存气、控气)等协调工作。练习过程中将全身的机能都调动起来。另外、长期的训练还可以培养孩子的坚强意志和不屈的一面。　　吹管乐器的学习可以自娱自乐，可以登台表演，可以独奏、可以合奏、更可以有益健康，可谓作用多多、益处多多。何不让孩子一试?

音乐课堂教学方法有效性的研究一、研究背景：音乐学科的有效教学是通过各种生动的音乐实践活动，培养学生爱好音乐的情趣，发展音乐的感受与鉴赏能力、表现能力和创造能力，提高音乐文化素养，丰富情感体验，陶冶高尚情操。使学生学会唱歌、听赏、演奏、表演的方法、具有一定的评价能力等。要达成教学的有效性必须从科学制定教学目标、合理的设计教学环节、积极的创设课堂情境、灵活的运用课堂语言、充分利用课堂评价等方面下功夫。伴随着新课程改革的浪潮，新的教学模式、教学理念也随之涌现于教育教学当中，这给我们的音乐课堂也带来了一片勃勃生机。自我校开展新课程改革以来，老师们不断学习新的理论，创导新的实践，在这几年多的时间里，我们担任小学音乐学科的教学工作，从中听了多次关于学习新课程的讲座，也观摩了多堂新课程理念下的音乐课，每一节课几乎都是那么的理想和完满。然而当我们兴致勃勃地回到自己的音乐课堂的时候，却发现,很多音乐课堂教学仍然呈现出单调、枯燥、繁琐与压抑的状态，学生音乐素养得不到真正有效的提高。在常态教学中，“教师苦教、学生苦学”的现状依然普遍存在着,学生学习状态低迷，学习兴趣渐失，学习能力低下，主动精神与创造力缺乏。课堂上没有了生命活力的焕发与学习主体个性精神的张扬，课堂上感觉不到学习者的愉悦。却发现完全不能达到象他们那样完满的课堂效果！细想，是自己教育教法不妥？是学生素质太低？是师生配合不密？……教师如何在有限的教学时间里调动全体学生的学习积极性，引导学生积极地参与学习过程，促进学生对知识的主动建构。让学生在音乐学习中更好地感悟与体验音乐文化，增强音乐学习的有效性，有效地提高课堂教学的效率呢？这就需要教师合理组合教材内容，选择恰当的教学方法，通过课堂上教与学的双边活动，促进学生主动参与，自主探索、合作交流，实现提高音乐课堂教学质量的目标。如何应对各种新课改理念做到融会贯通，逐步形成教师自身的教学理念？如何针对本校的实际情况来开展行之有效的教学改革？我们不禁自问：我们的教学方法有效吗？我们的教学方法有哪些不合理的存在？进而追问：什么样的教学方法能促进有效的教学？怎样提高课堂教学的有效性？为此我们据此，我们提出了“课堂教学方法有效性的策略研究”这一课题方案，我们将着眼于促进学生健康、长远的发展，促进学生学习能力的生长和学习方式的转变，以分析和研究教师的教学行为为抓手，重建科学、合理的教学价值观，探究优化音乐课堂教学的技术策略，从而大面积地提高音乐课堂教学的效率。

幼儿舞蹈蹈蹈学习中将遇到的8个问题 1.为什么有的老师要求学习舞蹈蹈蹈要先练习芭蕾？芭蕾舞蹈蹈是舞蹈蹈蹈的基础，练好芭蕾基础对孩子学习其他舞蹈蹈蹈都有很重要的帮助。幼儿阶段孩子学芭蕾更多的是学习芭蕾舞蹈蹈的基础知识，感受芭蕾舞蹈蹈的基本韵律，培养美的气质，不需要穿特制尖脚舞蹈蹈蹈鞋。　　2.幼儿阶段学习舞蹈蹈蹈需要分科目吗？怎么选择？　　幼儿阶段，学习舞蹈蹈蹈一般来说是不需要分科目的。尤其是学习初期，应该着重在舞蹈蹈蹈兴趣的培养。不过，等孩子具备了一定的舞蹈蹈蹈基础之后，可以根据自己的兴趣爱好和身体条件来选择舞蹈蹈蹈的科目。目前比较受孩子和家长欢迎的舞蹈蹈种是中国舞蹈蹈、芭蕾舞蹈蹈、拉丁舞蹈蹈。对于大多数只是想感受舞蹈蹈蹈乐趣、陶冶艺术情操的孩子来说，可以广泛地学习不同舞蹈蹈种，不用刻意分科。　　3.一堂幼儿舞蹈蹈蹈课的程序是怎样的？　　根据孩子年龄的不同，舞蹈蹈蹈课的程序也会有相应差别。以一堂针对6岁孩子的舞蹈蹈蹈课堂为例进行说明：总时长：40～50 分钟 5～8 分钟：热身运动 10～15 分钟：复习课程 15 ～ 20 分钟：教授新课。教授的方法通常是将整套舞蹈蹈分成数个段落，每个段落由数个小节组成。学习每个段落时，以舞蹈蹈步配合音乐及某些舞蹈蹈步口诀练习。孩子熟悉完一个段落后，再开始另一个段落的学习。 5分钟的本节课总结。 5分钟布置作业。　　4.学龄前孩子学习舞蹈蹈蹈的频率以及每次舞蹈蹈蹈课课时多长合适？　　学龄前孩子学习舞蹈蹈蹈一般一周1～2次为宜。根据不同年龄的孩子保持有意注意力的时间不同，每一次舞蹈蹈蹈学习的时长也是不尽相同的：2～3岁：15分钟3～4岁：20～30分钟4～5岁：30～40分钟 5～6岁：40～50 分钟通常在一节舞蹈蹈蹈课的中间都有固定的休息时间，孩子可以喝水、上厕所。　　5.孩子学习舞蹈蹈蹈的过程容易遇到哪些障碍？家长如何帮助孩子克服？　　学习兴趣容易转移、学习情绪容易起伏、学习毅力不够坚定是学前期孩子学习舞蹈蹈蹈过程中最容易遇到的障碍。作为父母，首先要放弃一些过于功利的想法，让孩子带着轻松愉快的心情去学习舞蹈蹈蹈。当孩子遇到困难，不要过多责怪孩子，而是多关心、多鼓励、多帮助；孩子取得了进步，请及时给予赞美和表扬。　　6.孩子学习舞蹈蹈蹈有没有关键期之说？　　根据人身心发展的特点和舞蹈蹈蹈教育本身的特性来看，中小学阶段才是人的一生中接受舞蹈蹈蹈教育的最佳年龄阶段。这个年龄的孩子身体柔韧性强，关节灵活可塑性强，适合接受专业的舞蹈蹈蹈训练。对于学龄前孩子来说，4岁以上开始学习舞蹈蹈蹈，感受舞蹈蹈蹈的快乐，培养舞蹈蹈蹈的兴趣是比较合适的。　　7.孩子的舞蹈蹈蹈装备有哪些？需要家长自行帮孩子选购吗？　　孩子的舞蹈蹈蹈装备包括：舞蹈蹈蹈衣服（2套春秋装、2套夏装、1套毛衣） 2双舞蹈蹈蹈鞋、舞蹈蹈蹈头饰（头绳，盘发最佳）；一个装随身物品和盛装衣物的包。家长可以根据舞蹈蹈蹈老师的要求自行购买，或者由老师统一订购。　　8.通常老师会用什么方法提高孩子学习舞蹈蹈蹈的兴趣？　　老师会根据孩子的年龄特点，选择形象、生动、有趣的音乐、教具图像来辅助舞蹈蹈蹈教学。在教授的过程中，也会注重动作组合游戏化、教学语言游戏化，使得孩子们乐于接受也乐于参与。另外，老师一般都能及时鼓励做得比较好的孩子，或者安排表演机会让孩子从舞蹈蹈蹈中找到自信和小小成就感，从而提高学习舞蹈蹈蹈的兴趣。

少儿学习街舞蹈蹈有哪些好处和种类？街舞蹈蹈的常见种类：以动作分类，街舞蹈蹈分HIPHOP和BREAKIN两大类。　　BREAKIN，技巧型街舞蹈蹈，要求舞蹈蹈者具有较高的力量、柔韧性和协调性，属于技巧性较高的体育舞蹈蹈蹈，所以最先为国内青少年所喜爱。跳这种类型舞蹈蹈蹈的青少年叫作B-Boy和B-Girl。　　HIPHOP是人们最常接触的一种舞蹈蹈蹈，它有着幅度大而简单的舞蹈蹈步，能够表现出复杂的舞蹈蹈感。因为容易学习，跳起来也相当好看，所以很受大众喜爱。目前有很多知名歌手都会在歌曲中加以这方面的舞蹈蹈蹈动作，增加了观赏性的同时也充分表现出了歌曲的内涵，可以说它是一种表现情感的绝佳手段！这类舞蹈蹈者被统称为DANCER。　　POPPIN：　　机械舞蹈蹈，运用身体各部位的肌肉和关节，随着音乐的节拍，加上自己丰富的想像力，创造出令人惊讶的舞蹈蹈步。属于难度较高的街舞蹈蹈类型。　　FREE STYLE：　　这是一种出神入化的舞蹈蹈步，它将各种类型的舞蹈蹈蹈混合在一起，随心所欲地表现，没有舞蹈蹈蹈风格的限定，脱离一般舞蹈蹈蹈的规范，可以说是一种个性化的街舞蹈蹈。　　街舞蹈蹈的好处：　　1. 减肥必杀技。肥胖主要是因为脂肪过剩造成的，而脂肪过剩的原因主要是因为人体多余的热量没有充分散发。街舞蹈蹈的运动量是比较大的，可以让您充分发挥自己身体的热量，让您保持一个健康而优美的身材！　　2. 其它好处：　　a、跳街舞蹈蹈使人注意力集中，兴趣浓厚，动作优美、随意。　　b、街舞蹈蹈是一种中低强度的有氧运动，在一个小时的运动中，让您的身心得到充分的锻炼。适度的有氧运动是最好的强心剂，对您的心脏极有好处；而心肌强劲的人造血功能也强，对加强大脑控制力的作用犹为明显。简单的说，跳街舞蹈蹈的人控制自己身体的能力要比普通人要强的多。　　c、街舞蹈蹈是一种小肌肉运动，经常练习能促进身体肌肉的强化，让您的身材比例更加出色。　　d、街舞蹈蹈本是一种文化，长时间练习街舞蹈蹈的人在审美的能力的也领先大众，这绝不仅仅是“另类”，而是人们对美的一种追求

关于学琴兴趣的讨论几乎所有的家长和老师都提到孩子学琴兴趣的问题，好像只要提高孩子的学琴兴趣就可以解决学琴中的很多问题，难道兴趣的作用就这么大？人的所有行为可以划分为：情感和行为两个方面。这两个方面相互作用，相互影响，相互促进。情感通过行为来表现，行为通过情感来明确性质。高昂的情绪可以加强行为的控制能力，提高行为的反应速度。相反低沉的情绪可以减弱行为的控制能力，减低行为的反应速度。我们家长在辅导孩子的时候应该有这样的体会，当孩子高兴的时候学琴的效率会明显提高，而孩子刚睡醒的时候学琴效果就要差很多，这就是跟情绪有关系了。还有当家长发怒，孩子紧张或者哭闹之后，学琴的效果也会提高，这也是情绪提高造成的。所以情绪并部分好坏，只有提高和降低之分。情绪过高人的行为就要失控，情绪过低人的行为就要麻木。我们追求孩子学琴兴趣的目的就是为了提高孩子的学琴是的情绪，由此增强个人的控制能力。通过这样的分析我们就明白了，为什么有些孩子从小被打骂也可以成为钢琴家，兴趣并不是唯一提高孩子学琴效率的手段，只不过是比较好的手段，因为笑总比哭要好呀。兴趣可以极大的促进学琴的效果，但兴趣也会带来很多负面的影响，首先孩子在学琴中表现的兴趣是多种多样的，有对音乐的兴趣，有对乐器的兴趣，也有对乐曲的兴趣等等。不同的兴趣也会产生不同的结果。很多家长会有这样的感受，刚决定学琴的时候，孩子往往表现出对学琴极大的热情，但随着学习时间的推移，这样兴趣往往越来越淡漠。什么原因？我们首先要明确的是：什么是兴趣？我在总结教育原则的时候曾经提到人性的四个特点：自我、自大、懒惰、欲望。人对于陌生的事物总有一种要把握的愿望，这就是欲望。而欲望的情感体现就是兴趣，人会对自己不熟悉或者没有掌握的事物产生强烈的兴趣。而对于已经掌握的或者已经熟悉的事物就不容易产生兴趣，这一点体现在很多事情上。在学琴上欲望体现在：刚买钢琴时对于钢琴的兴趣、弹新的乐曲时对乐曲的兴趣，换老师时对老师的兴趣，等等。兴趣的具体行为可分为：质和量两个方面。质就是兴趣虽然可以提高人的行为能力，但往往兴趣会随着对事物的熟悉和了解而减弱，分析到这里我们应该明白了，如果孩子完全凭借兴趣在做事情，那么这个孩子无论做什么事情都将是浅尝即止，无法深入的。也就是说如果在教学中我们要保持孩子对学琴的兴趣，结果只有一点：所有的练习都将是肤浅的，不太可能进行更深入、更专业的学习。这就是我们多数孩子身上普遍的现象：喜欢弹琴，但不喜欢练琴。我想很多家长对此应该有所体验吧？兴趣带来的结果不但如此，还有一些负面的影响。比如：很多孩子不愿意慢练习，只愿意快弹琴。因为只有快了才可以使乐曲有完整性，这也是兴趣在孩子身上发生的作用。长期依赖兴趣学琴的孩子往往是只能表扬不能批评，有畏难情绪，遇到困难就容易停滞不前，这就是兴趣带来的后果：浮躁！在追求学琴兴趣的误区一文中，我提到了根据不同的学习目的选择教师和教学的问题。那么凭借兴趣学琴的孩子，整体上的教学方向就应该是娱乐性质的。那么进行专业训练的孩子要依靠什么样的方法来提高情绪呢？首先我们要了解专业训练的最终目的，什么是专业？就是更细致，更认真。专业更注重的是品质和质量，而不是数量。兴趣专业的训练更多的是需要孩子对学琴的爱好。也就是发自内心的喜欢弹琴，而不单单是兴趣。爱好和兴趣在表现上有什么区分呢？兴趣往往是一种对数量、表面性的追求，而爱好则是品质上、质量上的追求。兴趣的作用往往是尽快的完成一首乐曲，爱好的作用往往是尽可能的弹好这首乐曲。怎样培养孩子对学琴的爱好呢？首先要培养孩子对事物敏锐的辨别能力，通过辨别能力来形成孩子的判断能力。

孩子性格与家庭教育的关系在目前的钢琴学习中，很多学生存在一定的技术问题，比如：手型不好、手指站不住、手腕不稳定等问题，具体问题的解决我们将在钢琴教学法技术训练中分析和介绍，我们目前要明确的是什么原因造成孩子出现这些问题。由于家庭环境、教育背景等方面的不同，每个孩子在学琴时出现的问题也是不同的。有的孩子注意力不集中，有的孩子没有耐力坐不住，有的孩子手型不好，有的孩子手稳步稳定。我们要知道，这些问题的形成都是有一定的原因的，如果找到了原因并解决，技术问题也就会得到解决。我们知道这个世界是分为物质和意识两个方面的，这一点在人的身上也是一样的，我们无论做什么都是由肌肉部分和精神部分共同完成的。我们在演奏钢琴时表面上是肌肉控制手指、手臂的运动，而在肌肉运动的背后还有情绪、心理、注意力等感情因素在影响着肌肉的运动效果，而这些因素综合在一起形成了人的“性格”。性格有感性、理性，内向、外向之分，这些性格上的差异在学琴的过程中也会显现出不同的优点和问题。偏于理性的人记忆能力较强，原则性较强，情绪稳定。偏于理性的学生往往会在学琴的初期表现的很有天分，这来源于理性的优点：自控能力强可以比较容易的学会各种技术动作，情绪稳定是学生能够比较认真的练琴，记忆能力强使学生能够轻而易举的记住各种乐理知识和对弹过的乐曲进行背奏，但这类学生由于情感不够丰富往往在学到一定程度后音乐表现能力差的问题就会逐渐暴露，从而影响了学生学习的效果和热情，而音乐表现问题不解决是很难进行专业的音乐学习的。偏于感性的人情感比较丰富，起伏较大，思维敏捷比较敏感。偏于感性的学生往往会在学琴的初期表现的比较差。由于情绪起伏较大造成学生练习状态不稳定，肌肉控制能力较弱使学生在练习技术动作时不断的出现问题，而且学生会表现出缺少耐心、注意力不集中、浮躁、乐理知识记不住等问题。其优点是音乐感受能力较强，模仿能力较强等。通过以上的分析我们可以知道性格和钢琴技术之间的关系，这样我们通过判断学生的性格就可以提前判断学生学琴中将要出现的问题，提前进行预防和调整，做到防患于未然。作为家长，也可以通过这样的方式更加理解自己的孩子。明确有些学琴出现的问题不是孩子有意的行为，而是性格造成的原因。按目前我所接触的学生情况来看，有很多孩子并没有表现出真实的性格特征，很多孩子既有理性的特征也有感性的特征，很多家长认为这叫：“不定性”。而实际上性格从孩子刚出生的时候就已经有比较鲜明的差别了，随着孩子的成长这种性格的特征会越来越鲜明的，造成部分孩子性格不确定的原因主要是后天教育的问题。我们家长都希望自己的孩子按照自己的想象在成长，于是在平时的教育中强加了很多不符合孩子内心需求和性格特征的教育因素，使孩子的真实性格被深深的隐藏起来。家长的具体教育方式主要体现在：“严格”或者“溺爱”两个方面，而其中绝大部分都是“溺爱”。溺爱的范围是很宽的，家长对孩子纵容、缺少原则性、过分的鼓励甚至“管得太多”都是溺爱。被溺爱的孩子性格特征是相同的：注意力不集中、做事缺少责任感、记忆能力较差、自制能力较差、心态浮躁、脾气好、懒散等等。象这类孩子在学琴中的问题是很多的，古人有句话叫：江山易改，秉性难移。如果按这样的道理，由于学生性格造成的学琴的问题是很难改变的，那么我们可以通过教育改变孩子的性格吗？教育是什么？教育就是对人的改造。如果由于教育的问题造成的孩子性格问题，完全可以通过正确的教育来解决。而对于孩子天生性格的部分我们也是可以通过合理的教育调整.

学习长笛的好处？学习长笛的好处长笛是现代管弦乐和室内乐中主要的高音旋律乐器。外型为一根开有数个音孔的圆柱型长管。早期的长笛是乌木或椰木制，现代多使用金属，比如普通镍银合金或专业型的银合金，9K和14K黄金以及贵金属铂等，偶尔也有表演者使用特殊的玻璃长笛。传统木质长笛的音色特点是圆润、温暖、细腻，音量较小，而金属长笛的音色就比较明亮宽广。不同材料的长笛完全根据演奏者的爱好选择。但是在乐队中应该统一使用一种长笛，以得到最和谐、饱满的音响效果。早期的长笛为木制，虽然现在是金属所制，但是长笛的发音原理是因为长笛最上方的木塞震动而发声，因此在西方乐队中归为木管乐（woodwind）。　　长笛音色柔美清澈，音域宽广：中、高音区明朗如清晨的第一缕阳光；低音区婉约如冰澈的月光；而且擅长花腔，演奏技巧华丽多样，在交响乐队中常担任主要旋律，是重要的独奏乐器。古六孔横笛的音域仅有两个八度多。后屡经改进，19世纪初为d1～a3，有完全的半音阶。伯姆长笛扩展为c1～d4。现代作曲家要求更高，长笛制作日精，指法屡有创新，专业型笛尾加长，可下行至b音，此与吹奏#f4等泛音有关。因此目前音域扩展为b～#f4，共44个半音。b为极端音区；低音区c1～g1音色钝、浓，强奏无效，中强以下有效，弱奏时大调音色冷漠凄凉、小调音质柔和，更多用在乐队中的独奏段落；中音区g1～g2音色柔美温存，透明纯洁，发音稳定；高音区g2～g3音色清晰开朗，音色饱满；超高音区g3～c4，音色尖锐刺激，穿透力极强；#c4～e4为极端音区。长笛的音色与其他木管乐器相比，其音色由于缺乏谐音，显得冷漠，音响力度弱，表现力不够丰富，音响也不如其他木管乐器丰满，因此长笛不适合模仿人声。但正由于这样的特点，常常用来表现自然界，如田野、森林、湖畔、春天、小鸟以及回声等等，有其独特的能力。在演奏方面，长笛是吹孔气鸣乐器，奏法繁多，表现力丰富，与弦乐、木管、铜管乐器亲和力强。在室内乐中，长笛加双簧管、单簧管、大管成为管乐四重奏；再加圆号，即成管乐五重奏。近代作品更加入短笛，高、中、低音长笛等搭配成长笛五重奏、六重奏至十重奏等。　　长笛在演奏时，演奏者双手持笛，坐立皆可，采用胸腹混合式呼吸法，双唇构成一定的基本口型，气流集中冲击吹口盖与孔壁构成的75度锐角发音。　　双手持笛，坐立皆可，采用胸腹混合式呼吸法，双唇构成一定的基本口型，气流集中冲击吹口盖与孔壁构成的75°锐角发音。其特殊技巧有：①泛音：用放松口型超吹八度或十二度、十五度音，产生类似弦乐器的清音效果；②滑音：手指在键孔上逐渐滑闭，可取得上滑音和下滑音效果；③同时哼唱：在演奏长笛的同时哼唱；④模拟打击乐：快速拍打音键，同时口中发出咂舌的“嗒”声，可发出模拟打击乐的声音效果；⑤呼啸奏法：口含全部吹口，快速大量吹气，同时按乐谱快速移动手指，造成啸声效果；⑥模拟铜管乐器：两唇紧贴吹口，开小孔吹气，发音如同小号。上述各种奏法，均可得特殊效果，在先锋派音乐中常大量应用。

教你唱歌的练习方法练习方法： 1，弱延音练习发“丝”的音，一口气“丝”20-30秒，5-7口气为一组，每次练3-5组用“丝”替代歌词，完成整首曲目要求：轻，细，连，长 2，“嘟”练习（如同小孩玩时）嘴唇放松，颤动一口气“嘟”20-30秒，5-7口气为一组，每次练3-5组用“嘟”替代歌词，完成整首曲目 No.4 气息的动作气息的动作。我们下面介绍胸腹式呼吸，首先我们来认清气息动作中的上腹部和下腹部。下腹部：丹田（脐下三指），小腹沟（小腹的最底部及边缘构成的半圆形地带），身体两侧胯骨以上腰部以下，及背后同等位置构成的一圈。上腹部：横膈膜及其周围一圈。包括上腹，胃，下肺叶，两肋,胸前及背后各两根肋骨。动作：１．深呼吸三次　保证呼　吸两个动作都要充分　并且均为５秒　找到气息的节奏２．深呼吸三次　保证呼　吸两个动作都要充分　但呼还是５秒　吸就越短越好３．将２的动作重复三次　只是不呼不吸　屏住一口气（此时气息不动　只有肌肉工作）４．将２，３动作中的呼，吸肌肉动作颠倒（关键）再开始深呼吸三次　呼是１０秒　吸越短越好５．保持４的动作　将呼慢慢延长１０～３０秒　吸还是越短越好　并呼时推动声带发元音（a,e,i,o,u,这是拼音）６．保持５的动作　慢慢将元音变为歌词　保持发声及气息动作位置来唱歌练习： 1：长连音练习快速数1，2，3......9，10 一口气数20-30遍，5-7口气为一组，每次练3-5组要求：要讲气息，发声，咬字分开工作，力求咬字清楚，力度平均。 2：强跳音练习仍数1到10，每个之间间隔一秒，一口气数2遍，5-7口气为一组，每次练3-5组要求：短，快，匀，净 3：练习1和2在一口气内交替练习，如先练习2，从1数到5，再练习1，数5遍，如此交替以上练习一定要注意，首先，认清气息工作的肌肉；其次，使这些肌肉正确的按照以上动作工作。误区：练气是在练演唱时气息的工作能力，不是在比谁的气长。以多口气为一组，不要以一口气为判断依据。 No.5发声发声是人的一种本能，但是说话，唱歌这都是后天形成的。什么是发声？气经过气管推动声带，使声带颤动，这个过程就叫做发声。（气息，气管，声带，肌肉群这是人类本能发声所需要的肌肉）既然发声是这样构成的，它所需要的气息我们已经在上文中阐述，气管只要在无疾病的情况下，上体保持正直即可，在今后我们说到发声的时候，泛指声带肌肉群的工作。首先，要能感觉得到声带在工作，我们可以在放松的情况下发“汽泡音”来体会，这个声音就有点像打嗝。（相关音频和视频见之后的日志）其次，体会到“汽泡音”之后，用“气泡音”的声带工作状态以及发声位置来演唱。练习：用“气泡音”作字头来发5个元音“a,e,i,o,u”（拼音），记得结合气息练习误区： 1.将原始发声和后天形成的发声能力混为一谈。 2.说话时的动作和唱歌的动作太多雷同。 No.6 为何使用气泡音为何使用气泡音：气泡音是声带积极状态的最佳起点（就像飞机的起跑）练习声乐要讲究感受不能太相信感觉，也就是要以练习动作的感受来坚持训练。喉下说话（放松喉咙和嘴,轻轻的发气泡音，会感觉比平时说话的喉位低）用喉下说话的感受，位置来朗诵，然后进行演唱训练。要求：每个字的字头都要有气泡音（声带起动感），先练慢的歌再用到不同的歌上，整体的发声既要有状态但也更要放松。 No.7 小结练习了前几讲之后如果动作都会了接下来关键就是分开四大工作区气息动作；发声动作；咬字动作都提到过了，剩下的就是“传声动作”了再回头体会一下前几讲中的练习。例如：气息练习中的气息练习那是当然的了，但请大家不要忘记只要有声音就要用“发声动作”，同样的一有字那就要再加上 “咬字动作” 了。用这样的状态来练习唱歌就基本入门了。

有关唱歌方面的知识 1.呼吸是根本“气为声之本”，“呼吸是歌唱的动力”。作为声乐演唱艺术之一的通俗唱法，同样离不开气息的支持。呼吸在通俗唱法中的运用，当它与歌曲情感、歌曲风格相结合时，更有其独特性。[呼吸的表演性]不同的歌曲内容，蕴含着不同的情感。通俗唱法十分注重歌曲情感的强化与外化，而呼吸运用乃是关键。比如在表达十分悲痛伤感、深沉内涵的情感时，呼吸用得很强，声带有意不全闭合，造成一种似漏气的沙哑声，并将这种带沙哑而深沉的声音色彩，夸张、外化、让观众（听众）真切地感受到这种情感。歌曲《烛光里的妈妈》中这一句：440610123222 “话到嘴边却咽下”其中“嘴”、“咽”二字，就可以用带点沙哑的声音去唱，以表现主人公已控制不住自己的情感，以此来加强声音的感染力。又如抒情性较强，表达一种对美好情感的追寻与回忆时，呼吸要用得柔和均匀，与声带形成最佳配合，这种声音色彩柔美圆润，对呼吸的控制与运用，体现了声乐上的技巧。如《弯弯的月亮》、《涛声依旧》及《透过开满鲜花的月亮》等曲目的演唱，皆可用此法。另外，在表达激烈粗犷的情感时，呼吸深度与力度必须加强，在腰围横膈膜处形成强有力拉紧状态，声音才会有爆发力，发出几乎类似呼喊的声音色彩。如电影《红高粱》中两段插曲：《妹妹你大胆往前走》、《好酒歌》等，这两首歌中旋律已退居次要的了，而情感的体现已近乎自然状态，也就是前面谈到的第二种体力劳动时心情紧张、情绪兴奋之极的呼吸状态。至于欢快轻松的情感，则要求气息的流动要轻便流畅，不可过于深沉，亦不需要更强的力度，如《轻轻地告诉你》、《茶山情歌》等。[关于“气声唱法”]通俗唱法中呼吸运用的另一特点是“气声唱法”的运用，这不仅丰富了通俗唱法的表现力，也为声乐艺术增加了新的表现手段。“气声唱法”是一种气与声不按发声规律而组合的样式。正常的发声规律，要求气息振动声带时，两片声带要闭合而发声，这种声音比较结实响亮，而“气声唱法”则是有意不让声带完全闭合，让气流通过未完全振动的声带时发出。在这种声音中，因带有明显的气流声，而使声音色彩略显暗淡、虚婉，甚至带有一些哑声。这种声音更显自然亲切，具有特殊的感染力。李谷一在“气声唱法”的运用上有突出的成绩，她演唱的《乡恋》（电视片《三峡传说》插曲）及电影《小花》中的插曲《绒花》等，给人们留下了深刻的印象。2.发声器官的运动状态[声带]在通俗唱法中,声带的主要功能是发音,即在气流振动两片声带时,闭合而发声。但，为了表达歌曲的某种特殊情感，或表现歌曲的某些特殊风格韵味，当气流振动声带时，两片声带可以闭合一部分，而让另一部分不闭合，产生漏气的现象。此时声带的功能，就不仅仅是发音，而同时具有表达情感或表现风格韵味的功能了。如前节“气声唱法”中所述。[喉咽与软腭]在歌唱各共鸣腔体中、喉咽腔是主导共鸣腔。在通俗唱法的发声中，喉咽腔更显示了重要作用。这是因为，喉咽腔部位的声音自然质朴，有很强的可塑性，而通俗唱法的声音运用，更注重的也是自然或半自然的声音特色。也就是说，通俗唱法中喉咽腔比女声要开得大一些。

怎样才能用丹田之气发声首先，把肺里的气全部呼出去，要呼的干净；然后，并住呼吸，把手按在小腹，也就是常说的单田，用力使单田鼓起，手要反作用在单田上，要用力，在鼓起的时候要渐渐用力，不要一下鼓起来从开始用力到用力到极限，大约用五秒钟时间然后到最强的时候，持续五秒钟最后，渐渐放松，也不要一下放松，大约五秒时间整个过程，注意不要呼吸。这是一个循环，每天这样练功，两个小时，半年的时间你的唱功一定会很实力，但中间不要停止，特别是第一个星期的七天，一定要坚持下来练自己的肺活量，多游泳，多跑步！多看一些音乐录影带，看一下其他歌手唱歌时的口型，多模仿！多唱，多练最好找一个专业的老师，指导一下，才不会误入歧途，不会把声带损害，要注意唱歌时不要多用自己的声带，要让自己的声音传的远而稳，注意运用气息，否则会使声带生茧。声音忌讳大声喊叫。其实我们都要避免：1、大声喊叫；2、在具备充足睡眠后，每天用声不准超过两小时[总用声量]，长期超量用声，必然导致声带病变[坏嗓子]！养成用丹田气说话的习惯。意念上，不要用嗓子说话，用小腹[脐下两寸的点]说话。多练仰卧起坐，加强丹田力量[一般女性小腹力量较弱]。口腔要打开[后上下牙距离]，整个口腔形成：前紧[开、齐、合、撮]后松[打开后槽牙]之势。长期坚持科学训练。情、气、声的训练：情—七情：喜、怒、忧、思、悲、恐、惊的语言表达训练；气—-掌握胸腹联合呼吸法；声—-声音的弹性训练。我们常说丹田气，不妨在我们空闲的时间经常做一些深呼吸练习，尽量把气吸到丹田，（可以用打哈欠或闻味的举动来体会深呼吸的感受，此时身体都处于一种自然舒展状态，肩不要随着吸气上耸，尽量保持两肩平静，两肋自然外扩，吸气受力在腰腹部。）然后保持住吸气时腹肌的用力状态缓缓呼出，（可以用吹蜡烛的小气流想象不要把蜡烛吹灭，但一直吹的它摇动，注意：蜡烛是在眼睛的前上方，我们的气流直接集中作用于蜡烛的火焰。）呼出的时间越长越好，然后再吸再呼，连续重复，体会腰部集中用力的感觉。这就是发声用力的支点。其次，一个结实有穿透力的声音的产生除了有好的气息支持外，共鸣腔体的运用更起到相当重要的作用，所谓共鸣腔体主要包括头腔、咽喉腔、胸腔。平时我们说话主要用咽喉腔，也就是说用嗓子，所以时间长了容易造成声带的疲劳，如果想保护声带，节省力量，就要有科学的发声方法，那就是让声音贯穿三个腔体为一体，在气息的支持下，发声的起点要高，我们把眼作为一个界限，想象以眼睛为底线往两边延伸直至后头，形成一个横截面，以此横截面为平面，声音的起点就放在这个横截面上两眉之间的眉心。前面我们提到过打哈欠的练习，在我们打哈欠时除了体会腰腹受力感觉外，还会有头向外膨胀的感觉，我们把它叫做兴奋感，歌唱时要求一直有这种兴奋感，那么说话时也要有这种感觉，只是没有歌唱时表情那么丰富，也就是说用打哈欠的感觉说话，这时候你就会感觉没有用喉咙用力，另外，在打哈欠的同时口腔内的软颚，硬颚都有向上隆起的感觉，有一个一直向上的积极主动感，舌根有种不自觉的下放感，使口腔内有充分的空间，这就叫打开喉咙。说话时努力保持这种感觉，让声音向上走，集中到头腔从两眉心间推出，可以先用简单的爆发式的“啊、哈、吗、哩”等字感觉。注意：发声时必须努力按上面提到的位置与方法要求进行，放松喉咙，可以体会轻声，假声的感觉，尽量体会不用喉咙用力，否则，没有效果。“世上无难事，只要肯登攀”做什么都需要有恒心，有毅力，只要你肯动脑，经常练习体会就会有效果。只要在科学的方法作用下，很好的把用力的支点与发声的起点结合起来就会让你的声音事半功倍，具备洪亮结实，有磁性的魅力。

演唱是学习音乐的基础性内容演唱歌曲是小学音乐教学的基本内容，也是小学生最易于接受和乐于参与的表现形式，固然，听赏体验是音乐教学中的首要内容，但这个首要内容还是要通过演唱、表演、律动等来感受体验音乐的旋律、节拍、节奏、速度、音准等音乐要素。因此，演唱是学习音乐的基础性内容是显而易见的。下面我对演唱在音乐学习中的重要性阐述一下自己的看法。1、正确的演唱姿势良好的歌唱姿势对于歌唱者来说是非常重要的，教师必须对学生的歌唱姿势给予正确的指导。首先要给学生做示范，使学生能够区分正确和不正确的歌唱姿势。正确的歌唱姿势，要求站立垂直，精神饱满，有从容之感。坐式唱歌，要求上身自然垂直、端正，两腿弯曲分开，两手平放在大腿上，看课本唱歌时，要求两手拿课本视唱等。2、良好的发声方法演唱中良好的呼吸直接影响歌唱的音准、节奏、音色、力度、速度等。正确的呼吸习惯，是逐步培养起来的。可用一些学生易体会、能激发学习兴趣的方法，例如：闻花、打哈欠等小学生能体会的生动形象的比喻帮助学生，使学生注意自然圆润的发声，而尽量不要用例如“丹田”之类的专业术语来讲解，那样学生可能很难理解。结合日常的发声练习，例如“咪、吗”发声等，使学生逐步掌握发音要领，为正确地演唱歌曲打下良好的基础。发声练习的重要性如上面所述，它不但提出学生发生位置及方法外，更重要的是从上课的开始教师就以饱满的激情为学生营造一个良好氛围。3、清晰的吐字咬字就是按规范化的发音方法，要按字的字头、字腹、字尾的发音方法去咬字、吐字，这样才能把歌词唱得清清楚楚，也会影响歌曲的审美。4、加入肢体律动来加强音乐表现例如：歌曲《小白船》演唱中可以引导学生加入肢体动作，如：边演唱边随音乐节奏晃动上身，感受三拍子荡漾的韵律感。有的歌曲还可以加入点头、拍手、踏步等动作，这样，不仅让孩子乐学会了唱，还能调动学生的积极、主动参与的意识，提高音乐课堂的情趣，从而更好地体验音乐的情绪，还能激发学生表演歌曲的。演唱也是一个综合的过程，除了以上分析的几点外，还要配合音乐旋律的力度和速度等方面，去演唱每一首歌曲，从而更好地使学生达到审美的目的。

怎样理解演唱是学习音乐的基础性内容演唱即歌唱，是利用人声把歌曲表现出来，是对音乐的再创作。歌唱教学即是采取唱歌手法，进行的音乐教学。普及中小学音乐教育是音乐教育的一个重要任务，只有普及音乐教育才能推动全民音乐素质的提高，才能促进我国音乐事业的发展。为了切实做好普及音乐教育，中小学阶段，应着重采取以歌唱教学为主要载体的音乐教育模式。因此，重视演唱有极其重要的意义，是学习音乐的基础性内容。一、歌唱是中小学阶段普及音乐教育的有效途径在我国，特别是偏远地区，经济文化较落后，教育设施、音乐师资极其欠缺，加之教育思想滞后。由于长期受到应试教育的影响，对音乐教育没有足够的重视，绝大多数的学校没有乐器、音响等设备。一般的学生不会接触到乐器和正统的音乐教育。即使在大城市里，也只有少数人才能接受器乐教学，因此，采用器乐或其他手段来普及音乐教育是很困难的。只有人声--这个人们生而有之的，而且是最优美的乐器，才是使音乐属于每个人的沃土。只有用歌唱才能克服以上困难，使音乐教育达到全面性和普及性。我国现阶段的中小学音乐教育大纲中也体现了歌唱教学的重要性：“唱歌是学生进行艺术实践，表现音乐的重要手段。是音乐教学的重要内容。” 二、歌唱是提高音乐素质的重要手段歌唱教学是全面学习音乐的基础，歌唱活动直接相关联，与心灵相沟通。一个更深入的音乐文化只能在歌唱的基础上发展起来，音乐之根在于歌唱。“歌唱本身又有着非常丰富的学习内容，通过这种最自然的学习形式，使儿童学习掌握音准、节奏、速度、艺术表现、情感处理、音乐分析多声部能力等等。所以要充分重视歌唱教学。”音乐的教学涉及到音乐知识的传授、音乐技能的训练、音乐情感的培养，在中小学阶段不可能单独地把这些内容分开来教学，只有通过能激励学生学习兴趣的、能使学生亲身体验的音乐活动来完成这一系列的教学内容。音乐情感指在音乐活动中所获取的道德感、理智感、美感，与音乐产生共鸣的心理体验。歌唱教学能使每个学生参与到音乐的活动中来，体验音乐。加之歌词的点睛作用，使学生更能理解和接受音乐所要表达的情感。三、歌唱教学在中小学德育、美育等诸方面的作用歌唱在实施美育的过程中是不可缺少的，它在培养学生高尚情操和积极向上热爱美的情感方面，起着重要作用，也是德育教学不可忽视的特殊手段。通过教授内容健康的歌曲，通过介绍古今中外优秀的音乐遗产，通过正确的歌唱训练，使学生掌握这种艺术的表现形式，在思想上、道德上使学生受到教育，激发他们的蓬勃向上的精神。歌唱是通过音乐和词的艺术形象去启发学生的美感。它包括了文学、音韵的美等诸多美学价值。歌唱应是表现音乐美的最佳途径，在歌唱和欣赏优美高尚音乐的同时，使学生潜移默化地受到音乐形象的熏陶和感染，使学生情操和品格心灵上受到有益的影响。歌唱是形成中小学生健全审美心理的重要一环，健全的审美心理会对一个人的成长起着非常重要的作用。综上所述，在我国中小学音乐教育中，要大力地正确地运用歌唱教学。只有这样，才能更好地把音乐普及到每个角落，达到教育的全面性、普及性的要求。正确的运用歌唱教学，不仅是对学生音乐技能、音乐素质的提高起到基础作用，也是为培养音乐家打造坚实的基础。歌唱教学不仅能促进中小学教育中德育、美育的培养，更主要能协调各育之间的关系，促进学生全面的发展。在中小学音乐教育中，歌唱教学是其他形式不可比拟的，只有把歌唱教学摆在中小学音乐教育的首位，才能使我国音乐教育事业健康的发展，才能全面提高学生的音乐修养，促进素质教育的推进，加快我国文化事业的进步。

我们逐步地掌握正确的歌唱呼吸方法 4、歌唱呼吸的训练为了掌握好歌唱的呼吸方法，我们还应该要进行必要的、长期的、艰苦的、不间断的呼吸训练，可根据自己的具体情况分别采用无声呼吸练习和有声呼吸练习。4.1、无声呼吸训练无声呼吸练习也称纯呼吸练习，就是只做呼吸运动而不发音。对于歌唱呼吸的基本要领或呼吸部位还不十分明确的歌唱者来说，集中注意力去感觉呼吸器官的运动状态是有益的，它可以作为锻炼呼吸肌肉群，增强呼吸的控制能力的辅助手段。无声呼吸练习可以分为：4.1.1、慢吸慢呼——练习方法：吸—停—呼……像闻花般地缓慢吸气，保持住气息片刻后，将气缓慢、均匀、平稳、连贯地呼出。同时发出不振动声带的清辅音“丝”字。例如：我们到野外散步呼吸新鲜空气。4.1.2、快吸慢呼——练习方法：吸—停—呼……像惊喜般地快速呼吸，保持住气息片刻后，将气缓慢、均匀、平稳、连贯地呼出。同时发出不震动声带的清辅音“丝”字。4.1.3、慢吸快呼——练习方法：吸—停—呼—停—呼……像闻花般的快速吸气保持住气息片刻后，将气短促有力、间间断断地呼出、停、呼循交替进行，同时呼气时发出短而断的清辅音“丝”。4.1.4、快吸快呼——练习方法：吸—呼—吸—呼……像哭泣般地快速吸气，急促呼气，腰肌不断地扩张与收缩的弹性运动，同时在吸与呼时都发出呵气声，并逐渐加快吸—呼的交替频率。以上的几种无声练习，要注意不论慢吸或快吸最好都用口、鼻同时吸气，切忌抬胸、耸肩的动作，在快呼或慢呼时，呼出的气息都必须均匀、平稳、有控制，切记气息时多、时少、时强、时弱。在训练时，采用坐式，站式的姿势都可以。4.2、有声呼吸训练就是我们每天进行的发声练习，这些联系可是以各种音阶、音程同元音与辅音结合构成的，目的仍在于使歌唱者体会和掌握正确的呼吸方法，还涉及到各发声器官的状态正确与否，以及声音的音色、音量、音域等问题。有声呼吸练习的种类很多，大致可划分为：连音练习、断音练习、断、连结合的练习，连音练习着重训练歌唱者保持气息的控制力与连贯性；断音练习着重训练歌唱者运用气息的弹力与灵活性；断、连结合练习着重训练歌唱者气息的连贯性与灵活性的综合能力。我们在选择有声的呼吸练习时，还应根据个人的程度，先易后难，循序渐进的原则，在选择联系母音时，如果声音过分靠后而暗淡空回，最好多练i、e母音；如果声音与气息还结合不上，可多练断音练习；如喉头位置过高，肌肉过紧，有挤、压、卡、撑喉咙的现象，就可多选择a、o、u母音。总之，呼吸是歌唱的源泉，歌唱的呼吸是获得美好声音的阶梯，要使声音有生命，就要有呼吸的支持。如果你立志于歌唱为终身的事业，那么歌唱的呼吸就是你终身苦练的基本功。

孩子几岁学声乐好西安音乐培训提醒各位家长，对于少儿声乐学习的年龄要掌握好：儿童时期是人生中最快乐、最幸福的时候，孩子们常用歌唱的方式来表达内心最直接、最真实的感受。成长发育期的孩子们，声带很稚嫩，如果在没有老师正确的指导下去唱歌，会导致声带受损，严重的还会影响到孩子们的身心健康。　　幼儿期歌唱器官特征：四至六岁学习声乐的孩子，他们的喉头和声带是成人的一半或不到一半，胸腔很小，呼吸较浅，多用头腔共鸣，听起来声音响亮、甜美而透明，这么稚嫩的嗓音就如同一件精美的艺术品，此时如果家长急于求成、用声不当，就会直接影响到孩子们今后的歌唱生涯，最好能自然发展。幼儿园老师和家长，可以让孩子多欣赏音乐和学唱一些儿歌，让其对音乐产生兴趣，培养出一定的乐感，同时，也可用肢体语言表现音乐内容，来增强幼儿对音乐的感知力及表现力。　　儿童期从七岁开始学习声乐最好，这个阶段的孩子，能独立学习声乐技巧，并能基本控制好歌唱器官，对声音有一定的辨别力，对歌曲也有一定的理解能力和表现力，这样在不断提高歌唱技能的同时，还可以培养儿童学习声乐的兴趣，有利于长时间地持续学习和发展声乐歌唱艺术。

教大家怎样唱好歌现在的年轻人都喜欢流行歌曲，都在追求流行因素，想唱流行歌曲，可是自己却不会把握流行因素。那么如何在流行音乐中得到提升呢？现在社会很多人都比较喜欢社会上流行的那些歌曲，可是没有经过专业的培训，对于那些流行的歌曲虽然会唱，但是那些曲调什么的基本不会，一般流行音乐主要以中式五声音阶为旋律创作主要模式，旋律节奏简单，一般比较符合中乐节奏传统。一般流行音乐很多人以为不需要乐器，其实它如果加入中国乐器作伴奏，配上西式鼓，低音结他，配乐中西合璧。歌词用字方面，具古式中文色彩与韵味。而在歌词内容方面一般多涉及人生哲理及家国江湖情义。唱中式小调流行曲的歌手，不少是从唱欧西曲“转”过来唱的，很少人会用中式歌曲。很多人对于这些知识并不是很懂，对于唱歌方面的技巧也不是很有感觉，在西安学唱歌的话，一般的音乐培训机构会教大家的，在这里都会教，而不会教的也会教，让大家享受音乐的感觉。

吉它和弦方法　大七和弦，1 3 5 7 　　六和弦， 1 3 5 6 　　减七和弦， 1 b3 b5 b7 　　当然还有更少见的和弦，我们可以通过增加“特殊音”的方式应用在已知的音阶和和弦指型上。　　关于各指型的传联，我们来看看G调的音阶。　　我们在练习熟练各音型以后，就可以把各音型传联起来，形成自己独特的Solo风格。这些都必须通过不断的机械练习，多弹一些谱，将经验慢慢积累起来。

吉他弹奏技巧(一看就会) 关于吉他，我其实有太多的话要说。什么样的水平才是吉他的真正水平呢，所谓仁者见仁智者见智。依我管见，如果不是专业的演奏之类，只要能随心所欲地弹奏自己喜欢的歌曲或乐曲就算是达到了一定的水平。　　什么是随心所欲？第一，只要是你会唱的，就能不假思索地弹奏和伴奏。第二，只要是听过一遍的，就能够摸索着弹出来。第三，只要是有简谱的，就能轻易地演奏和伴奏。总而言之，吉他在你手中，是你心灵的低语，是你情感的倾诉，不能有任何交流的阻碍。　　我从部队开始学吉他，完全是兴趣所致，走了相当长的一段弯路。至今方才领悟其中真谛。其实学吉他不难，特别是民谣弹唱更容易，稍难的是乐曲的弹奏，特别是世界名曲的演奏。现在我就讲一些经验之谈给初学吉他的朋友。　　首先，指法练习上，和弦与基音同时练习，以C大调为准。和弦只练习C、DM、EM、F、G、AM、即可。练到和弦之间可以自由的变幻。　　再一个，也是最重要的一点，就是一首歌曲和弦的配置方法，我有一个最简单的技巧交给大家，那就是：　　1、2、3、4、5、6、7分别配C、DM、EM、F、G（或G7）AM、EM即可。其他的不要管太多，看一首歌曲，如果是以1、3、5开音，以1结尾，这就是大调，如果以6开音，以6结尾就是小调。无论大调小调都可以以此方法配置和弦。　　接下来就需要找一首你最喜欢和熟悉并且简单的歌曲，按照我的方法反复练习了。只要学会贯通了一首歌，其他的就比葫芦画瓢，触类旁通了。　　至于乐曲的弹奏，我所能告诉大家的只有一点，那就是左手在弹奏主旋律的同时于一拍以上的空隙中点按和弦，右手以分解和弦节奏型2/4拍填充。详细一点说也就是按照吉他六根弦的排列顺序是：根音与第一弦同时拨，然后是3、2、3弦。

非洲鼓的来历打击乐器可能是世界上最古老的乐器.而手鼓是最具代表性的打击乐器,所以说手鼓也可能是世界上最古老的乐器了,非洲手鼓Djembe起源于十三世纪曼丁人建立的马利王朝.最早出现可以回溯到公元500年.最初是由铁匠们手工制造的.它的形状来源于捣碎杂粮的臼.沙漏形状的外型,两端开口.用山羊皮包住较大的开口端.用双手演奏. 非洲手鼓比康加鼓和邦哥鼓更老.跟它形状差不多的Doumbek也跟它有关联.非洲手鼓在古代通过埃及尼罗河的贸易古道传播到中东和世界各地. 手鼓掌握着节奏,而节奏在人们的生活中无时不在,生活在非洲西部的曼丁族人,天性乐观,在劳动和生活中,不断的歌唱,用他们那天才的音乐情感表达着快乐.在非洲原始,美丽大自然中,无论在白天,傍晚,夕阳西下或是繁星满天的夜晚,他们以歌唱感谢虽然贫穷但觉得幸福的一切.在所有跟劳动有关的事物上他们在热烈的歌唱,在男女相恋,招待客人时更要美妙的歌唱.很久以前每当他们/她们唱的高兴的时候,他们就以双手击打着拍子,或击打着身边能击打的所有东西,打出欢快的节奏,跳出开心的舞蹈,就这样非洲手鼓Djembe诞生了,从此非洲手鼓再没有和曼丁人的文化,宗教,歌唱,舞蹈分开过.在人们的生活和劳动中,非洲手鼓如虎添翼,增加了无穷乐趣. 非洲手鼓在日常生活中不但演奏着节奏,而且还传递着信息,他们这时给节奏赋予固定的信号,传达着他们想表达的具体事情.所以他们根本就不用走出屋去,就已经知道村里所发生的一切,因为非洲手鼓的鼓声已经把当时的情况传达到每个人的脑海中. 非洲手鼓是一个宗教神性的鼓,在很多的宗教活动中都有它的身影.并可以用于出战时的战鼓.以及其他的社会活动中. 在非洲,非洲手鼓不单单是乐器,它传承着非洲大地的传统,思想,艺术,历史,和所有能传承的一切!

二胡的定音泛音调弦法二胡定音的准确与否同演奏效果有很大关系，二胡采用五度定音，一般用泛音进行调弦，“D、A定音”是二胡的标准定音　

电吉它保养方法—防潮防锈　我国江南大部地区均属温带季风气候，每年都有几段时间阴雨连绵，湿闷难忍，堪称雨季。潮湿对琴（包括对木料和金属部件）的损伤显而易见，在雨季若不注意两个星期就可能生锈，琴颈变形的几率也大很多。　　首先一个琴盒是必不可少的，不要对琴包期望太高，雨季特别潮湿的时候只有琴盒能起到足够的隔潮作用。如果实在没有琴盒，建议参考第三条。　　第二在琴盒里一定要放干燥剂，放多少没个准，但一定要勤换，多数干燥剂是一次性的，吸水到一定程度就失效。干燥剂有不同成分，据说某些成分对木头不好但也未经考证，我用的是一大包中草药干燥剂和几小包化学干燥剂，并将一个小包夹在靠近琴桥的琴弦之间。　　第三是放琴盒的排练房至少放一个干燥盒，吸收外部水分；用琴包的朋友建议在柜中放一个，再将琴包放在柜中。我的排练房空间不大却放了三个干燥盒，放了一把琴（琴盒）和音箱、键盘等；排练房柜子里也放一个，放了两把琴（琴包）。当然干燥盒也有寿命，吸满水就换，不要心疼小钱。　　第四是定期给金属部件上油，部队上的朋友通常用枪油，市面上的油我比较推荐缝纫机油，有条件的可以买专门的护理油但比较贵，其他油如食用油我没用过。上油频率也没个准，我大约两个星期一次，记得上油前将以前的残油擦干净，用卫生纸或干棉布，不用上很多，薄薄一点油膜即可，但一定要均匀遍布。　　第五如果琴桥、拾音器等已经生锈，保养前务必尽量清理锈渣，因为听学化学的朋友说锈本身能助长铁加速生锈，越生越快。如果已经生锈，建议上油更频繁一点，雨季坚持一周一次。若有条件可以买防锈漆，适当补在清理后没有油漆保护的裸露的铁面上，不过我没试过。　　第六弹琴后必须擦琴，擦后尽快收进琴盒，养成好习惯。这是废话，做不到这一部，前面五部免谈。建议金属部件（包括琴弦）和木头部分分别用两块布擦，因为擦金属部件的布上难免沾有油，但请放心，不会几下就把先前上的油擦光。　　第七如果在空调房，不要频繁将琴室内室外拿进拿出，以免温差过大，这个是听GC上某前辈说的。　　依靠上述七个方法我和几位朋友的琴完全没有生修（包括一把用了三年多的国产琴），而一位懒于保养的朋友新买不到半年的RG2550已经锈败不堪，对比显著，南方的朋友不妨试试。北方的朋友运气比较好，在这方面可以剩不少麻烦。　　关于保养琴的观点各不相同。我的观点是油漆、外观之类小心即可，不太在意，任由时间细细雕琢，但在金属防锈、木料防潮等关系到性能和寿命的保养上绝对不能马虎。保养是个慢工夫，细工夫，可能细心几年，大意几星期，工夫就白费了。保养需要钱，一点小钱，一个干燥盒十元不到，超市都有卖，在雨季用一个月没问题，不要吝惜。

声乐理论介绍声音应该以小腹为根源，想象声音透过后脊梁，到脑后，到口腔后跟，整个声音是竖立的，靠后的找一找这样的感觉：你大口咬一口苹果，露出上牙齿，在一口咬下去的同时，发出“嗯”的声音，感觉在口腔后部和鼻腔上部的位置，这就是美声发生的一个共鸣点。接下来把气息下沉，小腹膨胀，稍用力一顶，在刚才的位置发声，多注意声音在脑后靠上的位置，你会发现声音比以前要大得多。经常靠墙练习有助于发声，因为靠墙可以接触你的后脊梁，让你更容易找到感觉，并且胸腔的共鸣能和墙产生共振，让你更容易找到胸腔共鸣的感觉先从Mi ma 的练习开始，逐步升高，有助于练习高音气息，再从高往低练习，这样反复练习，就能找到感觉。

音乐基础知识：音乐理论入门音乐基础知识：音乐理论入门目录图书信息作者简介内容简介目录编辑本段图书信息　　出版社: 湖南文艺出版社; 第1版 (2011年4月1日) 　　平装: 183页　　正文语种: 简体中文　　开本: 16 　　ISBN: 9787540448837, 7540448830 　　条形码: 9787540448837 　　尺寸: 22.8 x 15.8 x 1.2 cm 　　重量: 259 g 编辑本段作者简介　　作者：（德国）汉斯·雷纳译者：杨祖群改编：多罗泰·格贝尔编辑本段内容简介　　《音乐基础知识:音乐理论入门》内容简介：直至今日，具备音乐基本概念方面的知识并知晓其相互关系一直都是理解并享受音乐的重要前提条件。雷纳在这本重新汇编整理的音乐理论入门读物中为我们介绍了数十年来这方面的基本知识。他以通俗易懂的方式解答了诸如声学、记谱符号、和声学、对位法、作曲法、音乐演奏乐器，以及节拍、节奏、速度、力度、旋律学和装饰音等方面的问题。他呈现给我们的是一本颇具概括性并经实践证明有效的普及型音乐手册，它为喜爱音乐的朋友们解疑答惑，让所有乐迷都能系统地学习到音乐专业中的每一个科目。编辑本段目录　　1．音乐声学　　2．记谱符号　　3．和声学　　音程　　调式(音阶) 　　和弦　　4．节拍，节奏，速度，力度　　节拍　　节奏　　速度　　力度　　5．旋律　　6．装饰音　　7．对位法理论　　对位法　　模仿　　卡农　　赋格　　8．音乐的曲式　　基本曲式　　器乐　　声乐　　教堂音乐　　歌剧　　轻歌剧　　音乐剧　　爵士乐　　9．乐器　　人声声部　　10．交响乐团　　巴洛克时期管弦乐队　　古典主义时期管弦乐队　　浪漫主义时期管弦乐队　　现代管弦乐队

音乐理论知识在这里关于等音的问题就不再多说，但请大家记牢，在乐音中除了#5和b6只是互相有一个等音外，其他每个基本音级和变化音级都有两个等音。比如“升1也可以是降2，也可以是重升7”等等，在这里不再多做阐述。第三章记谱法因为我们在做midi的时候，时时刻刻都要跟乐谱打交道的，所以记谱法我们一定要知道。简单来说记谱法就是记录乐曲的方法。记谱法也有很多种类，比如古琴用的古琴谱，锣鼓用的锣鼓谱，还有我国民间用的公尺谱等等，当然还有我们现在普遍应用的五线谱和简谱。因为在音序软件中一般都是用五线谱来记谱的，所以在这里我们只来学习一下五线谱就好了。同时附上由王巍所写的五线谱制作方法，介绍的是用Encore 4.2来制作五线谱。因为五线谱这么普及在这里就简单来说一下吧。五线谱一定会有五条线这五条线中间还有四个“间”。在这里要说的就是，五线谱的每条线和每一间上边都记录着一个音符，并且“线”还可以往上往下继续加。就比如我们平时说的中央C他的位置就在下加一线。一次往上推第一线就是小字一组的e1，第二线就是小字一组的g1……这个相信大家都会。

西安钢琴集体课教学首选西安现代音乐学校 1、学校为同学们提供了一流的设备：“工欲善其事，必先利其器”学校琴房重金购置高品质钢琴保证学员的学习效果和练习质量。 2、舒适的学习环境：专业的装修保证学员安静的练习环境；辅助设施齐全，让学员有如在家练习般的舒适。 3、雄厚的师资力量：为使学员从开始就接受到正规、系统的音乐启蒙，学校专门聘请教学经验丰富、负责、耐心的专业教师，并统一采用一对一的教学方式，注重细节，尽一切可能保证每个同学都得到最精心的培养。 4、丰富的演出活动：在培养学员们坚实基本功的同时，学校更注重锻炼每位学员的舞台经验。学校定期组织集体文艺汇演，让每位学员都找到属于自己的舞台。 5、灵活的学习时间：为方便学员学习，学校采用灵活的上课方式，只需与老师提前预约，学习时间即可灵活掌控！

怎样学好唱歌第一个要注意的是如何使声音更饱满.宏亮无法打开声音的原因有两个:1..没有充分利用共鸣器官 2..气息不稳 (方法): 一. 技巧 1.体会胸腔共鸣:微微张开嘴巴.,放松喉头,闭合声门(声带),象金鱼吐泡泡一样轻轻地发声..或低低的哼唱,,体会胸腔的震动. 2.降低喉头的位置:(同上);喉部放松. 3.打牙关:所谓打牙关,就是打开上下大牙齿(槽牙).给口腔共鸣留出空间,用手去摸摸耳根前大牙的位置,看看是否打开了.然后发出一些元音,如"a".感觉感觉自己声音的变化. 4.提颧肌;微笑着说话.,嘴角微微向上翘,同时感觉鼻翼张开了,试试看,声音是不是更清亮了. 5.挺软腭;打一个哈欠,顺便长啸一声. 二..气息问题发音*震动,震动*气息,要使声音洪亮,中气十足,就要有饱满的气息.呼吸要深入.持久,要随时保持一定的呼吸压力.平时可以多做些深吸缓呼的练习.最好在练习说话的时候先站起来,容易找到呼吸状态,要坐的话,也要坐直,上身微微前倾. 运用气息的时候,千万不要"泄气",要在上述的呼吸压力中缓缓的释放,并且要善于运用,嘴唇把气拢住.这样来保持胸腹和嘴唇的压力平衡. 三..声线问题我们的发音,有一个不容易察觉的线路,比如打呼哨,声音很响亮,道理就在于气息畅通,声音集中,通行无阻.说话也是这样,要尽量让自己的气息贯通,让气音尽量沿着口腔内部的中纵线穿透而出. 这样才能使声音集中而响亮. 下面我们说下唱歌的基本方法一:姿势 1.身体要直 2.重心要稳 3.上胸要开 4.双肩要松 5.面部自然 6.精神振奋二:呼吸...(呼吸方法有多种...我们应曲风而异) 1.锁骨呼吸法 2.胸式呼吸法 3.腹式呼吸法 4.胸腹式联合呼吸法 (一般我国的美声唱法多才用与第4种:胸腹失联合呼吸法....通俗就较为随意点了)

怎样才能把声乐学好一、学习声乐的条件要学好声乐，必须具备一定的条件，即具有良好的音乐素质、掌握相应的音乐基础知识和技能，有良好的嗓音条件。 1、音乐素质音乐素质就是人在音乐方面敏锐听觉、鲜明的节奏感和良好的音乐感觉，就是我们常说的音准、节奏、乐感。一个人的音乐素质有先天的因素，也有后天的培养，而后天的因素是主要的。在音准、节奏和乐感方面有敏锐感觉的人，就具备了学习音乐的素质条件。 2、音乐的基本知识和技能具有音乐素质的人要进一步学习音乐就必须学习音乐方面的基本技能和知识，音乐基本技能包括：视唱练耳、乐理知识、键盘乐器基础。视唱练耳是学习音乐的基础，要准确的听辨和视唱出音阶、音程、节奏、旋律必须学习视唱练耳。乐理也是学音乐的基础，学好相应的乐理知识，才能唱准、唱好歌曲。键盘乐器基础：键盘乐器和乐理知识的学习是相辅相成的，有了一定的键盘基础才能进行听觉训练和视唱练习。而发声练习等都离不开键盘乐器。 3、嗓音条件：一般人认为，学习歌唱必须要具有天然的好嗓子，这说法既有正确的一面，又有它的片面性、天然优美动听的嗓子是学习歌唱的有利条件，但有好嗓子不一定就能学好声乐，而许多成功的歌唱家在训练前并未显示天然优美的声音。歌唱同说话的生理条件是完全相同的，但若完全用说话的状态来进行歌唱就不能体现歌唱的艺术特征。因为语音发音是下意识的“自然”发音，而歌唱发声是有意识的“非自然”发声，运用科学的发声方法有意识的锻炼发声器官，是可以从下意识地说话达到有意识的控制自如的歌唱发声状态的。因此，凡会说话的人，只要具备了一定的音乐素质，就可以学习歌唱。二、如何学习声乐学习应该包含两方面的内容：歌唱技能技巧的学习和声乐基础理论知识的学习。 1、声乐基础理论的学习要具备一定的演唱能力，首先要懂得发声的生理机制，如了解歌唱器官的构造，歌唱发声的简单原理，声音的共鸣原理、共鸣腔的划分、共鸣腔的运用和声区的关系，运用共鸣的方法等。另外，在进行歌唱技能技巧的训练时，必须掌握歌唱的呼吸方法、呼吸的运用、了解呼吸的支点，常用的呼吸练习方法。学习识别声音的性质、声部的划分，了解美声、民族、通俗唱法特点及嗓音的保健等。学习了解声乐理论基础，可使自己练习时不盲目，目标明确。另外，再看看别人的声乐论著、声乐方面的录像、电视、录音等，都会给自己带来极大启发，对歌唱练习时大有好处，使自己少走弯路。 2、跟声乐教师学习歌唱是一门技术性和实践性很强的学科，仅凭声乐理论和教学方面的文字资料去进行歌唱发声方面的学习和训练是非常困难的。因为文字很难准确表达歌唱技能技巧的内涵，加之个人生理条件、理解和领悟能力的差异，更增加了凭文字资料学习的困难。按书上说的方法练习发声、歌唱，练习者本人无法判断方法的准确性和声音效果正确与否，这样的练习不仅没有效果，而且很可能导致错误的歌唱发音。因此，学习歌唱时，特别是初学阶段，必须找经验丰富的声乐老师指导，按照老师的方法练习，并把自己练习中的体会、困难、收获、感觉等如实地告诉老师，以便于老师根据你的个人特点，教给学生准确度高、收效快的练习方法。学习时应注意多用脑子，少用嗓子。三、歌唱训练内容声乐训练有完整、科学、系统的训练方法。它包括： 1、呼吸的训练歌唱呼吸是发声的动力，是歌唱的基础。没有良好的呼吸方法来控制和运用气息，就不可有优美悦耳的歌声。一切声音表演技巧都与呼吸有着不可分离的关系。克拉克在《论呼吸》中主张：歌唱者第一件事就是学习适当的呼吸。普利斯曼在他的《喉头生理学》中认为：呼吸是声音的生命力。我国传统声乐论著中说：“气者，音之师也。气弱则音薄，气浊则音滞，气散则音竭。”也说明了中外古今的歌唱者都十分重视呼吸在歌唱中的重要作用。

学习声乐的技巧亲爱的朋友：如果你有一个好嗓子，切勿迟延，赶快加以锻炼，应当把它看作天赐与你的最好的礼物。 >>>>>>美声唱法训练起源于17和18世纪意大利的美声强调自如、纯净、平稳的发声与灵活和准确的声乐技巧的歌剧唱法。按字义讲，“bel canto”即优美的歌唱,并兼有美丽的歌曲的含义。它不仅是一种发声方法，还代表着一种演唱风格，一种声乐学派，因之通常又可译作美声唱法、美声学派。美声歌唱不同于其他歌唱方法的特点之一，是它采用了比其他唱法的喉头位置较低的发声方法，因而产生了一种明亮、丰满、松弛、圆润，而又具有一种金属色彩的、富于共鸣的音质；其次是它注重句法连贯，声音灵活，刚柔兼备，以柔为主的演唱风格。从最基本的吐气发声练习，到优美的艺术歌曲，甚至到夸张的歌剧选段，你将领会到歌唱艺术的美。 >>>>>>通俗唱法训练美声唱法对你太高深太难以企及，那么我们也有针对唱流行歌有待提高的你开设的课程。无论是邓丽君，陈奕迅，才旦卓玛，那些你可望而不可及的奋战多年依然留有那么一小点缺憾阻碍你成为K歌之王的歌，通俗唱法的专业训练让你自信的拿起话筒，赢来大家喝彩。现在我们刘颂歌唱中心就有一期30节课：专门快速打造你成为K歌之王的班级。

论声乐技能训练与素质培养现代声乐艺术是一门范围比较广泛的艺术，当然对声乐训练也提出了更高的要求——声乐训练的综合性。声乐训练既要注意技能方面的训练，同时更要注重素质养成方面的问题。如果没有良好的心理素质和较深的文化修养，就永远不能登上真正的舞台。歌唱是一种听觉艺术，它不同于一幅画、一篇文章这类视觉艺术。一首歌首先出自于词曲作者，而后经过歌唱者的演唱，才能为听众听到和欣赏。倘若没有歌唱者的演唱，这首歌仅仅只是一些音符的串联，毫无生机。那么，歌唱者怎样将写好的歌曲介绍给听众，这是一个很重要的环节。在这里，我想阐述一下我学习声乐得出的经验和遇到过的问题。　　首先，作为一名声乐专业的学生，要树立正确的声乐学习观念，注重基本功训练，不断提高自己的声乐演唱技能和技巧。　　正确的歌唱产生于肌体正确而准确地运动，但是，这一运动过程的正确性和准确性却成为很多声乐学习者的困惑。比如：嗓音的问题、共鸣腔的问题、气息支持的问题，这些都是在歌唱过程中遇到的具体问题。那么，具体问题就应该具体分析解决，而不能毫无针对性地进行声乐训练。　　对于嗓音，人们普遍认为它是由声带振动产生，而在《卡鲁索的发声方法——嗓音的科学培育》中就已明确指出：嗓音就是语言，它是由口腔而不是声带产生的。声带只是产生声音，通过语言学的步骤，在口腔内变成元音和辅音，这才是嗓音的来源。因此，声带振动所产生的声音和声乐概念中的嗓音是不同的，那么，在平时的声乐训练过程中，就应注意口腔充分打开，语音直接发音，声音自然而兴奋地启动并保持其持久性。这样，就可以提高自如运用嗓音的能力。另外，标准的语音朗读，也同样有助于歌唱中的自然、纯正的嗓音发声。因为，说话与歌唱的功能是相同的，都是基于同一个生理机能。歌唱的真正本质只不过是有音乐韵律的讲话。为使嗓音发挥得更好，也可以进行一些清晰、准确地将元音和辅音相拼的训练，同时配合气息和腔体共鸣的协调，这样也有助于歌唱状态下的嗓音更加完美。　　呼吸是歌唱的动力，支点是歌唱的支持力。在生活中人人都会呼吸，但是歌唱的呼吸与生活的呼吸不同，它比生活的呼吸变化要多。我国古代声乐理论《乐府杂录》中讲到：“善歌者，必先调其气，氤氲自脐间出。”“气动则声发”。由此可见，呼吸是歌唱发声动力之源，歌唱者要在训练中获得井然有序、连贯悠长的、不失灵活的气息，为声门振动和声音传播提供和谐稳定的动力和载体。　

声乐教学中的发声练习练习发声练习是用于声乐教学中最基本、最简单的练习。实际上就是把构成歌曲旋律最简单的动机或乐句提炼出来配以单纯的母音或音节，或者用音阶或琶音似地乐句配上母音或音节，在适当的音域内作半音上行和下行移动反复练唱，已达到呼吸、发声、共鸣协调配合，练就纯净而具有音乐性的声音。一发声练习的目的发声练习是声乐课的重要组成部分，它的目的主要分以下两个方面：一方面是为演唱者服务的，通过发声练习来打开喉咙，使演唱者快速进入歌唱准备状态；另一方面是为演唱作品服务的，在发声练习过程中，是以声音效果和发声器官肌肉适度的标准去调整发声器官的机能和状态的，每个人的发声器官的构造、嗓音条件、音色音域、发声习惯各不相同，因此，它并不是盲目的、随意的练习。它带有一定的针对性，是有意识的练习。每条发声练习都有它的方法和要求。演唱者在进行发声练习时，教师会根据演唱作品的需要或演唱者在歌唱中存在的问题，而专门把几个知识点或某个技巧难点拿出来，通过适当的发声练习的方法反复加强训练，最终达到目的。二发声练习的作用歌唱者在学习声乐时，必须在教师的指导下，反复地进行发声练习，逐步掌握科学的歌唱发声的基本方法，用正确的方法来歌唱。可见，发声练习在声乐教学中起着关键性的作用。 1．通过发声练习，能鉴别歌唱者的声部从生理结构特点来分析：每个人的喉头大小、声带长短、宽窄以及共鸣腔体的大小都是不同的，这是生理结构上的差异。除此之外，还有一种重要的方法就是从发声歌唱状态中鉴定。在发声训练中，通过歌唱者的音色、音质、音域、声区结构等综合因素来进行声部的鉴别。明显的高中低音较容易区别，如果声音具备两个声部的特征就很难辨别了。所以对这类情况的鉴定，应该稳定而慎重，不应过早下结论，要在运用自如的声区内进行各种发声练习。经过长时期良好的科学训练，通过教师细心的观察研究，才能根据高低音和声区特点确定其声部。 2．发声练习能正确打开喉咙，做好歌唱的准备状态喉头是人声的生源体。在歌唱前打开喉咙是十分重要的，它直接影响到歌唱者音色。打开喉咙也就是将喉头稳定在正确的位置上，这是歌唱者声乐技巧得以顺利发展的关键之一，很多歌唱者歌唱时喉头没打开就去唱歌，造成喉头不稳定，发声的各器官不协调，从而导致错误发声方法。所以在唱歌前，必须通过发声练习才能打开喉咙，找到正确的喉头位置。让气息和声音能畅通流动，使声带运动与呼吸密切配合，调整适度，协调好各器官的运动，为唱歌做好充分准备。 3．发声练习使抽象化的发声原理变得简单易懂，容易找到正确的发声位置声乐是看不见、摸不到的，而且是一门抽象的艺术。然而复杂难懂的发声原理如何才能变得通俗易懂呢？这就要依靠教师的科学歌唱方法和间接的教学经验。在发声练习中，教师会用一些形象的比喻，如微笑、打哈欠、闻花香等方法。让学生体会歌唱的感觉，使其凭借自己的思维展开丰富的想象，通过对一些具体形象的联想将发声的原理和技能中各种比较抽象和不容易理解的概念变得清晰，找到科学的发声位置。而采用联想比喻的方法，则是达到这一目的的重要手段。同时教师还运用一些音阶或琶音的旋律配合母音的发声练习，使歌唱者能熟练地掌握发声的位置，巩固歌唱的状态。在演唱前就做好积极的思考、准备和调整，只有清晰地理解发声原理，采用科学的发声方法，才能用正确的发声位置演唱歌曲。 4．发声练习可以协调口腔内的发声器官，为演唱歌曲打好基础发声练习或歌唱时，直接参与运动的器官成为发声器官。根据它的功能作用，歌唱的发声器官分为呼吸器官、发音器官、共鸣器官和咬字器官四个部分，它们是歌唱发声的基础，是歌唱发声运动中的主要功能系统。如何协调口腔内各个器官的运动变化，则是声乐学习中的一项重要内容，也是一个极大的难点。在发声练习中，各个器官的协调运用是发声训练的关键。发声前要吸气，吸气时两声带分离，声门开启，吸入气息；发声时，两声带靠拢闭合发生声音。在发声歌唱过程中要唱出旋律和母音，咬字器官和吐字器官的动作比平时说话要更加敏捷、夸张。敏捷是为了咬字准确、清晰，夸张是为了美化声音。正确的发声要与正确的咬字、吐字相结合。通过字、声结合的练习来提高唇、齿、舌的灵活运动能力，使之更完美而生动地表现歌曲情感和内容。同时，要恰当地用气息来支持，气用多了，声音就会大，气不足，声音就会断，所以一定要在基础阶段练好呼吸。最重要的是恰当运用共鸣腔体，使声音传得远且圆润、优美动听，这是要经过专门训练才能做到的。因为运用共鸣腔体的训练常常与其他发声基础要求分不开，所以要求歌唱者通过母音的转换，稳定喉头打开口腔，调节气息等手段，把声音振响在鼻咽腔以上的高位置头腔共鸣点上，通过共鸣腔体的调节与运用，增大音量，美化音色，从而获得圆润、丰满的歌声。因此，要协调运用歌唱者的各个发声器官，使各部分机体的功能在合乎自然生理规律的基本状态下，充分发挥其作用，为演唱歌曲做好充分准备。综上所述，歌唱发声训练是声乐教学中必不可少的一个重要环节，是歌唱训练的基础内容之一，在歌唱中发挥着重要的作用。正确的发声方法是在教师指导下，通过长时间刻苦的发声训练才能掌握的。在教学中，教师要严格纠正学生在发声练习时的一些错误观念和不良习惯，把正确的体会和方法灵活运用到歌唱中去，使其成为艺术表现的有效手段，提高演唱者的歌唱能力和表现力，从而带给人以美的享受。

现代音乐学校开设课程器乐培训西安现代音乐学校开设有吉他、键盘、钢琴、古筝、萨克斯、小提琴、二胡、小号等多种乐器培训及专业声乐、乐理、视唱练耳、舞蹈培训。本校器乐教师聘请西安音乐学院、陕西歌舞剧院、陕西师范大学以及本校各专业教师，旨在为音乐初学者、乐器爱好者以及有一定乐器演奏基础的学员提供一系列特色化教学模式而设立。我们主张手把手教学员，使学员在短期内琴艺突飞猛进，采用学生个性兴趣教学方法,让你的乐器学习不再困难！

如何唱好歌曲 10分钟教你萧敬腾张惠妹的唱歌发声法【金律】唱歌是讲话的艺术（类似山歌，源自生活）2唱歌是呼吸的艺术（一呼一吸，旋律天成）名词解释：真声：发声时声带完全关闭发出来的声音，也就是平时我们说话的自然的声音，但目前90%以上的人说话并不是自然的声音，所以到演唱的时候往往发出来的不是自然的真声。真声结实，也就是所谓的中气足，真声说话和唱歌不伤声带，不会出现嗓子嘶哑的问题。真声用的是丹田发力，符合发声原理。气声：发声时声带不完全关闭发出的声音，也就是平时大家说悄悄话的时候小声说话的那种声音，还有就是声音很高调说话的时候的声音，现在90%以上的人说话都是气声说话。气声是虚弱的，就是所谓的没有中气，声音没有亮度，气声说话和唱歌时气声门打开，大量气体流出，带走水分，导致声带干燥，会伤声带，很容易导致嗓子嘶哑、肿痛，长期以往甚至失声。气声用的是喉咙挤压，不符合发声原理。萧敬腾和张惠妹唱法的特点：善用真声，善用关闭，善用丹田，真功夫多于技巧。我们强烈要求歌手在唱歌头一年阶段要完全用真声唱歌，能真声演唱的严禁用气声演唱，事实证明，萧敬腾、张惠妹的所有歌曲（其他如戴爱玲的空港、A-LIN等的歌曲）在不降调的情况下可以全部纯真声演唱完成，经过一年或者更长时间的实践锻炼后，再开始运用各种技巧唱歌，如果您仔细研究每一位歌手刚出道头一两年的唱歌发声方法，会得到很有用的启示。一、发声练习： 1讲话发声让自己重返幼儿阶段，放声朗读，先读拼音，再读字，而后读词组和句子。拼音举例：a o e i u u注意是有气被喷出去的字举例：萧敬腾注意读音要完整词组举例：王妃新不了情注意连贯性，每一个字要相连，不能断句子举例：你好，萧敬腾注意要说清楚。 2、唱歌发声 ①常见发声练习a~ o~ i~ ma~ mi~ ka~ ke~ ku~，②唱歌发声练习：先用拼音代替歌词。后用吹气代替歌词，最后转到直接唱歌。举例：回忆过去，痛苦的相思忘不了.......萧敬腾《新不了情》注意可以先慢后逐步加快。二、力量练习： 1单腿弹跳，边跳边唱，跳得越高越好，累了可以换脚，每天连续练习唱10首歌以上。 2仰卧起坐，每天100个，俯卧撑每天50个。三、被忽略的问题： Q1、【气往外】发声的时候用手指放在嘴唇前面，用来测试每发一个音必须有明显的气流往外冲，越强越多越好。 Q2、【丹田力】发声过程中，丹田（包括常说的肚皮那片）都必须是硬的，一直都不能放松，而且越来越硬，直到最后一个音符结束。举例：紧-急-相-依-的-心-如-何-say-goodbye- Q3、【句句清】唱每一句之前必须要吸进足够的气，足够即可，不是越多越好，而唱完这一句的时候所有吸进来的气必须全部排空，一点都不能留。举例：请原谅我，好想自私将你占有.......萧敬腾《原谅我》 Q4、【气泡音】每一个发声都必须跟气泡音有联系，从气泡音起又从气泡音结束。举例：疼爱，练习气泡音可以在前后加一个a，a服务a Q5、【尾音下】每一个字的发音要标准，尾音音调不要上扬，要下压，也就是尾音不要往上，要往下。举例：王子的新衣/王子的新衣\ Q6、【首音稳】每一句第一个音要瞬间稳住，吐气要多点，丹田用力要马上跟上，否则容易掉下来。如果王子的新衣可以让我挑选......萧敬腾《王子的新衣》 Q7、【溜滑梯】吸气后上到比平时要高的音层，自上而下自然的滑下来，不能像爬楼梯爬坡上山那样。 Q8、【音相连】每一句的每一个字和音必须用气息把他们有机的连接起来，才能绵长而平滑，就像小朋友过马路，前后手牵着手就不会走散，否则容易散掉，东一个西一个，唱歌走音的原因也在于此。好，只要按照以上的方法去做去练习，基础好的10天就可以掌握，一般的1个月左右就可以掌握。如果大家有什么疑问的，可以到百度秋原帮吧提出。

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请求开通我的百度空间 http://tieba.baidu.com/mo/q/checkurl?url=http%3A%2F%2Fpassport.baidu.com%2Fcenter&urlrefer=59a771f390ebf2159b7f80842e306147 不知道怎么回事我的空间被封，希望能帮我开通，谢谢

离职老师因师德原因而被学校开除，恶意中伤他人和学校形象申请删管理员你好：我们学校一些离职老师因师德有问题而被学校开除，因此故意在网上散布谣言，有损学校形象，比较恶劣。申请删除 http://tieba.baidu.com/mo/q/checkurl?url=http%3A%2F%2Fzhidao.baidu.com%2Fquestion%2F93608427.html%3Ffr%3Duc_push&urlrefer=9f37f32424b2f34178e0caa78dd94385这是网址。

请管理员删除此空间，里面有骂人语言，故意夸大其词。 http://tieba.baidu.com/mo/q/checkurl?url=http%3A%2F%2Fhi.baidu.com%2Fhuihuishuaishu&urlrefer=9b3f21ed98ecf561e5e0c4f194a27293这个网址故意骂人的，以学校名义申请，诋毁学校，其内容夸大其词，把个人矛盾加到学校头上，望能尽快把这个百度空间的内容删除。谢谢郑重声明：本校去年有些个别教师因个人师德及教学能力问题，被学校进行辞退，因个人心里不平衡，近期在网上散播谣言、诋毁学校，望广大家长及学生以到校实地考察为准！另望其老师好自为之，慎重考虑其言行，不要把个人矛盾针对单位，如一再一意孤行，学校将采取法律维护单位合法权益。

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